Un extraordinario album de 2 discos repletos con lo mejor de la mejor música árabe! El primer disco tiene ritmos más movidos y electrónicos, que contrasta deliciosamente con el segundo disco con ritmos más relajados y con tendencia ChillOut y Lo-Fi.
Disco 1
1. Hossam Ramzy - Enta Omri I (6:29) 2. Yannis Saleas - Don't Be Sad That I Leave (Mi (7:24) 3. Mozart L'Egyptien - Symphonie Egytienne #25 (6:39) 4. Lili Boniche - Ana Fil Houb (5:31) 5. Suzy - Noches (4:43) 6. Gnawa Diffusion - Istikbar + Ombre Elle (5:01) 7. Hossam Ramzy - Aziza (4:42) 8. Cheb Khaled - Male Habtl Madjatch (9:32) 9. Ruby Hen - Medley Egyptien (Anna Saber' - (9:29) 10. L'Orchestre National de Barbés - Alaoui (Digital Bled Dance Mix) 11. Claude Challe & Carlos Campos - Flying Carpet (Club Mix) (6:00)
Disco 2
1. A.R. Rahman - Mumbai Theme Tune (5:02) 2. Frederick Rousseau - The Prayer (4:34) 3. Nusrat Fateh Ali Khan & Lori C - Don't Go Back To Sleep (7:05) 4. Oliver Shanti - Tara Shatki Mantra (3:41) 5. Patrick O'Hearn - Hear Our Prayer (3:34) 6. Amira Sagati - Affairs Under Al Bharr (3:43) 7. Nitin Sawhney & Natacha Atlas - Hope (5:39) 8. Onomatempo - Mirage (6:34) 9. Claude Challe & Carlos Campos - Flying Carpet (Ambient Mix) (5:12) 10. Tranquility Bass - Cantamilla (6:20) 11. Lucas Thanos - Timeless Moments (4:36) 12. Stoppa & Nobby - Sweet Lassi Dub (6:28) 13. Loop Guru - Caravan (3:51) 14. Joi - India (9:06)
Un extraordinario album de 2 discos repletos con lo mejor de la mejor música árabe! El primer disco tiene ritmos más movidos y electrónicos, que contrasta deliciosamente con el segundo disco con ritmos más relajados y con tendencia ChillOut y Lo-Fi.
Disco 1
1. Hossam Ramzy - Enta Omri I (6:29) 2. Yannis Saleas - Don't Be Sad That I Leave (Mi (7:24) 3. Mozart L'Egyptien - Symphonie Egytienne #25 (6:39) 4. Lili Boniche - Ana Fil Houb (5:31) 5. Suzy - Noches (4:43) 6. Gnawa Diffusion - Istikbar + Ombre Elle (5:01) 7. Hossam Ramzy - Aziza (4:42) 8. Cheb Khaled - Male Habtl Madjatch (9:32) 9. Ruby Hen - Medley Egyptien (Anna Saber' - (9:29) 10. L'Orchestre National de Barbés - Alaoui (Digital Bled Dance Mix) 11. Claude Challe & Carlos Campos - Flying Carpet (Club Mix) (6:00)
Disco 2
1. A.R. Rahman - Mumbai Theme Tune (5:02) 2. Frederick Rousseau - The Prayer (4:34) 3. Nusrat Fateh Ali Khan & Lori C - Don't Go Back To Sleep (7:05) 4. Oliver Shanti - Tara Shatki Mantra (3:41) 5. Patrick O'Hearn - Hear Our Prayer (3:34) 6. Amira Sagati - Affairs Under Al Bharr (3:43) 7. Nitin Sawhney & Natacha Atlas - Hope (5:39) 8. Onomatempo - Mirage (6:34) 9. Claude Challe & Carlos Campos - Flying Carpet (Ambient Mix) (5:12) 10. Tranquility Bass - Cantamilla (6:20) 11. Lucas Thanos - Timeless Moments (4:36) 12. Stoppa & Nobby - Sweet Lassi Dub (6:28) 13. Loop Guru - Caravan (3:51) 14. Joi - India (9:06)
L’Ham de Foc es un grupo valenciano de folk contemporáneo. Efrén López y Mara Aranda, impulsores del proyecto, comienzan el trabajo de composición a principios del año 1998. A mediados del mismo año son seleccionados por el Instituto de la Juventud en la convocatoria que anualmente realiza para hacer una gira por diferentes ciudades españolas con lo que se hace necesario buscar músicos para interpretar los temas en directo.
Los componentes de L'ham de Foc provienen de formaciones con estilos muy diversos y el objetivo que los une es el estudio e investigación de las tradiciones musicales del mundo para, posteriormente, aplicar los resultados obtenidos a sus composiciones.
Acompañan y nutren la diversidad sonora y rítmica del repertorio con instrumentos representativos de diferentes culturas: buzuki griego, tarota, sitar, didjeridú australiano o saz turco son algunos de ellos.
Cor de Porc (Corazón de Cerdo) fue su último disco antes de disolverse. Un álbum cargado de influencias griegas, turcas, árabes y balcánicas, pero que no olvida las raíces de la música tradicional española.
Considerados como los Dead Can Dance españoles, nos entregan un folk fresco pero elaborado siguiendo las tendencias actuales del folk contemporáneo.
1. Voldrien 2. Per la boca 3. Pandero 4. La Raó 5. Cus! 6. Tristos ulls 7. L’estimat del corb 8. Encara 9. Jorn e nit 10. Història curta d’un vent 11. Àngels de menta 12. L’únic peix no foll del món
L’Ham de Foc es un grupo valenciano de folk contemporáneo. Efrén López y Mara Aranda, impulsores del proyecto, comienzan el trabajo de composición a principios del año 1998. A mediados del mismo año son seleccionados por el Instituto de la Juventud en la convocatoria que anualmente realiza para hacer una gira por diferentes ciudades españolas con lo que se hace necesario buscar músicos para interpretar los temas en directo.
Los componentes de L'ham de Foc provienen de formaciones con estilos muy diversos y el objetivo que los une es el estudio e investigación de las tradiciones musicales del mundo para, posteriormente, aplicar los resultados obtenidos a sus composiciones.
Acompañan y nutren la diversidad sonora y rítmica del repertorio con instrumentos representativos de diferentes culturas: buzuki griego, tarota, sitar, didjeridú australiano o saz turco son algunos de ellos.
Cor de Porc (Corazón de Cerdo) fue su último disco antes de disolverse. Un álbum cargado de influencias griegas, turcas, árabes y balcánicas, pero que no olvida las raíces de la música tradicional española.
Considerados como los Dead Can Dance españoles, nos entregan un folk fresco pero elaborado siguiendo las tendencias actuales del folk contemporáneo.
1. Voldrien 2. Per la boca 3. Pandero 4. La Raó 5. Cus! 6. Tristos ulls 7. L’estimat del corb 8. Encara 9. Jorn e nit 10. Història curta d’un vent 11. Àngels de menta 12. L’únic peix no foll del món
In Taberna es una banda chilena compuesta por profesores de música de la Universidad Metropolitana. Interpretan música Medieval y ya cuentan con 3 producciones.
Aqui les presento su segunda producción, “Música de Tres Culturas”, la que le lleva música medieval de tradición árabe, judía y cristiana.
1. Ductia 2. Touchia, al isthilal 3. Yo m'enamori d'un aire 4. Saltarello 5. Maravillosos et piadosos(cantiga nº39) 6. Salve virgo virginum 7. Sana'a, garibach al-hossain 8. Sumer is icumen in 9. Hija Mia 10. Toda cousa(cantiga nº117) 11. Himlaya 12. Saltarello 13. Ay! Madre
In Taberna es una banda chilena compuesta por profesores de música de la Universidad Metropolitana. Interpretan música Medieval y ya cuentan con 3 producciones.
Aqui les presento su segunda producción, “Música de Tres Culturas”, la que le lleva música medieval de tradición árabe, judía y cristiana.
1. Ductia 2. Touchia, al isthilal 3. Yo m'enamori d'un aire 4. Saltarello 5. Maravillosos et piadosos(cantiga nº39) 6. Salve virgo virginum 7. Sana'a, garibach al-hossain 8. Sumer is icumen in 9. Hija Mia 10. Toda cousa(cantiga nº117) 11. Himlaya 12. Saltarello 13. Ay! Madre
Hossam Ramzy es reconocido como un maestro de la percusión egipcia.
Su larga carrera musical atravieza varios estilos y géneros. Comienza en la música típica egipcia del Medio Oriente, su tierra natal. Luego, varios años mas tarde, en el Latín Jazz en Inglaterra a mediados de los 70s, para luego volver a sus inicios, la música danza del Medio Oriente.
Esta vuelta al origen le da las herramientas para desarrollar su propio sonido y personalidad musical, que le traerá el reconocimiento y la oportunidad de trabajar con distintos músicos de diferentes lugares y corrientes musicales. Ejemplo de esto es su trabajo con Peter Gabriel en el disco "Passion", Robert Plant y Jimmy Page en "No Quarter - Unledded", y Gypsy Kings entre muchos otros mas.
Hossam Ramzy & Rafa El Tachuela - Flamenco Arabe(2003) es un disco que fusiona la guitarra flamenca del alemán Rafa el Tachuela con la percusión egipcia de Hossam Ramzy. Este es el primero de dos discos "Flamenco Árabe" realizados por Ramzy; En la segunda parte o "disco 2" Ramzy organiza un trio musical junto a el guitarrista catalán José Luis Montón y la cantaora manchega María Toledo.
Fuente: Alejandro
1. Al Quantara/Bulerías 2. Ahlam Ghernatah 3. Al Vuelo/Bulerías por Taranto 4. Rumbapa/Rumba 5. Ráfaga de viento/Rondeña 6. Kebrieaa Samet 7. El amor perdido 8. Men el Belad 9. Zambra por Nadejda 10. Silk route suite a Kathak b Egyptian c Sol y Sal (Seguiriya) d Juntos (Rumba)
Hossam Ramzy es reconocido como un maestro de la percusión egipcia.
Su larga carrera musical atravieza varios estilos y géneros. Comienza en la música típica egipcia del Medio Oriente, su tierra natal. Luego, varios años mas tarde, en el Latín Jazz en Inglaterra a mediados de los 70s, para luego volver a sus inicios, la música danza del Medio Oriente.
Esta vuelta al origen le da las herramientas para desarrollar su propio sonido y personalidad musical, que le traerá el reconocimiento y la oportunidad de trabajar con distintos músicos de diferentes lugares y corrientes musicales. Ejemplo de esto es su trabajo con Peter Gabriel en el disco "Passion", Robert Plant y Jimmy Page en "No Quarter - Unledded", y Gypsy Kings entre muchos otros mas.
Hossam Ramzy & Rafa El Tachuela - Flamenco Arabe(2003) es un disco que fusiona la guitarra flamenca del alemán Rafa el Tachuela con la percusión egipcia de Hossam Ramzy. Este es el primero de dos discos "Flamenco Árabe" realizados por Ramzy; En la segunda parte o "disco 2" Ramzy organiza un trio musical junto a el guitarrista catalán José Luis Montón y la cantaora manchega María Toledo.
Fuente: Alejandro
1. Al Quantara/Bulerías 2. Ahlam Ghernatah 3. Al Vuelo/Bulerías por Taranto 4. Rumbapa/Rumba 5. Ráfaga de viento/Rondeña 6. Kebrieaa Samet 7. El amor perdido 8. Men el Belad 9. Zambra por Nadejda 10. Silk route suite a Kathak b Egyptian c Sol y Sal (Seguiriya) d Juntos (Rumba)
Gotan Project es una banda de tango electrónico y electrónica jazzística asentada en París (Francia) que está integrada por el DJ francés Philippe Cohen Solal, el músico suizo Christoph H. Müller y el intérprete argentino de bandoneón y guitarra Eduardo Makaroff.
El nombre del trío viene de un juego de palabras muy común en el español rioplatense llamado vesre,o mejor conocido como "El Lunfardo", que consiste en invertir el orden de las sílabas en una palabra. Así, la palabra "tango" se convierte en "gotan".
Historia
Se conocieron en París, y creyeron que su interés por la música justificaba un trabajo más o menos constante. Sin muchas expectativas, en 2000 publicaron mil copias de su primer single, Vuelvo Al Sur/El Capitalismo Foráneo (en El Capítalismo Foráneo Gotan Project incluyen un sampleado de un discurso de Eva Perón de 1948 en el que denuncia el "capitalismo foráneo"). Su combinación de tango, jazz y electrónica explotó hasta alturas insospechadas, obligando al trío a profesionalizarse de manera urgente y organizar al poco tiempo una gira internacional. Su disco La revancha del tango (2001) se acerca al millón de copias de venta.
La música de Gotan Project ha aparecido en numerosas bandas sonoras de películas y series, así, la canción Santa Maria (del Buen Ayre) del álbum La Revancha del Tango fue la música elegida para la principal secuencia de baile de la película de 2004 Shall We Dance?, protagonizada por Jennifer Lopez y Richard Gere. También apareció en la secuencia de tango de Take the lead (2006), de Antonio Banderas. Las series de televisión estadounidenses Nip/Tuck y Sex and the City, también usaron su música. Los simuladores, serie de televisión argentina, ganadora del Premio Martín Fierro de Oro en 2003, utiliza la versión de Gotan Project de "Cité Tango" tanto en la presentación del programa como en los celulares de los protagonistas cuando alguno de ellos es contactado por "Santos", su líder. En esta serie la música de Gotan Project fue de alguna manera emblemática, representando al exitoso programa en sus dos temporadas y en sus versiones argentina, chilena, mexicana, española y rusa.
Fuente: Wiki
Discografía
* 2001 - La Revancha del Tango (Estudio) * 2004 - Inspiración - Espiración (CD Mix) * 2005 - La Revancha del Tango Live (Directo) * 2006 - Lunático (Estudio) * 2006 - El Norte (EP) * 2008 - Gotan Project Live (Directo)
CD 1 01. Live Intro [01:32] 02. Queremos paz [04:14] 03. Vuelvo al sur [06:03] 04. El capitalismo foraneo [05:47] 05. La del ruso [06:30] 06. Santa Maria (Del buen ayre) [08:26] 07. Nocturna [02:49] 08. Triptico [09:36] 09. Chunga’s Revenge [05:17] 10. Last Tango in Paris [06:19] 11. Sola [07:10] 12. Santa Maria (Bonus track) [02:57]
CD 2 01. Diferente [06:28] 02. La viguela [05:36] 03. Amor porte?o [05:24] 04. Epoca [04:57] 05. Notas [04:30] 06. Lunatico [03:17] 07. Che bandoneon (Interlude) [01:21] 08. Una musica brutal [04:02] 09. Santa Maria (Del buen ayre) [04:57] 10. Arrabal [04:52] 11. El norte [05:14] 12. Criminal [03:46] 13. Triptico [09:26] 14. Diferente (Bonus Track) [04:00]
Gotan Project es una banda de tango electrónico y electrónica jazzística asentada en París (Francia) que está integrada por el DJ francés Philippe Cohen Solal, el músico suizo Christoph H. Müller y el intérprete argentino de bandoneón y guitarra Eduardo Makaroff.
El nombre del trío viene de un juego de palabras muy común en el español rioplatense llamado vesre,o mejor conocido como "El Lunfardo", que consiste en invertir el orden de las sílabas en una palabra. Así, la palabra "tango" se convierte en "gotan".
Historia
Se conocieron en París, y creyeron que su interés por la música justificaba un trabajo más o menos constante. Sin muchas expectativas, en 2000 publicaron mil copias de su primer single, Vuelvo Al Sur/El Capitalismo Foráneo (en El Capítalismo Foráneo Gotan Project incluyen un sampleado de un discurso de Eva Perón de 1948 en el que denuncia el "capitalismo foráneo"). Su combinación de tango, jazz y electrónica explotó hasta alturas insospechadas, obligando al trío a profesionalizarse de manera urgente y organizar al poco tiempo una gira internacional. Su disco La revancha del tango (2001) se acerca al millón de copias de venta.
La música de Gotan Project ha aparecido en numerosas bandas sonoras de películas y series, así, la canción Santa Maria (del Buen Ayre) del álbum La Revancha del Tango fue la música elegida para la principal secuencia de baile de la película de 2004 Shall We Dance?, protagonizada por Jennifer Lopez y Richard Gere. También apareció en la secuencia de tango de Take the lead (2006), de Antonio Banderas. Las series de televisión estadounidenses Nip/Tuck y Sex and the City, también usaron su música. Los simuladores, serie de televisión argentina, ganadora del Premio Martín Fierro de Oro en 2003, utiliza la versión de Gotan Project de "Cité Tango" tanto en la presentación del programa como en los celulares de los protagonistas cuando alguno de ellos es contactado por "Santos", su líder. En esta serie la música de Gotan Project fue de alguna manera emblemática, representando al exitoso programa en sus dos temporadas y en sus versiones argentina, chilena, mexicana, española y rusa.
Fuente: Wiki
Discografía
* 2001 - La Revancha del Tango (Estudio) * 2004 - Inspiración - Espiración (CD Mix) * 2005 - La Revancha del Tango Live (Directo) * 2006 - Lunático (Estudio) * 2006 - El Norte (EP) * 2008 - Gotan Project Live (Directo)
CD 1 01. Live Intro [01:32] 02. Queremos paz [04:14] 03. Vuelvo al sur [06:03] 04. El capitalismo foraneo [05:47] 05. La del ruso [06:30] 06. Santa Maria (Del buen ayre) [08:26] 07. Nocturna [02:49] 08. Triptico [09:36] 09. Chunga’s Revenge [05:17] 10. Last Tango in Paris [06:19] 11. Sola [07:10] 12. Santa Maria (Bonus track) [02:57]
CD 2 01. Diferente [06:28] 02. La viguela [05:36] 03. Amor porte?o [05:24] 04. Epoca [04:57] 05. Notas [04:30] 06. Lunatico [03:17] 07. Che bandoneon (Interlude) [01:21] 08. Una musica brutal [04:02] 09. Santa Maria (Del buen ayre) [04:57] 10. Arrabal [04:52] 11. El norte [05:14] 12. Criminal [03:46] 13. Triptico [09:26] 14. Diferente (Bonus Track) [04:00]
Goran Bregović es un compositor nacido en Sarajevo, Bosnia-Herzegovina (antigua Yugoslavia), el 22 de marzo de 1950), de padre croata y de madre serbia. Es de nacionalidad yugoslava, en sus propias palabras. Reconocido internacionalmente por ser el autor de las bandas sonoras de varias películas de fama mundial (sobre todo las dirigidas por Emir Kusturica), Bregović es uno de los más afamados compositores de la región balcánica. Su producción mezcla sonidos del folclore tradicional con rock, música búlgara y otros estilos musicales. Es el autor del tema que representará a Serbia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2010, "Ovo Je Balkan".
Fuente: Wiki
1 - Kalasnjikov 2 - Ausencia 3 - Mesecina - Moonlight 4 - Ya Ya Ringe Ringe Raja 5 - Cajesukarije Cocek 6 - Wedding - Cocek 7 - War 8 - Underround - Cocek 9 - Underground Tango 10 - The Belly Button Of The World 11 - Sheva
Goran Bregović es un compositor nacido en Sarajevo, Bosnia-Herzegovina (antigua Yugoslavia), el 22 de marzo de 1950), de padre croata y de madre serbia. Es de nacionalidad yugoslava, en sus propias palabras. Reconocido internacionalmente por ser el autor de las bandas sonoras de varias películas de fama mundial (sobre todo las dirigidas por Emir Kusturica), Bregović es uno de los más afamados compositores de la región balcánica. Su producción mezcla sonidos del folclore tradicional con rock, música búlgara y otros estilos musicales. Es el autor del tema que representará a Serbia en el Festival de la Canción de Eurovisión 2010, "Ovo Je Balkan".
Fuente: Wiki
1 - Kalasnjikov 2 - Ausencia 3 - Mesecina - Moonlight 4 - Ya Ya Ringe Ringe Raja 5 - Cajesukarije Cocek 6 - Wedding - Cocek 7 - War 8 - Underround - Cocek 9 - Underground Tango 10 - The Belly Button Of The World 11 - Sheva
Holden se forma el año 1997, su nombre es una alusión a Holden Caulfield, protagonista y narrador del libro de J. D. Salinger “EL GUARDIAN DEL CENTENO”, un joven de 16 años quien se ha transformado en un icono del resentimiento adolescente.
La banda actualmente esta compuesta e por Armelle Pioline (voz), Dominique Duprée (alias Mocke y guitarra), Ludovic Ludo Leleu (teclados), el chileno Cristóbal Carvajal (bajo) y Pierre Jean Grappin (batería).
Chevrotine fue completamente grabado en Chile , un trabajo que recibió muy buenas criticas, especialmente por la prensa francesa, quien eligió esta placa como esencial para el año 2006.
Es un disco caracterizado por un fuerte componente retro, donde destacan vibráfonos y guitarras jazzeras mezcladas con secuencias electrónicas. Sin abandonar sus raíces pop, ni las armonías vocales de su vocalista, la banda entrega un trabajo muy dinámico, maduro y plagado de bellas texturas.
Durante el año 2003 Holden aparece en una escena de la película Violence des échanges en milieu tempéré de Jean-Marc Mouthout . El grupo también aporta a la banda sonora de la película “Paréntesis” dirigida por Pablo Solis.
En su Cuarto disco de estudio (Fantomatisme) Incluye un cover a 'La Carta', canción original de Violeta Parra.
Holden se forma el año 1997, su nombre es una alusión a Holden Caulfield, protagonista y narrador del libro de J. D. Salinger “EL GUARDIAN DEL CENTENO”, un joven de 16 años quien se ha transformado en un icono del resentimiento adolescente.
La banda actualmente esta compuesta e por Armelle Pioline (voz), Dominique Duprée (alias Mocke y guitarra), Ludovic Ludo Leleu (teclados), el chileno Cristóbal Carvajal (bajo) y Pierre Jean Grappin (batería).
Chevrotine fue completamente grabado en Chile , un trabajo que recibió muy buenas criticas, especialmente por la prensa francesa, quien eligió esta placa como esencial para el año 2006.
Es un disco caracterizado por un fuerte componente retro, donde destacan vibráfonos y guitarras jazzeras mezcladas con secuencias electrónicas. Sin abandonar sus raíces pop, ni las armonías vocales de su vocalista, la banda entrega un trabajo muy dinámico, maduro y plagado de bellas texturas.
Durante el año 2003 Holden aparece en una escena de la película Violence des échanges en milieu tempéré de Jean-Marc Mouthout . El grupo también aporta a la banda sonora de la película “Paréntesis” dirigida por Pablo Solis.
En su Cuarto disco de estudio (Fantomatisme) Incluye un cover a 'La Carta', canción original de Violeta Parra.
´Como la Luna y el Sol' es el segundo disco de Ana Alcaide, un trabajo muy personal en el que Ana nos sorprende con su voz y un despliegue único de sonidos e instrumentos del mundo, y que ha sido recientemente publicado. Este trabajo esta inspirado en un verso de una canción Sefardí encontrada en Turquía que simboliza nuestra relación con todo lo que amamos y perseguimos, con todo aquello que permanece inalcanzable.
En el particular marco de inspiración que le brinda la ciudad de Toledo, Ana Alcaide renueva el estilo de la tradición Sefardí añadiendo su música a canciones que han seguido los pasos de este pueblo desde la Edad Media. Melodías que provienen de países del Mediterráneo como Grecia, Marruecos, Turquía, Bulgaria…Y cuyas historias son narradas en judeo-español, la lengua de los Sefardíes que nació en la España medieval.
El disco ha sido producido por Carlos Beceiro y por la propia Ana, que desarrolló este trabajo como un proyecto de su carrera en la Universidad de Lund (Suecia). Durante casi un año Ana investigó sobre la tradición musical Sefardí y plasmó sus ideas musicales en grabaciones caseras sobre las que posteriormente trabajó junto con Carlos en el estudio de grabación.
Mezclando música tradicional con la suya propia, Ana creó los doce temas que conforman el disco, en los que son protagonistas su Voz y la Viola de Teclas. También interpreta otros instrumentos étnicos como el Violín de Hardanger, Santur, Rabel, Arpa y Armonio. Carlos Beceiro aporta el inconfundible sonido de sus Bajos y Guitarras e introduce otras pinceladas sonoras tocando la Zanfona, Sitar y Oud entre otros instrumentos.
Asimismo, el disco cuenta con la colaboración de Jaime Muñoz interpretando instrumentos de viento y Jose Manuel Castro en las percusiones.
01 Sefardíes 02 La Mujer De Térah 03 La Galana Y El Mar 04 Como La Luna Y El Sol 05 Pasacalles Sefardí 06 Las Tres Hermanicas 07 Durme Durme 08 Y Arrelumbre 09 Tishri Intro 10 Tishri 11 Era Oscuro 12 Yo m`Enamorí d`un Aire
´Como la Luna y el Sol' es el segundo disco de Ana Alcaide, un trabajo muy personal en el que Ana nos sorprende con su voz y un despliegue único de sonidos e instrumentos del mundo, y que ha sido recientemente publicado. Este trabajo esta inspirado en un verso de una canción Sefardí encontrada en Turquía que simboliza nuestra relación con todo lo que amamos y perseguimos, con todo aquello que permanece inalcanzable.
En el particular marco de inspiración que le brinda la ciudad de Toledo, Ana Alcaide renueva el estilo de la tradición Sefardí añadiendo su música a canciones que han seguido los pasos de este pueblo desde la Edad Media. Melodías que provienen de países del Mediterráneo como Grecia, Marruecos, Turquía, Bulgaria…Y cuyas historias son narradas en judeo-español, la lengua de los Sefardíes que nació en la España medieval.
El disco ha sido producido por Carlos Beceiro y por la propia Ana, que desarrolló este trabajo como un proyecto de su carrera en la Universidad de Lund (Suecia). Durante casi un año Ana investigó sobre la tradición musical Sefardí y plasmó sus ideas musicales en grabaciones caseras sobre las que posteriormente trabajó junto con Carlos en el estudio de grabación.
Mezclando música tradicional con la suya propia, Ana creó los doce temas que conforman el disco, en los que son protagonistas su Voz y la Viola de Teclas. También interpreta otros instrumentos étnicos como el Violín de Hardanger, Santur, Rabel, Arpa y Armonio. Carlos Beceiro aporta el inconfundible sonido de sus Bajos y Guitarras e introduce otras pinceladas sonoras tocando la Zanfona, Sitar y Oud entre otros instrumentos.
Asimismo, el disco cuenta con la colaboración de Jaime Muñoz interpretando instrumentos de viento y Jose Manuel Castro en las percusiones.
01 Sefardíes 02 La Mujer De Térah 03 La Galana Y El Mar 04 Como La Luna Y El Sol 05 Pasacalles Sefardí 06 Las Tres Hermanicas 07 Durme Durme 08 Y Arrelumbre 09 Tishri Intro 10 Tishri 11 Era Oscuro 12 Yo m`Enamorí d`un Aire
El compositor alemán y multi-instrumentista Martin Scherl nos presenta la sugerente mezcla de worldbeat y trance, el es comparado con Deep Forest y Enigma. El apodo TYA, es la palabra aborigen que significa Madre Tierra, el album fue el resultado de un tiempo de inspiración que pasó en Australia con su pueblo natal. Scherl fue trasladado por la adhesión del grupo a la "unidad" y a sí mismo como parte de un todo y trató de captar las sensaciónes en su música. TYA apareció en la popular serie de Sequoia Groove Buddha Lounge, con el tiempo lanzó su propio album Tribal Sutras en 2001. Akwaba fue lanzado en 2004, de nuevo en Sequoia Groove label. ~ James Christopher Monger, All Music Guide
Tracks 1. Olelo Lohi / Speak Slowly 2. Coming Home 3. Nonamata / Long Ago 4. Why 5. Akwaba / Welcome 6. Follow the Light 7. Soft Touch 8. A Place to Rest 9. Raindance 10. Mama 11. Naked 12. Daybreak 13. Why (Instrumental)
El compositor alemán y multi-instrumentista Martin Scherl nos presenta la sugerente mezcla de worldbeat y trance, el es comparado con Deep Forest y Enigma. El apodo TYA, es la palabra aborigen que significa Madre Tierra, el album fue el resultado de un tiempo de inspiración que pasó en Australia con su pueblo natal. Scherl fue trasladado por la adhesión del grupo a la "unidad" y a sí mismo como parte de un todo y trató de captar las sensaciónes en su música. TYA apareció en la popular serie de Sequoia Groove Buddha Lounge, con el tiempo lanzó su propio album Tribal Sutras en 2001. Akwaba fue lanzado en 2004, de nuevo en Sequoia Groove label. ~ James Christopher Monger, All Music Guide
Tracks 1. Olelo Lohi / Speak Slowly 2. Coming Home 3. Nonamata / Long Ago 4. Why 5. Akwaba / Welcome 6. Follow the Light 7. Soft Touch 8. A Place to Rest 9. Raindance 10. Mama 11. Naked 12. Daybreak 13. Why (Instrumental)
Nacido de familia turka y egipcia y residente en Estados Unidos, Omar Faruk Tekbilek , multiinstrumentista por antonomasia, simboliza esa variedad en la unidad que constituye el Mediterráneo, que significa literalmente “la tierra de en medio”, la tierra en la que confluyen Oriente Medio, África, Asia y Europa, y simboliza, también, Turquía, encrucijada geográfica y cultural del Mediterráneo. Y la letra alif es la inicial de Alá, Realización Divina del Amor y el amor en todas sus formas (amor divino, amor a la vida y amor romántico) es el hilo conductor de los temas de este álbum Alif (editado en 2002), que constituye un hito de la distinguida carrera profesional de Faruk por su hincapié en las realizaciones modernas de los cantos tradicionales, sus cantos perfectamente ejecutados y la participación en el mismo de talentos internacionales: el productor y multiinstrumentalista Steve Shehan, la cantante griega Glikería, la cantante israelí Zahava Ben, la cantante persa Mamak Khadem, la cantante búlgara Galina Durmushliyska, la cantante turca Suzy y el guitarrista español José Antonio Rodríguez Muñoz.
01. Dulger 02. Gardener 03. Laundry Girl 04. Dark Eyes 05. Shinanay 06. Don't Cry My Love 07. Alif 08. Dadash 09. Take a Flight 10. Ya Bouy 11. Lachin 12. Forbidden Love
Nacido de familia turka y egipcia y residente en Estados Unidos, Omar Faruk Tekbilek , multiinstrumentista por antonomasia, simboliza esa variedad en la unidad que constituye el Mediterráneo, que significa literalmente “la tierra de en medio”, la tierra en la que confluyen Oriente Medio, África, Asia y Europa, y simboliza, también, Turquía, encrucijada geográfica y cultural del Mediterráneo. Y la letra alif es la inicial de Alá, Realización Divina del Amor y el amor en todas sus formas (amor divino, amor a la vida y amor romántico) es el hilo conductor de los temas de este álbum Alif (editado en 2002), que constituye un hito de la distinguida carrera profesional de Faruk por su hincapié en las realizaciones modernas de los cantos tradicionales, sus cantos perfectamente ejecutados y la participación en el mismo de talentos internacionales: el productor y multiinstrumentalista Steve Shehan, la cantante griega Glikería, la cantante israelí Zahava Ben, la cantante persa Mamak Khadem, la cantante búlgara Galina Durmushliyska, la cantante turca Suzy y el guitarrista español José Antonio Rodríguez Muñoz.
01. Dulger 02. Gardener 03. Laundry Girl 04. Dark Eyes 05. Shinanay 06. Don't Cry My Love 07. Alif 08. Dadash 09. Take a Flight 10. Ya Bouy 11. Lachin 12. Forbidden Love
Omar Faruk Tekbilek, uno de los principales representantes de la música oriental, tiene en su haber más de una docena de discos, y el álbum Fire Dance (1990) es uno de los más aplaudidos en su trayectoria, segundo álbum de su carrera internacional y segunda producción junto a Brian Keane (afamado compositor y músico que incursiona en la música de vetas esotéricas, celtas y tibetanas) después de su afamado debut con Süleyman The Magnificent (1988), banda sonora de la película de igual título.
Este álbum se puede interpretar como una natural progresión desde Süleyman, experimentación de Faruk y Keane con instrumentos de oriente medio y África del Norte junto con guitarras, sintetizadores y sofisticadas orquestaciones, expandiendo su atención desde Turquía para incluir músicas del norte de África, Egipto y otras fuentes árabes y de Oriente Medio, sin desligarse de los estilos que marcaron y perfilaron su carrera en sus inicios como la música zingara o la sufí.
01. Somewhere in the Sahara 02. Oğlan Boyun 03. A Call to Prayer 04. Desert Twilight 05. A Passage East 06. Song of the Pharaohs 07. Beledy 08. Fire Dance 09. Ask 10. Village Song 11. Modern Mystics 12. Sahara (reprise) 13. Spirit of the Ancestors 14. Halay
Omar Faruk Tekbilek, uno de los principales representantes de la música oriental, tiene en su haber más de una docena de discos, y el álbum Fire Dance (1990) es uno de los más aplaudidos en su trayectoria, segundo álbum de su carrera internacional y segunda producción junto a Brian Keane (afamado compositor y músico que incursiona en la música de vetas esotéricas, celtas y tibetanas) después de su afamado debut con Süleyman The Magnificent (1988), banda sonora de la película de igual título.
Este álbum se puede interpretar como una natural progresión desde Süleyman, experimentación de Faruk y Keane con instrumentos de oriente medio y África del Norte junto con guitarras, sintetizadores y sofisticadas orquestaciones, expandiendo su atención desde Turquía para incluir músicas del norte de África, Egipto y otras fuentes árabes y de Oriente Medio, sin desligarse de los estilos que marcaron y perfilaron su carrera en sus inicios como la música zingara o la sufí.
01. Somewhere in the Sahara 02. Oğlan Boyun 03. A Call to Prayer 04. Desert Twilight 05. A Passage East 06. Song of the Pharaohs 07. Beledy 08. Fire Dance 09. Ask 10. Village Song 11. Modern Mystics 12. Sahara (reprise) 13. Spirit of the Ancestors 14. Halay
1. Fela & The Africa 70 – Who’re you? (Original 45 Version) 2. Eric Showboy Akaeze & His Royal Ericos – We Dey Find Money 3. The Anansa Professionals – Enwan 4. Saxon Lee & The Shadows International – Mind Your Business 5. Bongos Ikwue & The Groovies – Otachikpopo 6. Orlando Julius & His Afro-Sounders – Afro-Blues 7. Bob Ohiri and his Uhuru Sounds – Ariwo Yaa 8. Mad Man Jaga – Hankuri 9. Godwin Omabuwa & His Casanova Dandies – Do The Afro Shuffle 10. Segun Bucknor’s Revolution – Gbomojo 11. The Black Santiagos – Ole
1. Fela & The Africa 70 – Who’re you? (Original 45 Version) 2. Eric Showboy Akaeze & His Royal Ericos – We Dey Find Money 3. The Anansa Professionals – Enwan 4. Saxon Lee & The Shadows International – Mind Your Business 5. Bongos Ikwue & The Groovies – Otachikpopo 6. Orlando Julius & His Afro-Sounders – Afro-Blues 7. Bob Ohiri and his Uhuru Sounds – Ariwo Yaa 8. Mad Man Jaga – Hankuri 9. Godwin Omabuwa & His Casanova Dandies – Do The Afro Shuffle 10. Segun Bucknor’s Revolution – Gbomojo 11. The Black Santiagos – Ole
En un país con más de mil millones de personas, innumerables idiomas y multitud de influencias musicales, se necesita un talento especial para sobresalir entre la multitud como un artista. Por suerte, el talento es lo que Kailash Kher tiene ha sacos llenos.
Uno de los cantantes/compositores más populares en la India en este momento, Kailash Kher, llamó la atención en 2002 con su éxito, Alá Ke Bande. Desde entonces se ha convertido en un nombre familiar que realiza en más de 150 bandas sonoras de películas Hindi, grabó más de 400 sintonías de radio y televisión y se presentó Indian Idol y otros programas de televisión.
Además de esto, Kher, de alguna manera ha encontrado tiempo para colaborar con los hermanos músicos Naresh Paresh Kamath para formar la banda Kailasa, que se ha convertido en uno de los grupos más populares en el subcontinente.
Así que se trata como una pequeña sorpresa (sobre todo después de éxito mundial Slumdog Millionaire's) que el trío trataría como un avance con su lanzamiento internacional en primer lugar, Yatra (Nomad Souls). Una colección de nuevas canciones junto a grabaciones de estudio y acusticas de algunos de sus éxitos más admirados, Yatra es una excelente introducción a la música de la India contemporánea.
La incorporación de elementos espirituales de cantos sufíes, Rajasthani ritmos gitanos, la danza Punjabi y otros estilos regionales, fusionados con guitarra eléctrica, ritmos modernos y una gran variedad de instrumentos tradicionales, Yatra se eleva por encima de la música del mundo genérico.
A menudo se ha comparado a Kher con el difunto maestro qawwali Ustad Nusrat Fateh Ali Khan, y con razón. Su destreza vocal y letras que evocan el misticismo sufí el resultado son hipnotizantes canciones como Dilruba, Kaise Main Kahoon y Jhoomo Re.
Otros temas sobresalientes incluyen la influencia árabe en Taubah Taubah y una impresionante versión acustica de Teri Deewani, una oda a los delirios del amor cantadas desde la perspectiva femenina, y posiblemente una de las canciones más sentimentales en hindi de la última década.
Igualmente loable es el uso de los hermanos Kamath "del rock y las influencias electrónicas que dirigen el álbum claramente de la Indi-pop convencionales a sonidos que a menudo se producen cuando los artistas asiáticos adaptan su música para una audiencia occidental. En cambio, sus arreglos musicales superiores aumentan la sensibilidad popular Kher a escrto las letras de manera significativa para hacer una exploración de la condición humana y las complejidades del amor. Fuente
Kailash Kher (vocals) Tapas Roy (mandolin, oud, saz) Sunil Das (sitar) Ashwin Srinivasan, Naveen Kumar (flute) Jaipur Kawa Brass Band (trumpet, French horn, trombone, tuba) Naresh Kamath (keyboards, background vocals
01. - Kaise Main Kahoon (International Version) 02. - Dilruba (International Version) 03. - Guru Ghantal 04. - Turiya Turiya 05. - Chaandan Mein 06. - Kar Kar Main Haara 07. - Tauba Tauba (International Version) 08. - Bheeg Gaya Mera Mann (Cherapunji) 09. - Piya Ghar Aavenge 10. - Na Batati Tu 11. - Rang Rang Ma 12. - Jhoomo Re (International Version) 13. - Teri Deewani (Unplugged) 14. - Joban Chalke (Unplugged)
En un país con más de mil millones de personas, innumerables idiomas y multitud de influencias musicales, se necesita un talento especial para sobresalir entre la multitud como un artista. Por suerte, el talento es lo que Kailash Kher tiene ha sacos llenos.
Uno de los cantantes/compositores más populares en la India en este momento, Kailash Kher, llamó la atención en 2002 con su éxito, Alá Ke Bande. Desde entonces se ha convertido en un nombre familiar que realiza en más de 150 bandas sonoras de películas Hindi, grabó más de 400 sintonías de radio y televisión y se presentó Indian Idol y otros programas de televisión.
Además de esto, Kher, de alguna manera ha encontrado tiempo para colaborar con los hermanos músicos Naresh Paresh Kamath para formar la banda Kailasa, que se ha convertido en uno de los grupos más populares en el subcontinente.
Así que se trata como una pequeña sorpresa (sobre todo después de éxito mundial Slumdog Millionaire's) que el trío trataría como un avance con su lanzamiento internacional en primer lugar, Yatra (Nomad Souls). Una colección de nuevas canciones junto a grabaciones de estudio y acusticas de algunos de sus éxitos más admirados, Yatra es una excelente introducción a la música de la India contemporánea.
La incorporación de elementos espirituales de cantos sufíes, Rajasthani ritmos gitanos, la danza Punjabi y otros estilos regionales, fusionados con guitarra eléctrica, ritmos modernos y una gran variedad de instrumentos tradicionales, Yatra se eleva por encima de la música del mundo genérico.
A menudo se ha comparado a Kher con el difunto maestro qawwali Ustad Nusrat Fateh Ali Khan, y con razón. Su destreza vocal y letras que evocan el misticismo sufí el resultado son hipnotizantes canciones como Dilruba, Kaise Main Kahoon y Jhoomo Re.
Otros temas sobresalientes incluyen la influencia árabe en Taubah Taubah y una impresionante versión acustica de Teri Deewani, una oda a los delirios del amor cantadas desde la perspectiva femenina, y posiblemente una de las canciones más sentimentales en hindi de la última década.
Igualmente loable es el uso de los hermanos Kamath "del rock y las influencias electrónicas que dirigen el álbum claramente de la Indi-pop convencionales a sonidos que a menudo se producen cuando los artistas asiáticos adaptan su música para una audiencia occidental. En cambio, sus arreglos musicales superiores aumentan la sensibilidad popular Kher a escrto las letras de manera significativa para hacer una exploración de la condición humana y las complejidades del amor. Fuente
Kailash Kher (vocals) Tapas Roy (mandolin, oud, saz) Sunil Das (sitar) Ashwin Srinivasan, Naveen Kumar (flute) Jaipur Kawa Brass Band (trumpet, French horn, trombone, tuba) Naresh Kamath (keyboards, background vocals
01. - Kaise Main Kahoon (International Version) 02. - Dilruba (International Version) 03. - Guru Ghantal 04. - Turiya Turiya 05. - Chaandan Mein 06. - Kar Kar Main Haara 07. - Tauba Tauba (International Version) 08. - Bheeg Gaya Mera Mann (Cherapunji) 09. - Piya Ghar Aavenge 10. - Na Batati Tu 11. - Rang Rang Ma 12. - Jhoomo Re (International Version) 13. - Teri Deewani (Unplugged) 14. - Joban Chalke (Unplugged)
Luétiga es un conjunto cántabro de intérpretes de música folk de la tradición cántabra. montañes) inician su andadura en 1986 con la intención de recuperar los ritmos, sonidos e instrumentos que conformaban el alma musical del pueblo cántabro. Estos primeros tiempos supusieron un intenso trabajo de campo estableciendo comunicación con todos los viejos músicos populares de Cantabria (gaiteros, piteros, dulzaineros, rabelistas, pandereteras, tamboriteros, cantantes...). Con el fin de recuperar una música que se encontraba a punto de desaparecer. Su primera actuación importante tiene lugar en el año 1988 en el Folk-Segovia, dónde tras el éxito cosechado reciben una propuesta de grabación del primer disco. Es aquí dónde surgen los primeros problemas internos del grupo en cuanto a la línea a seguir, bien dirigiéndose hacia un sonido más eléctrico o profundizar en la identidad de la música tradicional cántabra.
Finalmente, y tras la incorporación de nuevos componentes y la marcha de otros, se impone la opción del sonido netamente cántabro que ha caracterizado al grupo desde entonces. Presciden de esta forma de bodrham, flautas irlandesas o gaita gallega, incorporando pitu montañés y otros clarinetes, gaita cántabra y percusiones tradicionales. Es entonces, en 1992, cuando ve la luz su primer disco La Última Cajiga, un disco en su mayoría instrumental.
En 1994 graban Nel el Vieju, donde incorporan más temas cantados con letras tanto tradicionales como de elaboración propia. Destaca el empleo, por primera vez en un grupo de Cantabria, del empleo del cántabru en sus letras, que desde entonces ha constituido una reivindicación del grupo como elemento de la cultura cántabra. Así, precisamente varios de estos temas han supuesto sus éxitos más conocidos como Nel el Vieju o Adiós Cantabria, adiós.
1 Cántabros 2 Pasacalles De Liendo 3 Presu Voi 4 Me Disti Las Avellanas 5 El Caracol 6 El Pasacalli 7 L'Ahourcau 8 La Juente Que Cría Berros 9 Lolina 10 Sentado Sobre Las Rocas 11 Puerrus De Voto 12 Variaciones Sobre Un Tema Cántabro 13 Cántabros (Reprise)
Luétiga es un conjunto cántabro de intérpretes de música folk de la tradición cántabra. montañes) inician su andadura en 1986 con la intención de recuperar los ritmos, sonidos e instrumentos que conformaban el alma musical del pueblo cántabro. Estos primeros tiempos supusieron un intenso trabajo de campo estableciendo comunicación con todos los viejos músicos populares de Cantabria (gaiteros, piteros, dulzaineros, rabelistas, pandereteras, tamboriteros, cantantes...). Con el fin de recuperar una música que se encontraba a punto de desaparecer. Su primera actuación importante tiene lugar en el año 1988 en el Folk-Segovia, dónde tras el éxito cosechado reciben una propuesta de grabación del primer disco. Es aquí dónde surgen los primeros problemas internos del grupo en cuanto a la línea a seguir, bien dirigiéndose hacia un sonido más eléctrico o profundizar en la identidad de la música tradicional cántabra.
Finalmente, y tras la incorporación de nuevos componentes y la marcha de otros, se impone la opción del sonido netamente cántabro que ha caracterizado al grupo desde entonces. Presciden de esta forma de bodrham, flautas irlandesas o gaita gallega, incorporando pitu montañés y otros clarinetes, gaita cántabra y percusiones tradicionales. Es entonces, en 1992, cuando ve la luz su primer disco La Última Cajiga, un disco en su mayoría instrumental.
En 1994 graban Nel el Vieju, donde incorporan más temas cantados con letras tanto tradicionales como de elaboración propia. Destaca el empleo, por primera vez en un grupo de Cantabria, del empleo del cántabru en sus letras, que desde entonces ha constituido una reivindicación del grupo como elemento de la cultura cántabra. Así, precisamente varios de estos temas han supuesto sus éxitos más conocidos como Nel el Vieju o Adiós Cantabria, adiós.
1 Cántabros 2 Pasacalles De Liendo 3 Presu Voi 4 Me Disti Las Avellanas 5 El Caracol 6 El Pasacalli 7 L'Ahourcau 8 La Juente Que Cría Berros 9 Lolina 10 Sentado Sobre Las Rocas 11 Puerrus De Voto 12 Variaciones Sobre Un Tema Cántabro 13 Cántabros (Reprise)
Azongo Nyaaba (also known as Captain Yaba) was from the Fra Fra ethnic group and was born in Bolgatanga in the Upper East Region of Ghana in the late 1960s. In 1972, when he was still a small child, he began playing the local two-stringed lute or banjo known as the 'koliko'.
He came to Accra, the capital of Ghana, in the mid 1980s as a member of a northern cultural group invited by Mac Tonto of Osibisa fame, and took on the stage name Captain Yaba. He subsequently settled in Accra, staying with some of his relatives in the Mamobi district. He teamed up to play in various Accra venues with Joseph Kobam, who taught the northern Ghanaian xylophone at the University of Ghana at Legon. In 1987, Captain Yaba joined up with the Afro-Jazz Combo of Jimmy Beckley that was based at Jimmy's Jazz Club in Tesano, Accra. As a member of this group for over 10 years he played at many of Accra's top hotels such as the Shangri-La, Golden Tulip, Novotel and Labadi Beach Hotel.
Captain Yaba made his first recording in 1989 for the Ghanaian-Lebanese producer Faisal Helwani at the Black Note Studio in Kanda, Accra. That cassette-only release was followed by another album, Tinanure (released on both CD and cassette) recorded at the ARC Studios in Tema and produced by the celebrated Sierra Leonean musician Francis Fuster whose band, Ninkribi, backed Captain Yaba. This RetroAfric release is a reissue of that album, which has been augmented with five tracks from the original Ghana sessions at ARC studio, which retain the vital edge of griot funk.
In the mid 1990s Captain Yaba toured the UK and France for six months with Ninkribi. When he returned to Ghana, he continued to play with Jimmy's Jazz Combo, but he fell sick in 2000. After a protracted illness he died of tuberculosis at Korle Bu Hospital in Accra in April 2001. He was only in his early thirties.The koliko lute which Captain Yaba plays is found all over the Sahel region of West Africa from Mali and Senegal in the West to northern Nigeria in the East (it is also called xalam and molo). It has between two and four strings and is made of a calabash body with an animal skin cover. It is widely believed that the early slaves from Senegal took this instrument to the Caribbean in the 17th century where it was called the banjar. When it later arrived in North America, a fifth string was added, a metal body replaced the gourd and it became the African-American banjo.
Amongst the Fra Fra people of northern Ghana (and in the neighbouring areas of southern Burkina Faso) the instrument is often accompanied by someone playing a northern form of maracas with beads inside a calabash (instead of outside like the southern Ghanaian and Nigerian types).
This music is played by itinerant musicians who, like the griots/jalis of the Sahel countries, move around from place to place telling histories, moral stories and satirical songs. They also praise chiefs and dignatories, and play at funerals and weddings and at bars where the local millet beer called 'pito' is drunk.
Azongo Nyaaba (also known as Captain Yaba) was from the Fra Fra ethnic group and was born in Bolgatanga in the Upper East Region of Ghana in the late 1960s. In 1972, when he was still a small child, he began playing the local two-stringed lute or banjo known as the 'koliko'.
He came to Accra, the capital of Ghana, in the mid 1980s as a member of a northern cultural group invited by Mac Tonto of Osibisa fame, and took on the stage name Captain Yaba. He subsequently settled in Accra, staying with some of his relatives in the Mamobi district. He teamed up to play in various Accra venues with Joseph Kobam, who taught the northern Ghanaian xylophone at the University of Ghana at Legon. In 1987, Captain Yaba joined up with the Afro-Jazz Combo of Jimmy Beckley that was based at Jimmy's Jazz Club in Tesano, Accra. As a member of this group for over 10 years he played at many of Accra's top hotels such as the Shangri-La, Golden Tulip, Novotel and Labadi Beach Hotel.
Captain Yaba made his first recording in 1989 for the Ghanaian-Lebanese producer Faisal Helwani at the Black Note Studio in Kanda, Accra. That cassette-only release was followed by another album, Tinanure (released on both CD and cassette) recorded at the ARC Studios in Tema and produced by the celebrated Sierra Leonean musician Francis Fuster whose band, Ninkribi, backed Captain Yaba. This RetroAfric release is a reissue of that album, which has been augmented with five tracks from the original Ghana sessions at ARC studio, which retain the vital edge of griot funk.
In the mid 1990s Captain Yaba toured the UK and France for six months with Ninkribi. When he returned to Ghana, he continued to play with Jimmy's Jazz Combo, but he fell sick in 2000. After a protracted illness he died of tuberculosis at Korle Bu Hospital in Accra in April 2001. He was only in his early thirties.The koliko lute which Captain Yaba plays is found all over the Sahel region of West Africa from Mali and Senegal in the West to northern Nigeria in the East (it is also called xalam and molo). It has between two and four strings and is made of a calabash body with an animal skin cover. It is widely believed that the early slaves from Senegal took this instrument to the Caribbean in the 17th century where it was called the banjar. When it later arrived in North America, a fifth string was added, a metal body replaced the gourd and it became the African-American banjo.
Amongst the Fra Fra people of northern Ghana (and in the neighbouring areas of southern Burkina Faso) the instrument is often accompanied by someone playing a northern form of maracas with beads inside a calabash (instead of outside like the southern Ghanaian and Nigerian types).
This music is played by itinerant musicians who, like the griots/jalis of the Sahel countries, move around from place to place telling histories, moral stories and satirical songs. They also praise chiefs and dignatories, and play at funerals and weddings and at bars where the local millet beer called 'pito' is drunk.
