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domingo, 30 de mayo de 2010

Sheila Chandra - MOONSUNG [Reino Unido]


Sheila Chandra born in South London to a South Indian immigrant family, Sheila Chandra discovered her voice at the age of twelve and whilst at Theatre Arts school. From this moment her chosen path was to be a singer. Lacking any real contacts or access to the music business, she nevertheless honed her vocal skills as a labour of love, spending up to two hours a night throwing her voice into the tall, draughty and uncarpeted stairwell of the family home: "I didn't know how to manufacture an opportunity, but I was determined that when a chance came my way I would be ready."

A chance did come her way, perhaps drawn by the weight of such unshakable belief. Steve Coe, a writer and record producer, was about to form a band as an outlet for his increasingly Indian influenced material. He came across Chandra's voice on an old audition tape, lying in a box at Hansa Records and knew that he had found his singer: "The richness, fluidity and quality of her voice struck me immediately. And then when I requested a photo from the file and found that Sheila was Asian, everything else seemed to fall into place."

'Monsoon' put out an EP on Steve Coe's newly formed 'Indipop' label and were signed by the far sighted Dave Bates at Phonogram. The band's first single 'Ever So Lonely' took a song written around a raga and, utilising the new production techniques available, came up with an irresistible but radical modern pop fusion sound. It was a top ten hit and notched up a quarter of a million sales worldwide.



Following singles did not manage to dent the top twenty and six months later Chandra walked away from it all, frustrated by the increasing lack of communication between Phonogram and Monsoon over artistic direction. She went back to the Indipop label to learn her craft as a writer and musician. Free from business constraints and in complete control of her creative life, there followed a remarkable and prolific two-year period. Her first four solo albums for the label chronicle a profound transformation in the quality and depth of her work, both as a singer and increasingly as a writer, in her then chosen field of Asian fusion - learning from the very structures she had ignored throughout her childhood.

Her new found ability to cross continents in a single vocal line and weave seamlessly the vocal styles of the Arab world, Andalucia, Ireland, Scotland, India and more ancient structures such as that of Gregorian plainsong made for a true fusion within one mind and one voice. 'Weaving My Ancestor's Voices' established Chandra as a spiritual heir to a 'whole world' vocal tradition, whilst Coe's sensitive and painstaking production enhanced this further and acted as an integral part of the recording, particularly on the virtuoso vocal percussion pieces 'Speaking In Tongues' I and II. The album spent several weeks in the Billboard World Music top ten and outsold everything else on the label in the USA.

After touring the USA with Peter Gabriel's 1993 WOMAD tour, there followed 'The Zen Kiss' and 'ABoneCroneDrone'. The latter was a daring minimalist strategy to lure the listener out of long accustomed passivity to hear, as Chandra does, the living symphony of harmonics within the simplest of drones.

Chandra has sold over a quarter of a million albums in the last five years, which has vindicated the riskiness of her approach, and is currently deep in the writing of her ninth solo album. 'Moonsung - A Real World Retrospective' features some of the best of her work on Real World, including two new and previously unreleased tracks, and is a fine introduction to the world of this unique and innovative artist.

Pistas:

01.
Ever So Lonely/Eyes/Ocean
02. Dhyana And Donalogue
03. Shehnai Song
04. The Enchantment
05. Speaking In Tongues III
06. ABoneCroneDrone 3 (excerpt) (Moonsung version)
07. Nana/The Dreaming (Moonsung edit)
08. Waiting
09. Sacred Stones
10. ABoneCroneDrone 1 (excerpt)
11. Lagan Love/Nada Brahma
12. Blacksmith







MOONSUNG

Sheila Chandra - MOONSUNG [Reino Unido]


Sheila Chandra born in South London to a South Indian immigrant family, Sheila Chandra discovered her voice at the age of twelve and whilst at Theatre Arts school. From this moment her chosen path was to be a singer. Lacking any real contacts or access to the music business, she nevertheless honed her vocal skills as a labour of love, spending up to two hours a night throwing her voice into the tall, draughty and uncarpeted stairwell of the family home: "I didn't know how to manufacture an opportunity, but I was determined that when a chance came my way I would be ready."

A chance did come her way, perhaps drawn by the weight of such unshakable belief. Steve Coe, a writer and record producer, was about to form a band as an outlet for his increasingly Indian influenced material. He came across Chandra's voice on an old audition tape, lying in a box at Hansa Records and knew that he had found his singer: "The richness, fluidity and quality of her voice struck me immediately. And then when I requested a photo from the file and found that Sheila was Asian, everything else seemed to fall into place."

'Monsoon' put out an EP on Steve Coe's newly formed 'Indipop' label and were signed by the far sighted Dave Bates at Phonogram. The band's first single 'Ever So Lonely' took a song written around a raga and, utilising the new production techniques available, came up with an irresistible but radical modern pop fusion sound. It was a top ten hit and notched up a quarter of a million sales worldwide.



Following singles did not manage to dent the top twenty and six months later Chandra walked away from it all, frustrated by the increasing lack of communication between Phonogram and Monsoon over artistic direction. She went back to the Indipop label to learn her craft as a writer and musician. Free from business constraints and in complete control of her creative life, there followed a remarkable and prolific two-year period. Her first four solo albums for the label chronicle a profound transformation in the quality and depth of her work, both as a singer and increasingly as a writer, in her then chosen field of Asian fusion - learning from the very structures she had ignored throughout her childhood.

Her new found ability to cross continents in a single vocal line and weave seamlessly the vocal styles of the Arab world, Andalucia, Ireland, Scotland, India and more ancient structures such as that of Gregorian plainsong made for a true fusion within one mind and one voice. 'Weaving My Ancestor's Voices' established Chandra as a spiritual heir to a 'whole world' vocal tradition, whilst Coe's sensitive and painstaking production enhanced this further and acted as an integral part of the recording, particularly on the virtuoso vocal percussion pieces 'Speaking In Tongues' I and II. The album spent several weeks in the Billboard World Music top ten and outsold everything else on the label in the USA.

After touring the USA with Peter Gabriel's 1993 WOMAD tour, there followed 'The Zen Kiss' and 'ABoneCroneDrone'. The latter was a daring minimalist strategy to lure the listener out of long accustomed passivity to hear, as Chandra does, the living symphony of harmonics within the simplest of drones.

Chandra has sold over a quarter of a million albums in the last five years, which has vindicated the riskiness of her approach, and is currently deep in the writing of her ninth solo album. 'Moonsung - A Real World Retrospective' features some of the best of her work on Real World, including two new and previously unreleased tracks, and is a fine introduction to the world of this unique and innovative artist.

Pistas:

01.
Ever So Lonely/Eyes/Ocean
02. Dhyana And Donalogue
03. Shehnai Song
04. The Enchantment
05. Speaking In Tongues III
06. ABoneCroneDrone 3 (excerpt) (Moonsung version)
07. Nana/The Dreaming (Moonsung edit)
08. Waiting
09. Sacred Stones
10. ABoneCroneDrone 1 (excerpt)
11. Lagan Love/Nada Brahma
12. Blacksmith







MOONSUNG

Blick Bassy - Léman [Camerún]

Subido por Marhali.

Blick Bassy es la una de las figuras de la nueva era de la música africana. Autor, compositor e intérprete de Camerún, haciendo prevalecer sonidos acústicos, mezcla de influencias tradicionales de su natal Camerún con músicas negras y latinas actuales, inicia su carrera de éxitos como parte de la agrupación Macase, con la que graba los discos Etam en 1999 y Doulou en 2003, obteniendo varios premios de talla internacional, incluyendo el de RFI para músicas del mundo en 2001.

Conmovedora y sutil, armoniosa a lo largo de los ritmos ondulantes que evocan los ecos de ofertas similares de otros músicos como su compatriota Richard Bona, Lokua Kanza, de la República Democrática del Congo, y Daby Touré, de Mauritania, la música de Blick Bassy mezcla su propia cultura tradicional Bassa con influencias que reflejan su pasión por el jazz y la bossa nova.

Léman, grabado en el estudio de Salif Keita en Bamako en 2009, refleja su amor por los encuentros musicales. Las mezclas modernas se integran sin esfuerzo con la tradicional y la música envuelve sus canciones reflexivas como una capa suave, a la medida de su lengua Bassa que es el idioma en el que elige presentar sus temas. Con la participación de la kora, el kamele n´goni y la flauta peul, Léman establece vínculos inesperados entre territorios geográficamente distantes, como Brasil o Camerún y Malí y el pueblo de sus abuelos, dando como resultado un sonido original, refinado y encantador.

En definitiva, la música de Blick Bassy constituyen un reflejo de sus viajes y de sus encuentros: melodías nómadas que salen de África para recorrer el mundo.

01. africa
02. maria
03. massé
04. nlal (Fatoumata Diawara)
05. donalina
06. sébénikoro
07. nléla
08. bolo
09. mintaba
10. yesu
11. song boum
12.
13. zappa
14. ikou
15. nkolmesseng

Léman



Blick Bassy - Léman [Camerún]

Blick Bassy es la una de las figuras de la nueva era de la música africana. Autor, compositor e intérprete de Camerún, haciendo prevalecer sonidos acústicos, mezcla de influencias tradicionales de su natal Camerún con músicas negras y latinas actuales, inicia su carrera de éxitos como parte de la agrupación Macase, con la que graba los discos Etam en 1999 y Doulou en 2003, obteniendo varios premios de talla internacional, incluyendo el de RFI para músicas del mundo en 2001.

Conmovedora y sutil, armoniosa a lo largo de los ritmos ondulantes que evocan los ecos de ofertas similares de otros músicos como su compatriota Richard Bona, Lokua Kanza, de la República Democrática del Congo, y Daby Touré, de Mauritania, la música de Blick Bassy mezcla su propia cultura tradicional Bassa con influencias que reflejan su pasión por el jazz y la bossa nova.

Léman, grabado en el estudio de Salif Keita en Bamako en 2009, refleja su amor por los encuentros musicales. Las mezclas modernas se integran sin esfuerzo con la tradicional y la música envuelve sus canciones reflexivas como una capa suave, a la medida de su lengua Bassa que es el idioma en el que elige presentar sus temas. Con la participación de la kora, el kamele n´goni y la flauta peul, Léman establece vínculos inesperados entre territorios geográficamente distantes, como Brasil o Camerún y Malí y el pueblo de sus abuelos, dando como resultado un sonido original, refinado y encantador.

En definitiva, la música de Blick Bassy constituyen un reflejo de sus viajes y de sus encuentros: melodías nómadas que salen de África para recorrer el mundo.

01. africa
02. maria
03. massé
04. nlal (Fatoumata Diawara)
05. donalina
06. sébénikoro
07. nléla
08. bolo
09. mintaba
10. yesu
11. song boum
12.
13. zappa
14. ikou
15. nkolmesseng

Léman



Dhafer Youssef - Abu Nawas Rhapsody [Tunez]



Dhafer nació en 1967 en Teboulba Túnez, comenzó a cantar a la edad de cinco años acorde a la tradición islámica. Su música está enraizada en la tradición Sufí y otras corrientes de místicos sonidos, pero siempre con una clara apertura a otras culturas y al jazz. Con su profundo estilo vocal, un acercamiento al sonido del oud (laúd árabe) y complejas composiciones con colorido árabe "Abu Nawas Rhapsody" se convierte en otra obra que comprende desde los límites que rozan la disonancia hasta verdaderas melodías simples y conmovedoras. Lírico, expresivo, intenso y reflexivo.

En este CD Youssef se presenta junto al pianista armenio Tygran Hamasyan, el bajista Chris Jennings y el baterista Marc Giuliana.

Dhafer Youssef dice:
No es sólo la rapsodia de Abu Nawas, es también mi rapsodia. Tal vez sea la tuya también. Se trata de la mística, la sexualidad, la espiritualidad, y más que nada, el amor. La historia se repite a través de nuestra personalidad, y como un árabe a veces siento que pertenezco a la epoca de Abu Nawas, o tal vez el a la mía.

¿Cómo puede sorprendentemente real de la sensibilidad de los poetas que, como la de Abu Nawas y hacía Ibn Fared sus pensamientos, su acercamiento a la vida o su forma de enfocar la vida.
Lo que más me interesa es la idea de anhelo y deseo en mi propio universo, así como en la gente que me rodea. Al final, lo que busco es el Tajallí: el sueño, el éxtasis, lo llaman la lujuria espiritual. La belleza es un concepto real, sensual y muy simple: lo que vemos, oímos, saboreamos y sentimos, guiada por el deseo e inspirado por el amor.
http://www.jazzlandrec.com/index.php?option=com_content&task=view&id=224&Itemid=49

Dhafer Youssef vocals and oud
Tigran Hamasyan piano
Chris Jennings bass
Mark Guiliana drums



Tracks

01- Sacre 'The Wine Ode Suite'
02- Les Ondes Orientales
03- Khamsa 'The Khamriyat of Abu Nuwas'
04- Interl'Oud
05- Odd Elegy
06- Ya Hobb 'In The Name Of Love'
07- Shaouk
08- Shatha
09- Mudamatan 'The Wine Ode Suite'
10- Hayastan Dance
11- Sura
12- Profane 'The Wine Ode Suite'






Dhafer Youssef - Abu Nawas Rhapsody [Tunez]



Dhafer nació en 1967 en Teboulba Túnez, comenzó a cantar a la edad de cinco años acorde a la tradición islámica. Su música está enraizada en la tradición Sufí y otras corrientes de místicos sonidos, pero siempre con una clara apertura a otras culturas y al jazz. Con su profundo estilo vocal, un acercamiento al sonido del oud (laúd árabe) y complejas composiciones con colorido árabe "Abu Nawas Rhapsody" se convierte en otra obra que comprende desde los límites que rozan la disonancia hasta verdaderas melodías simples y conmovedoras. Lírico, expresivo, intenso y reflexivo.
En este CD Youssef se presenta junto al pianista armenio Tygran Hamasyan, el bajista Chris Jennings y el baterista Marc Giuliana.

Dhafer Youssef dice:
No es sólo la rapsodia de Abu Nawas, es también mi rapsodia. Tal vez sea la tuya también. Se trata de la mística, la sexualidad, la espiritualidad, y más que nada, el amor. La historia se repite a través de nuestra personalidad, y como un árabe a veces siento que pertenezco a la epoca de Abu Nawas, o tal vez el a la mía.
¿Cómo puede sorprendentemente real de la sensibilidad de los poetas que, como la de Abu Nawas y hacía Ibn Fared sus pensamientos, su acercamiento a la vida o su forma de enfocar la vida.
Lo que más me interesa es la idea de anhelo y deseo en mi propio universo, así como en la gente que me rodea. Al final, lo que busco es el Tajallí: el sueño, el éxtasis, lo llaman la lujuria espiritual. La belleza es un concepto real, sensual y muy simple: lo que vemos, oímos, saboreamos y sentimos, guiada por el deseo e inspirado por el amor.
http://www.jazzlandrec.com/index.php?option=com_content&task=view&id=224&Itemid=49

Dhafer Youssef vocals and oud
Tigran Hamasyan piano
Chris Jennings bass
Mark Guiliana drums


Tracks
01- Sacre 'The Wine Ode Suite'
02- Les Ondes Orientales
03- Khamsa 'The Khamriyat of Abu Nuwas'
04- Interl'Oud
05- Odd Elegy
06- Ya Hobb 'In The Name Of Love'
07- Shaouk
08- Shatha
09- Mudamatan 'The Wine Ode Suite'
10- Hayastan Dance
11- Sura
12- Profane 'The Wine Ode Suite'






The Skatalites - Hi-Bop Ska [Jamaica]

Más que una banda, los Skatalites fueron y son una institución, una agrupación de músicos de primer nivel que no se limitó a definir el sonido de Jamaica, fueron el sonido de Jamaica en los años 50 y 60. Aunque el grupo existía en su encarnación original por menos de 18 meses, los miembros trajeron sus estilos firma a cientos y cientos de versiones de la isla. The Skatalites oficialmente en fila como el guitarrista Jerome "Jah Jerry" Hinds, el bajista Lloyd Brevett, adolescente pianista Donat Roy "Jackie" Mittoo, el baterista Lloyd Knibbs, el trompetista Johnnie "Dizzie" Moore, nacido en Cuba, el saxofonista Tommy McCook, saxofonistas de alto Lester Esterlinas nacido en Cuba y Alfonso Roldán, y el trombonista Don Drummond. Moore, McCook, Sterling, y Drummond fueron todos los antiguos alumnos de la Escuela Alfa Casa de Niños, una institución educativa para chicos con problemas y problemáticas en Kingston, a cargo de la diócesis católica.
 Perdonen la traduccion de sant google, no puedo seguir mas, su musica es inpresionante disfruten del Ska de Skatalites


01 Guns of Navorone
02 Flowers for Albert
03 Ska Reggae Hi-Bop
04 You’re Wondering Now
05 Everlasting Sound
06 African Freedom
07 Main in the Street
08 Split Personality
09 Renewal
10 Nelson’s Song
11 Burru Style
12 Ska, Ska, Ska

Hi-Bop Ska

The Skatalites - Hi-Bop Ska [Jamaica]

Más que una banda, los Skatalites fueron y son una institución, una agrupación de músicos de primer nivel que no se limitó a definir el sonido de Jamaica, fueron el sonido de Jamaica en los años 50 y 60. Aunque el grupo existía en su encarnación original por menos de 18 meses, los miembros trajeron sus estilos firma a cientos y cientos de versiones de la isla. The Skatalites oficialmente en fila como el guitarrista Jerome "Jah Jerry" Hinds, el bajista Lloyd Brevett, adolescente pianista Donat Roy "Jackie" Mittoo, el baterista Lloyd Knibbs, el trompetista Johnnie "Dizzie" Moore, nacido en Cuba, el saxofonista Tommy McCook, saxofonistas de alto Lester Esterlinas nacido en Cuba y Alfonso Roldán, y el trombonista Don Drummond. Moore, McCook, Sterling, y Drummond fueron todos los antiguos alumnos de la Escuela Alfa Casa de Niños, una institución educativa para chicos con problemas y problemáticas en Kingston, a cargo de la diócesis católica.
 Perdonen la traduccion de sant google, no puedo seguir mas, su musica es inpresionante disfruten del Ska de Skatalites


01 Guns of Navorone
02 Flowers for Albert
03 Ska Reggae Hi-Bop
04 You’re Wondering Now
05 Everlasting Sound
06 African Freedom
07 Main in the Street
08 Split Personality
09 Renewal
10 Nelson’s Song
11 Burru Style
12 Ska, Ska, Ska

Hi-Bop Ska

sábado, 29 de mayo de 2010

Cuarteto Zupay - DISCO DE ORO [Argentina]


El Cuarteto Zupay se formó como agrupación vocal e instrumental en 1966, y tuvo su debut profesional en mayo de 1967. Basaba su repertorio en la música popular argentina, tratada con una armonía clásico-coral, pero sin que ella le hiciera perder su color y origen folklóricos.
Zupay incluía también en su repertorio obras del Renacimiento y del Siglo de Oro Español, tomadas como antecedentes del folklore argentino.

A través de un exhaustivo trabajo de rescate y reelaboración de elementos musicales, los Zupay lograron la revalorización de las raíces folklóricas, concretando así una música erudita de fuerte contenido y bases populares.

En cada uno de los temas que interpretaba el grupo, estaba presente el espíritu de su pueblo, en sus antecedentes indígenas y españoles..

Una de sus principales características ha sido que, desde su mismo origen, los Zupay integraron a sus presentaciones teatrales las puestas escénicas junto a un trabajo refinado de iluminación, incorporando además en diversos espectáculos a la danza, el drama, la escenografía, las proyecciones, la multimedia y la cinematografía.

En veinticinco años de carrera artística, los Zupay realizaron infinidad de grabaciones que recibieron premios por sus ventas, muchas de las cuales contaron con distribución internacional.
Además de sus presentaciones habituales, en el país o en el extranjero, el Cuarteto Zupay puso en escena espectáculos integrales diseñados sobre libros elaborados con puestas originales.
Así mismo efectuó giras nacionales que llevaron al conjunto a recorrer todas las provincias argentinas.

En el extranjero el conjunto realizó viajes frecuentes a Latinoamérica, USA y Europa, destacándose sus presentaciones en ciudades y países tales como: Beltsi, Bendery, Tiraspol y Kishiniev en Moldavia; Sinferopol, Alushta y Jarkov en Ucrania; Moscú en Rusia; El Cairo en Egipto; Tel Aviv, Beersheva, Haifa y Jerusalem en Israel; Roma en Italia; Lisboa en Portugal; Paris en Francia; Madrid, Zaragoza, Barcelona, Sevilla, Cádiz, San Fernando, Huelva, Tenerife, Murcia, Orihuela, Alicante y Bilbao en España; Los Angeles, San Diego, New Orleans, Miami, Washington, New York, Grand Rapids, Detroit en los Estados Unidos; Motreal en Canada e infinidad de ciudades de Puerto Rico, Cuba, Colombia, Perú, Paraguay, Brasil y Uruguay.
FUENTE: http://www.fundacionkonex.com.ar

ZUPAY : Mito procedente de la selva saladina de Santiago del Estero, según el cual existe un espíritu errante que cruza los campos corriendo o montando una mula negra, llevando consigo mulitas, lechiguanas y otros obsequios para quienes se atrevan a encontrarlo.


Temas:

01 . Chiquilín de Bachín
02 . Canción de caminantes
03 . El Señor Juan Sebastián
04 . El viejo Matías
05 . Serenata para la tierra de uno
06 . Manuelita la tortuga
07 . Si Buenos Aires no fuera así
08 . Cuando tú no estás
09 . Zamba del nuevo día
10 . Marcha de San Lorenzo
11 . Antonino
12 . Te quiero
13 . Levántate y canta
14 . Vals municipal
15 . Requiem de madre
16 . Viene clareando
15 . Informe de la situación
16 . Coplas de mi país (con Piero)
17 . Como la cigarra (con Víctor Heredia y César Isella)
18 . Ojalá (con Silvio Rodríguez)
19 . El sueño grande
20 . Porque ha salido el sol (con Víctor Heredia y César Isella)
21 . Hermano americano (con Víctor Heredia y César Isella)
21 . Canción con todos (con varios)









Subido por maria antonieta

DISCO DE ORO

Cuarteto Zupay - DISCO DE ORO [Argentina]


El Cuarteto Zupay se formó como agrupación vocal e instrumental en 1966, y tuvo su debut profesional en mayo de 1967. Basaba su repertorio en la música popular argentina, tratada con una armonía clásico-coral, pero sin que ella le hiciera perder su color y origen folklóricos.
Zupay incluía también en su repertorio obras del Renacimiento y del Siglo de Oro Español, tomadas como antecedentes del folklore argentino.

A través de un exhaustivo trabajo de rescate y reelaboración de elementos musicales, los Zupay lograron la revalorización de las raíces folklóricas, concretando así una música erudita de fuerte contenido y bases populares.

En cada uno de los temas que interpretaba el grupo, estaba presente el espíritu de su pueblo, en sus antecedentes indígenas y españoles..

Una de sus principales características ha sido que, desde su mismo origen, los Zupay integraron a sus presentaciones teatrales las puestas escénicas junto a un trabajo refinado de iluminación, incorporando además en diversos espectáculos a la danza, el drama, la escenografía, las proyecciones, la multimedia y la cinematografía.

En veinticinco años de carrera artística, los Zupay realizaron infinidad de grabaciones que recibieron premios por sus ventas, muchas de las cuales contaron con distribución internacional.
Además de sus presentaciones habituales, en el país o en el extranjero, el Cuarteto Zupay puso en escena espectáculos integrales diseñados sobre libros elaborados con puestas originales.
Así mismo efectuó giras nacionales que llevaron al conjunto a recorrer todas las provincias argentinas.

En el extranjero el conjunto realizó viajes frecuentes a Latinoamérica, USA y Europa, destacándose sus presentaciones en ciudades y países tales como: Beltsi, Bendery, Tiraspol y Kishiniev en Moldavia; Sinferopol, Alushta y Jarkov en Ucrania; Moscú en Rusia; El Cairo en Egipto; Tel Aviv, Beersheva, Haifa y Jerusalem en Israel; Roma en Italia; Lisboa en Portugal; Paris en Francia; Madrid, Zaragoza, Barcelona, Sevilla, Cádiz, San Fernando, Huelva, Tenerife, Murcia, Orihuela, Alicante y Bilbao en España; Los Angeles, San Diego, New Orleans, Miami, Washington, New York, Grand Rapids, Detroit en los Estados Unidos; Motreal en Canada e infinidad de ciudades de Puerto Rico, Cuba, Colombia, Perú, Paraguay, Brasil y Uruguay.
FUENTE: http://www.fundacionkonex.com.ar

ZUPAY : Mito procedente de la selva saladina de Santiago del Estero, según el cual existe un espíritu errante que cruza los campos corriendo o montando una mula negra, llevando consigo mulitas, lechiguanas y otros obsequios para quienes se atrevan a encontrarlo.


Temas:

01 . Chiquilín de Bachín
02 . Canción de caminantes
03 . El Señor Juan Sebastián
04 . El viejo Matías
05 . Serenata para la tierra de uno
06 . Manuelita la tortuga
07 . Si Buenos Aires no fuera así
08 . Cuando tú no estás
09 . Zamba del nuevo día
10 . Marcha de San Lorenzo
11 . Antonino
12 . Te quiero
13 . Levántate y canta
14 . Vals municipal
15 . Requiem de madre
16 . Viene clareando
15 . Informe de la situación
16 . Coplas de mi país (con Piero)
17 . Como la cigarra (con Víctor Heredia y César Isella)
18 . Ojalá (con Silvio Rodríguez)
19 . El sueño grande
20 . Porque ha salido el sol (con Víctor Heredia y César Isella)
21 . Hermano americano (con Víctor Heredia y César Isella)
21 . Canción con todos (con varios)









Subido por maria antonieta

DISCO DE ORO

viernes, 28 de mayo de 2010

Pedro Aznar - CUERPO Y ALMA [Argentina]


Pedro Aznar nació en la Capital Federal el 23 de julio de 1959. A los quince años ya tocaba en el grupo Madre Atómica. Formado el año anterior, este trío constituía el boom del circuito underground. Lito Epumer en guitarra, Juan Carlos Fontana en la batería y Rubén Darío Alcaraz en el bajo - después lo reemplazó Aznar -, conformaban uno de los grupos más virtuosos del medio. En 1975 Sinessi sustituyó a Epumer, pero diferencias internas llevaron a la banda a la disolución.

Poco tiempo después, Aznar ingresó en Alas, también un trío de jazz-rock, aunque con influencias del tango-rock. Este conjunto estaba integrado por Gustavo Moretto en teclados, vientos y voz; Carlos Riganti en batería y percusión y Alex Zucker en bajo y guitarra, posteriormente reemplazado por Aznar. En 1977 graban "Pinta tu Aldea", álbum que saldría a la venta recién en 1983. El grupo se disolvió al viajar Moretto a Boston, en busca de perfeccionamiento musical.

Antes de integrar Serú Girán, Aznar formó parte de la banda de Raúl Porchetto, también en el año 1977. En 1978 tuvo un fugaz paso por Pastoral. Su participación en este grupo fue contemporánea a la de Oscar Moro, meses antes de empezar ambos con Serú. Participó también en la banda Amalgama.

En 1978 fue convocado por Charly García para integrar su nueva banda: Serú Girán. A pesar del tímido comienzo, Aznar se fue consolidando hasta ser un pilar fundamental del cuarteto, al punto de ser su partida determinante en la disolución de Serú, en 1982. En esos años, editaron cinco discos: "Serú Girán" (1982), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982).

Llega así el año clave en su carrera: graba su primer disco como solista ("Pedro Aznar", 1982) de donde se destacan el tema "Conduciendo una locomotora" y la versión idéntica del tema "Because" de The Beatles; viaja a Estados Unidos para perfeccionar sus estudios en la Universidad de Berklee; participa en "Yendo de la cama al living", el disco de García (es co-autor de "Peluca Telefónica", junto a Charly y a L.A.Spinetta); el 11 de septiembre presenta su disco en el estadio de Obras Sanitarias, y es convocado por el guitarrista norteamericano Pat Metheny para unirse a su banda, con la cual salen de gira por Estados Unidos y Europa. Con esta agrupación graba los discos "First Circle" (1982) y "The Falcon and the Snowman" (1984), haciendo bajo, coros, algunos teclados y guitarra.

Previamente a viajar a Estados Unidos, Pedro compuso junto a Spinetta la música de la obra "Lenny Blues" de Robertino Granados y puesta en escena de Emilio del Guercio.

En 1984 se presenta en el Luna Park junto a León Gieco y Spinetta como invitados del brasileño Iván Lins, y se edita un disco en vivo de esa reunión. Ese mismo año participa en "Clics Modernos", también de Charly García. Un año después graba su segundo LP ("Contemplación"), con la participación de Lyle Mays (piano), Metheny (guitarra), Osvaldo Fattoruso (percusión) y Dan Gotties (batería), entre otros. De ese segundo disco se destacan los temas "23", "Verano en Nueva Inglaterra" y "A la hora que duermen los trenes". En agosto viaja para tocar con el Pat Metheny Group en Obras y graba "Tango" junto a García.

Luego de editar "Fotos de Tokio", Aznar fue convocado por el cineasta Eliseo Subiela para componer y grabar las bandas de sonido de "Hombre mirando al sudeste" (1987) y "Ultimas imágenes del naufragio" (1990). Antes había grabado "Fotos de Tokyo", siguiente álbum solista del cual se destaca el tema homónimo. Volvió a grabar con el Pat Metheny Group "Letter From Home" (1989), disco para el cual compuso el tema "Vidala", un curioso intento de cantar en inglés una vertiente folklórica del norte argentino.

En 1990 compuso la banda sonora de "Amantísima", una obra de Susana Torres Molina. Ese mismo año fue el arreglador vocal de "Canción Animal", el exitoso LP de Soda Stereo. Justamente con Gustavo Cerati y Charly García fue co-autor de "No te mueras en mi casa", registrado en el LP "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990).

En 1991, su amistad con García lo llevó a editar un nuevo disco, "Tango 4". Al mismo tiempo, ambos realizaron "Radio Pinti", junto al actor y cómico Enrique Pinti.

1992 fue el retorno de Seru Giran. Para la placa "Serú '92" compuso los temas "A cada hombre, a cada mujer", "Déjame entrar" y "Si me das tu amor", además de tener participación autoral en casi todo el resto del disco. En esta placa y en las dos registradas en vivo, Aznar ganó protagonismo en la banda, en comparación a la etapa 1978-82.

En 1995 compuso la banda de sonido para la película de Eliseo Subiela "No te mueras sin decirma a dónde vas" y presentó su nueva banda, con la cual editó "David y Goliath" (cuarto LP solista), un trabajo que le demandó cuatro años para poner en la calle. Lo curioso es que este cuarteto lo formó a través de un aviso en el diario. Recibió más de doscientos demos, realizó una veintena de audiciones personales y, finalmente, se decidió por Alejandro Devries (teclados), Gustavo Sadofschi (guitarra) y Christian Judurcha (batería).

Todo el medio rockero argentino lo respeta por su calidad como músico. Pero durante muchos años, este virtuosismo le ha dificultado su integración con sus pares. Era considerado como un "intelectual de la música", y eso en ambientes rockeros era poco menos que despreciado.

Su admiración por Jaco Pastorius lo llevó a tomar de él la técnica del bajo sin trastes: el famoso fretless. El sonido que emana de su instrumento lleva una indeleble y refinada marca de corte jazzero.

Su riguroso trabajo con computadoras hacen su obra un poco «fría» pero, indudablemente, el hecho de haber pertenecido a Serú Girán, y de ser miembro estable de la banda de Pat Metheny, lo acreditan como uno de los mejores instrumentistas de nuestro medio.

"Cuerpo y alma"
El disco de Pedro Aznar fue editado en 1998.

La lista de temas es:

01 . Cuerpo y alma
02 . Traición

03 .
A primera vista

04 . Huracán

05 . La pomeña

06 . El tunguele

07 . Nubes negras

08 . Mundo en llamas

09 . Lo hermoso que fue

10 . Después de todo el tiempo

11 .
María Landó

12 . Como dos extraños

13. Qué he sacado por quererte

14 . Joana Francesa

15 . Días blancos de primavera

16 . Lo que perdiste









Subido por maria antonieta

CUERPO Y ALMA

Pedro Aznar - CUERPO Y ALMA [Argentina]


Pedro Aznar nació en la Capital Federal el 23 de julio de 1959. A los quince años ya tocaba en el grupo Madre Atómica. Formado el año anterior, este trío constituía el boom del circuito underground. Lito Epumer en guitarra, Juan Carlos Fontana en la batería y Rubén Darío Alcaraz en el bajo - después lo reemplazó Aznar -, conformaban uno de los grupos más virtuosos del medio. En 1975 Sinessi sustituyó a Epumer, pero diferencias internas llevaron a la banda a la disolución.

Poco tiempo después, Aznar ingresó en Alas, también un trío de jazz-rock, aunque con influencias del tango-rock. Este conjunto estaba integrado por Gustavo Moretto en teclados, vientos y voz; Carlos Riganti en batería y percusión y Alex Zucker en bajo y guitarra, posteriormente reemplazado por Aznar. En 1977 graban "Pinta tu Aldea", álbum que saldría a la venta recién en 1983. El grupo se disolvió al viajar Moretto a Boston, en busca de perfeccionamiento musical.

Antes de integrar Serú Girán, Aznar formó parte de la banda de Raúl Porchetto, también en el año 1977. En 1978 tuvo un fugaz paso por Pastoral. Su participación en este grupo fue contemporánea a la de Oscar Moro, meses antes de empezar ambos con Serú. Participó también en la banda Amalgama.

En 1978 fue convocado por Charly García para integrar su nueva banda: Serú Girán. A pesar del tímido comienzo, Aznar se fue consolidando hasta ser un pilar fundamental del cuarteto, al punto de ser su partida determinante en la disolución de Serú, en 1982. En esos años, editaron cinco discos: "Serú Girán" (1982), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982).

Llega así el año clave en su carrera: graba su primer disco como solista ("Pedro Aznar", 1982) de donde se destacan el tema "Conduciendo una locomotora" y la versión idéntica del tema "Because" de The Beatles; viaja a Estados Unidos para perfeccionar sus estudios en la Universidad de Berklee; participa en "Yendo de la cama al living", el disco de García (es co-autor de "Peluca Telefónica", junto a Charly y a L.A.Spinetta); el 11 de septiembre presenta su disco en el estadio de Obras Sanitarias, y es convocado por el guitarrista norteamericano Pat Metheny para unirse a su banda, con la cual salen de gira por Estados Unidos y Europa. Con esta agrupación graba los discos "First Circle" (1982) y "The Falcon and the Snowman" (1984), haciendo bajo, coros, algunos teclados y guitarra.

Previamente a viajar a Estados Unidos, Pedro compuso junto a Spinetta la música de la obra "Lenny Blues" de Robertino Granados y puesta en escena de Emilio del Guercio.

En 1984 se presenta en el Luna Park junto a León Gieco y Spinetta como invitados del brasileño Iván Lins, y se edita un disco en vivo de esa reunión. Ese mismo año participa en "Clics Modernos", también de Charly García. Un año después graba su segundo LP ("Contemplación"), con la participación de Lyle Mays (piano), Metheny (guitarra), Osvaldo Fattoruso (percusión) y Dan Gotties (batería), entre otros. De ese segundo disco se destacan los temas "23", "Verano en Nueva Inglaterra" y "A la hora que duermen los trenes". En agosto viaja para tocar con el Pat Metheny Group en Obras y graba "Tango" junto a García.

Luego de editar "Fotos de Tokio", Aznar fue convocado por el cineasta Eliseo Subiela para componer y grabar las bandas de sonido de "Hombre mirando al sudeste" (1987) y "Ultimas imágenes del naufragio" (1990). Antes había grabado "Fotos de Tokyo", siguiente álbum solista del cual se destaca el tema homónimo. Volvió a grabar con el Pat Metheny Group "Letter From Home" (1989), disco para el cual compuso el tema "Vidala", un curioso intento de cantar en inglés una vertiente folklórica del norte argentino.

En 1990 compuso la banda sonora de "Amantísima", una obra de Susana Torres Molina. Ese mismo año fue el arreglador vocal de "Canción Animal", el exitoso LP de Soda Stereo. Justamente con Gustavo Cerati y Charly García fue co-autor de "No te mueras en mi casa", registrado en el LP "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990).

En 1991, su amistad con García lo llevó a editar un nuevo disco, "Tango 4". Al mismo tiempo, ambos realizaron "Radio Pinti", junto al actor y cómico Enrique Pinti.

1992 fue el retorno de Seru Giran. Para la placa "Serú '92" compuso los temas "A cada hombre, a cada mujer", "Déjame entrar" y "Si me das tu amor", además de tener participación autoral en casi todo el resto del disco. En esta placa y en las dos registradas en vivo, Aznar ganó protagonismo en la banda, en comparación a la etapa 1978-82.

En 1995 compuso la banda de sonido para la película de Eliseo Subiela "No te mueras sin decirma a dónde vas" y presentó su nueva banda, con la cual editó "David y Goliath" (cuarto LP solista), un trabajo que le demandó cuatro años para poner en la calle. Lo curioso es que este cuarteto lo formó a través de un aviso en el diario. Recibió más de doscientos demos, realizó una veintena de audiciones personales y, finalmente, se decidió por Alejandro Devries (teclados), Gustavo Sadofschi (guitarra) y Christian Judurcha (batería).

Todo el medio rockero argentino lo respeta por su calidad como músico. Pero durante muchos años, este virtuosismo le ha dificultado su integración con sus pares. Era considerado como un "intelectual de la música", y eso en ambientes rockeros era poco menos que despreciado.

Su admiración por Jaco Pastorius lo llevó a tomar de él la técnica del bajo sin trastes: el famoso fretless. El sonido que emana de su instrumento lleva una indeleble y refinada marca de corte jazzero.

Su riguroso trabajo con computadoras hacen su obra un poco «fría» pero, indudablemente, el hecho de haber pertenecido a Serú Girán, y de ser miembro estable de la banda de Pat Metheny, lo acreditan como uno de los mejores instrumentistas de nuestro medio.

"Cuerpo y alma"
El disco de Pedro Aznar fue editado en 1998.

La lista de temas es:

01 . Cuerpo y alma
02 . Traición

03 .
A primera vista

04 . Huracán

05 . La pomeña

06 . El tunguele

07 . Nubes negras

08 . Mundo en llamas

09 . Lo hermoso que fue

10 . Después de todo el tiempo

11 .
María Landó

12 . Como dos extraños

13. Qué he sacado por quererte

14 . Joana Francesa

15 . Días blancos de primavera

16 . Lo que perdiste









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CUERPO Y ALMA

Joaquín Orellana - HOJAS DE ÁLBUM [Guatemala]


Joaquín Orellana Mejía (Guatemala, 1937) es un compositor y músico guatemalteco. En 1949 inició su educación musical en el Conservatorio Nacional de Música, situado en la capital guatemalteca.

En 1967 obtuvo una beca en el Instituto de Altos Estudios Musicales Torcuato di Tella de Buenos Aires (Argentina), donde se familiarizó con la música contemporánea de vanguardia y aprendió diversas técnicas de música electroacústica (composición y montaje). Recibió cursos de lingüística estructural, análisis poético, técnicas audiovisuales y filosofía del arte. Algunos de sus profesores eran notables maestros, como Alberto Ginastera, Gerardo Gandini y Francisco Kröpfl.

Durante el período 1956-1974 desempeñó el cargo de violinista en la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala, al tiempo que dirigió el Grupo de Experimentación Musical, que él mismo había fundado. En 1969 obtuvo el primer premio en el Certamen Centroamericano 15 de Septiembre, por su obra Multífona. Trabajó en la Dirección General de Bellas Artes de Guatemala y como maestro en el Conservatorio Nacional.

Desde 1977 hasta 1982 integró un equipo de trabajo con los hermanos David e Igor de Gandarias, impartiendo talleres de sensibilización al fenómeno acústico y cursillos de introducción a la música contemporánea, en diversas entidades de la capital. También ejerció la docencia en el Octavo Curso Latinoamericano de Música Contemporánea, realizado en São João del Rei, estado de Minas Gerais (Brasil).

En 1982 su obra Poema Coral Declamatorio fue seleccionada para formar parte del archivo venezolano en homenaje a Simón Bolívar. Entre los años 1981 y 1984 dirigió el cuarteto Remembranza fundado por él; y en 1985 fundó y dirigió el Quinteto Municipal de Arcos.

Sus obras musicales ocupan un lugar relevante en la historia de la música contemporánea latinoamericana. Algunas de ellas son Cantata dialéctica (1974); Rupestre en el futuro (1979); Imposible a la X (Imágenes de una Historia en Redondo), compuesta en 1980 y premiada en Bourges, Francia; Piezas características para Cuarteto de Cuerdas (1983) y El violín valsante de Huisderio Armadel, ciclo para violín y orquesta compuesto entre 1986 y 1990.

Pistas:
1.
Cajita de alegres penas
2. Balada de junio (atmósfera de un enigma)
3. Romance de papel (dialo – guiños)
4. La vanidosa
5. Violín sideral (dos poemas)


José Santos Paniagua: violín (1, 2, 5)
Néstor Arévalo Almorza: violín (3, 4)
Alma Rosa Gaitán: piano





HOJAS DE ÁLBUM

Joaquín Orellana - HOJAS DE ÁLBUM [Guatemala]


Joaquín Orellana Mejía (Guatemala, 1937) es un compositor y músico guatemalteco. En 1949 inició su educación musical en el Conservatorio Nacional de Música, situado en la capital guatemalteca.

En 1967 obtuvo una beca en el Instituto de Altos Estudios Musicales Torcuato di Tella de Buenos Aires (Argentina), donde se familiarizó con la música contemporánea de vanguardia y aprendió diversas técnicas de música electroacústica (composición y montaje). Recibió cursos de lingüística estructural, análisis poético, técnicas audiovisuales y filosofía del arte. Algunos de sus profesores eran notables maestros, como Alberto Ginastera, Gerardo Gandini y Francisco Kröpfl.

Durante el período 1956-1974 desempeñó el cargo de violinista en la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala, al tiempo que dirigió el Grupo de Experimentación Musical, que él mismo había fundado. En 1969 obtuvo el primer premio en el Certamen Centroamericano 15 de Septiembre, por su obra Multífona. Trabajó en la Dirección General de Bellas Artes de Guatemala y como maestro en el Conservatorio Nacional.

Desde 1977 hasta 1982 integró un equipo de trabajo con los hermanos David e Igor de Gandarias, impartiendo talleres de sensibilización al fenómeno acústico y cursillos de introducción a la música contemporánea, en diversas entidades de la capital. También ejerció la docencia en el Octavo Curso Latinoamericano de Música Contemporánea, realizado en São João del Rei, estado de Minas Gerais (Brasil).

En 1982 su obra Poema Coral Declamatorio fue seleccionada para formar parte del archivo venezolano en homenaje a Simón Bolívar. Entre los años 1981 y 1984 dirigió el cuarteto Remembranza fundado por él; y en 1985 fundó y dirigió el Quinteto Municipal de Arcos.

Sus obras musicales ocupan un lugar relevante en la historia de la música contemporánea latinoamericana. Algunas de ellas son Cantata dialéctica (1974); Rupestre en el futuro (1979); Imposible a la X (Imágenes de una Historia en Redondo), compuesta en 1980 y premiada en Bourges, Francia; Piezas características para Cuarteto de Cuerdas (1983) y El violín valsante de Huisderio Armadel, ciclo para violín y orquesta compuesto entre 1986 y 1990.

Pistas:
1.
Cajita de alegres penas
2. Balada de junio (atmósfera de un enigma)
3. Romance de papel (dialo – guiños)
4. La vanidosa
5. Violín sideral (dos poemas)


José Santos Paniagua: violín (1, 2, 5)
Néstor Arévalo Almorza: violín (3, 4)
Alma Rosa Gaitán: piano





HOJAS DE ÁLBUM

Titi Robin - Kali Sultana [Francia]

L'ombre du Ghazal


Durante más de treinta años, este músico inquieto ha nadado en la confluencia de las culturas gitana y árabe. Ha surfeado la ola impetuosa poética y majestuosa que fluye desde las faldas de la India a través de Asia Central hasta las orillas del Mediterráneo en todas direcciones. En su nuevo álbum, Kali Sultana L'Ombre du Ghazal, Titi Robin, como nunca antes demuestra que su búsqueda es desarrollar un lenguaje muy personal, directo desde el corazón y sus raíces, que abraza a la topografía y las líneas de fallas de una paisaje vasto interior. La Kali Sultana (La Reina Negra) es un ideal de belleza que todo artista persigue. Como Titi Robin es uno de esos hombres cuya sed de belleza nunca está saciado, ha sido elegido para pintar su retrato e inventar una historia que va desde el borde del desierto hasta el corazón febril de la ciudad. En este proyecto, principalmente instrumental, la voz hace dos apariciones. El cantar con su voz vibrante, María Robin presta una intensidad añadida a la música, que a lo largo del álbum, celebra la preeminencia del cantar. La historia de Kali Sultana tanto, refleja las visiones y las aspiraciones de un músico que, paso a paso, cava más profundo hacia sus deseos y sus experiencias.
http://www.amazon.com/Kali-Sultana-Titi-Robin/dp/B001GI21EI

CD1
Ouverture
1. Le Sable
Premier Mouvement
2. L’aube impatiente
3. Salâm à Suraj
4. Les premiers pas de Sultana
5. L’ombre de la pierre noire
6. Sur le seuil
7. Afghani de Casa
8. L’enfance de Kali
9. Reflets du désir
10. Homme fait d’argile
Intermède
11. Jeux de paumes (premiers songes)
Deuxième Mouvement
12. La brûlure de l’eau
13. A ta source
14. Ses longs cheuveux noirs
15. Le goût du sel
16. La terre cet animal
17. Le trouble de l’eau


 CD2
Troisième Mouvement
1. Appel
2. Khuda, Teri Kasam
3. Sultana La Kali
Intermède
4. Un Rubis Du Yemen (Deuxième Songe)
Quartrième Mouvement
5. Premierre Danse Pour Khusrau
6. Deuxieme Danse Pour Machrab
7. Troisieme Danse Pour Emre
Intermède
8. Reve D’une Nuit D’orange (Troisieme Songe)
Cinquième Mouvement
9. Sara Tourne Et S’envole
Sixième Mouvement
10. Retour Au Pays
11. Ghazal Sans Parole
Septième Mouvement
12. Lettres De Marie Jacobe A Marie Salome
13. Rumba Sultana
Epilogue
14. Nouvelle Aube Au Désert




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Kali Sultana

Titi Robin - Kali Sultana [Francia]

L'ombre du Ghazal


Durante más de treinta años, este músico inquieto ha nadado en la confluencia de las culturas gitana y árabe. Ha surfeado la ola impetuosa poética y majestuosa que fluye desde las faldas de la India a través de Asia Central hasta las orillas del Mediterráneo en todas direcciones. En su nuevo álbum, Kali Sultana L'Ombre du Ghazal, Titi Robin, como nunca antes demuestra que su búsqueda es desarrollar un lenguaje muy personal, directo desde el corazón y sus raíces, que abraza a la topografía y las líneas de fallas de una paisaje vasto interior. La Kali Sultana (La Reina Negra) es un ideal de belleza que todo artista persigue. Como Titi Robin es uno de esos hombres cuya sed de belleza nunca está saciado, ha sido elegido para pintar su retrato e inventar una historia que va desde el borde del desierto hasta el corazón febril de la ciudad. En este proyecto, principalmente instrumental, la voz hace dos apariciones. El cantar con su voz vibrante, María Robin presta una intensidad añadida a la música, que a lo largo del álbum, celebra la preeminencia del cantar. La historia de Kali Sultana tanto, refleja las visiones y las aspiraciones de un músico que, paso a paso, cava más profundo hacia sus deseos y sus experiencias.
http://www.amazon.com/Kali-Sultana-Titi-Robin/dp/B001GI21EI

CD1
Ouverture
1. Le Sable
Premier Mouvement
2. L’aube impatiente
3. Salâm à Suraj
4. Les premiers pas de Sultana
5. L’ombre de la pierre noire
6. Sur le seuil
7. Afghani de Casa
8. L’enfance de Kali
9. Reflets du désir
10. Homme fait d’argile
Intermède
11. Jeux de paumes (premiers songes)
Deuxième Mouvement
12. La brûlure de l’eau
13. A ta source
14. Ses longs cheuveux noirs
15. Le goût du sel
16. La terre cet animal
17. Le trouble de l’eau


 CD2
Troisième Mouvement
1. Appel
2. Khuda, Teri Kasam
3. Sultana La Kali
Intermède
4. Un Rubis Du Yemen (Deuxième Songe)
Quartrième Mouvement
5. Premierre Danse Pour Khusrau
6. Deuxieme Danse Pour Machrab
7. Troisieme Danse Pour Emre
Intermède
8. Reve D’une Nuit D’orange (Troisieme Songe)
Cinquième Mouvement
9. Sara Tourne Et S’envole
Sixième Mouvement
10. Retour Au Pays
11. Ghazal Sans Parole
Septième Mouvement
12. Lettres De Marie Jacobe A Marie Salome
13. Rumba Sultana
Epilogue
14. Nouvelle Aube Au Désert




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Kali Sultana

Joanne Shenandoah - Life blood (North American Native)


Joanne Shenandoah é uma cantora Iroquois, compositora e violonista. Ela é membro do clã Wolf da Nação Oneida, do Six Nations Haudenosaunee Iroquois Confederacy. A sua música é uma combinação de melodias e canções tradicionais com uma mistura de instrumentos tradicionais e contemporâneos. Gravou mais de 14 álbuns e ganhou muitos prêmios, e um doutorado honorário da música por Syracuse University. Ela foi premiada com um Grammy Award por sua parte no álbum Sacred Ground com Walela e com Rita Coolidge.

No presente álbum, "LIFE BLOOD", de 1995 ela é acompanhada por um grupo de excepcionais músicos da NEW AGE dos USA, destacando-se o laureado pianista PETER KATER.

Surgindo como uma artista em 1990, ela já se apresentou em shows como de alto nível no Carnegie Hall, na Casa Branca, Kennedy Center, no Dia da Terra no Mall, Woodstock '94, no Parlamento das Religiões Worlds na África do Sul, na famosa Sagrada Família, em Barcelona-Espanha, em Istambul, Hwa Eom Temple, Coreia do Sul e em milhares de locais em os USA

Ganhadora de um Grammy e 12 Time Native American Music Awards, Joanne Shenandoah cumpriu e continu cumprindo a promessa de seu nome nativo americano, Tekaliwah-kwa, (“Ela Canta”). "Ela se tornou um dos mais aclamados artistas nativos americanos de seu tempo." Associated Press.

Texto adaptado de WIKIPEDIA e do site oficial: JOANNE SHENANDOAH

MÚSICOS
-Joanne Shenandoah - vocal
-Peter Kater - piano, teclados
-Michael Tirsch - percussão
-Randy Chavez - guitarras
-Tony Levin - baixo
-Kazu Matsui - flauta "shakuhachi"


MÚSICAS

01. Messenger
02. Circle of friendship
03. When eyes meet
04. Path of beauty
05. Song of Union
06. Woman`s dance
07. Dance of the North
08. Life blood
09. Messenger reprise


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