Le Trio Joubran, trois frères issus d'une famille qui, depuis quatre générations, vit à travers le « Oud », le fabrique, le joue, l'aime. L'arrière grand-père, le grand-père, le père et maintenant, les trois frères Samir, Wissam, et Adnan qui font de cet instrument un savoir, une passion, une vie...
Leur maîtrise du « Oud » est singulière tout comme le sont l'harmonie et la synchronisation dont ils font preuve, chaque fois qu'ils se produisent sur scène, interprétant leurs propres compositions devant des publics du monde entier, si différents mais unis devant autant d'authenticité et d'excellence.
Côté percussion, le non moins excellent Yousef Hbeisch vient enrichir le Trio de rythmes qui épousent la mélodie et se fond dans les notes.
Le Trio Joubran, trois frères de Palestine, musiciens mondialement sollicités, avancent dans leur art grâce à un énorme travail individuel et collectif, avec un grand amour et un plus grand respect de la musique et du public.
MAJÂZ Unis par le sang et par la complicité de leur talent respectif Samir, Wissam et Adnan nous reviennent avec leur nouvel album Majâz pour cet automne 2007. À la communion de leur fraternité vient s'ajouter le génie de Yousef Hbeisch aux percussions. Majâz est sans conteste l'album où la lumière est mise sur la maturité musicale du trio. Entre notes envoûtantes, saisissantes secousses musicales et brûlants silences, le Trio Joubran nous invite au voyage. http://www.letriojoubran.com/
Tracks 1. Masar 2. Roubbama 3. Laytana 4. Tanasim 1 5. Majaz 6. Shajan 7. Tanasim II 8. Sama-Sounovnov 9. Min Zaman 10. Tanasim III 11. Hawana
Scenes from my Life, el álbum de debut del compositor Richard Bona nacido en Camerún, multi-instrumentista y vocalista es una grabación muy atractiva que combina la influencia africana con el jazz y el pop sofisticado occidental. A pesar de que las letras estan en lengua Douala, el balance es claramente hacia el lado pop occidental. A veces, el álbum parece ser demasiado dulce, pero nunca cruza la línea.
Para la producción y el sonido, vamos a dar a este CD un incondicional grado "A" Bona se produjo el álbum, y sus arreglos son imaginativos y llenos de sutiles toques instrumentales y acústicos que se revelan y recompensan con repetidas, escuchas. El ingeniero de grabación, en este álbum es Roy Clark, y él hizo un excelente trabajo de produccion con un sonido limpio, y agradable, y también hábilmente mezcla esos pequeños toques extra instrumentales. http://georgegraham.com/reviews/bona.html
Richard Bona, saca tiempo de sus sesiones al bajo para hacer otro álbum en solitario muy versátil, impecablemente pulido, Munia: The Tale, la primera vez que graba en Verve. Bona se permite tocar rock, jazz, funk, y las influencias brasileñas, las melodías y patrones rítmicos siguen fuertemente arraigados en el África occidental, siempre impregnan la atmósfera. En algunas de las pistas, Bona no necesita ninguna ayuda en absoluto para hacer una impresión, las capas de su voz por encima de su bajo, las guitarras, teclados y percusión en un espectáculo exquisito de control de un solo hombre. A menudo lo hace con la sombra sutil y toques de color de un pianter, como el Moog las líneas suaves que se filtran en el fondo de "Dina Lam." De hecho, "Munia" se abre con un inteligente tema titulado "Bonatology"un conjuro a capella con solo la voz de Bona. Y cuando se pone a tocar uno de esos afrobeat rotatorios "Cuscús" con resultados irresistible deseariamos que el tema no tuviese fin. Sin embargo, Bona no le importa hacer un papel de apoyo, al bajo con el ex alumno de Miles Davis, Kenny Garrett que ofrece un homenaje a Milles en el complejo tema "Painting a Wish". Salif Keita, añade su apasionado lamento de voz en "Kalabancoro", y la guitarra acústica de Romero Lubambo en "Bona Petit" (otro título autorreferencial) mucho de su sabor brasileño. Bona el virtuoso no trata de deslumbrar con su técnica, sino que te seduce con el acabado brillante de su música y ritmos insistentes con toda tranquilidad. ~ Richard S. Ginell
Richard Bona (vocals, keyboards, vocodor, guitar, bass, percussion);
Taraf de Haïdouks es un conjunto musical romaní, originario de la comuna de Clejani, del distrito Giurgiu (judeţ) en Rumania. Es el grupo más célebre del género en la era post-comunista. Son conocidos en su Rumania natal como "Taraful Haiducilor". Su traducción cuasi-literal sería "Banda de los Hombres malvados o fuera de la ley", aunque "taraf" es también el nombre tradicional de un grupo de lăutari(músicos gitanos de la tradición rumana). "Haiduc" o "haiduk" es una palabra de origen turco que significa "bandido"; en rumano tiene una connotación arcaica o rústica. El nombre del grupo es conocido internacionalmente como "Taraf de Haïdouks" (construcción genitiva francesa).
La agrupación se formó en 1989, poco antes de la muerte del dictador Nicolae Ceauşescu, pero actualmente fueron descubiertos por el etnomusicólogo rumano Speranţa Rădulescu, quien primero los grabó en 1983 para el archivo del Instituto de Etnografía y Folklore. La formación original reunía cerca de 12 músicos; a veces suelen incluir algunos más llegando a tener 30 artistas en sus filas. El primer encuentro serio con el mundo occidental se llevó a cabo gracias al etnomusicólogo suizo Laurent Aubert y los músicos belgas Stéphane Karo y Michel Winter.
Taraf de Haidouks - Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye
1.Spune, spune, moş bătrîn ... - old peasant's song 2.Horă din caval - old style hora 3.Azi eram frumoasă, jună ... - romance of the suburbs 4.Ţigănească - Gypsy dance 5.Cînd eram la '48 - chronicle of a peasant uprising 6.Geamparale - wedding dance) 7.Cîntec de dragoste şi joc - love song and dance 8.Doină şi cîntec - doina and flute song 9.Jalea Ţiganilor - Gypsy lament 10.Turcească - dance in Turkish style 11.Balada lui Corbea - ballad of Corbea the Haïdouk 12.Sîrbă - variations 13.De mă deie but te pau - Gypsy song to listen to 14.Brîu - fast dance 15.Duba, duba ... şi hora - jail song and dance 16.Lelită Cîrciumăreasă - old instrumental song
01.Dance Of The Firemen (Sirba Pompierilor)02.A La Turk (Turcoaica Angali) de Taraf de Haidouks feat.03.Sorrow, Only My Sorrow (Doru Meu E Numai Dor)04.The Return Of The Magic Horses (Intoarcerea Cailor Magica)05.A Gypsy Had A House (O Tsigan Ave O Casa)06.A Stork Crosses The Danube, In The Company Of A Raven07.Absinth I Drink You, Absinth I Eat You (Pelin Bau, Pelin Maninc)08.Cacurica Dances (Joc A Lui Cacurica)09.Carolina de Taraf de Haidouks feat. Kocani Orkestar10.Green Leaf, Clover Leaf (Foaie Verde, Foaie Trifoai)11.I’m a Gambling Man (Barbugiu)12.Little Buds (Mugur, Mugurel)13.Bride In A Red Dress (Louloudji) de Taraf de Haidouks feat. Kocani Orkestar14.Back to Clejani (Jea Kere)
Taraf de haïdouks - Musique des tziganes de Roumanie
1. Rînd de hore 2.Ardeleneasca / Sîrba bulgara 3.Balada conducatorului (Le ballade du dictateur - The ballad of the dictator) 4.Sîrba lui Mitica Gîndac 5.Sîrba de la Ruseanca 6.Dragoste de la Clejani (Chanson d'amour de Clejani - Love song from Clejani) 7.Sîrba lui Cacurica 8.Sîrba de la Golasei / Sîrba de la Obedeni 9.Cîntec batrînesc de Haïdouk (Ballade de Haïdouk - Ballad of the Haïdouk) 10.Cîntec de suparare tiganesc (Chanson triste tzigane - Sad Gypsy song) 11.Jamparale ca la Vadulat 12.În curte la Stefan Voda (Ballade à la cour du Seigneur - Ballad in the lord's court) / Ca la Breaza 13.Cîntec de suparare tiganesc (Chanson triste tzigane - Sad Gypsy song) 14.Cimpoiu 15.Indianca
1.Spune, Spune, Mos Batrin2.Rustem3.Balada Conducatorolui4.Dragoste de la Clejani5.Briu6.Hora Ca la Ursari7.Hora Din Caval8.Dumbala Dumba9.Sabarelu10.Sirba Lui Cacurica11.Indiaca12.Turceasca
1. Dance of the Firemen2. A la Turk3. Sorrow, my only sorrow4. The Return of the Magic Horses5. A Gypsy had a house6. A stork crosses the Danube in the company of a raven7. Absynth, I drink you, absinth I eat you8. Cacurica Dances9. Carolina10. Green Leaf, Clover Leaf11. I'm a gambling man12. Little buds13. Bride in a red dress14. Back to Clejani
Taraf de Haïdouks - Band of Gypsies live Buccarest
1. Dance of the Firemen2. A la Turk3. Sorrow, my only sorrow4. The Return of the Magic Horses5. A Gypsy had a house6. A stork crosses the Danube in the company of a raven7. Absynth, I drink you, absinth I eat you8. Cacurica Dances9. Carolina10. Green Leaf, Clover Leaf11. I'm a gambling man12. Little buds13. Bride in a red dress14. Back to Clejani
1. Carolina - Bucovina Club/Taraf De Haidouks2. L'Orient est Rouge - Lightning Head/Kocani Orkestar3. Usti, Usti Baba - Senor Coconut/Kocani Orkestar4. Dumbala Dumba - DJ Dolores/Taraf De Haidouks5. Lest Sexy - Shantel/Mahala Rai Banda6. Cind Eram la '48 - Juryman/Taraf De Haidouks7. Siki, Siki Baba - Gaetano Fabri/Kocani Orkestar8. Cuculetsu - Bum Cello/Taraf De Haidouks9. L'Orient est Roots - Bigga Bush/Kocani Orkestar10. Fantasia For Clarinet - Modem Quartet/Kocani Orkestar11. Mugur, Mugurel - Arto Lindsay/Melvin Gibbs12. Siki, Siki Baba - Mercan Dede/Kocani Orkestar13. Are You Gypsified? - Olaf Hund/Ursari De Clejani/Taraf De Haidouks/Kocani Orkestar (Mega mix)14. la Turk, A - Cop & Thief/Taraf De Haidouks (bonus track)15. Cudna Zena - Modern Quartet/Kocani Orkestar (bonus track)
CD 1 1.-Taraf De Haidouks :: Homecoming 2.-Buscemi :: Alone At My Wedding 3.-Mahala Rai Banda :: Oi Bori SujieKocani Orkestar 4.-Mahala Rai Banda :: Red Bula 5.-Mahala Rai Banda :: Romano Dance 6.-Kocani Orkestar :: Mi Bori San Korani 7.-Taraf De Haidouks :: Duba Duba Si Hora 8.-Taraf De Haidouks :: A Rom And A Home 9.-Cibelle :: Maxutu 10.-Mahala Rai Banda :: The Man Who Drinks 11.-Mahala Rai Banda :: Morceau D'AmourTaraf De Haidouks :: Neacsu In Africa 12.-Yuriy Gurzhy, Russendisko & Friends :: Immigrant Radio/Soldier Tufaiev Abroad 13.-Taraf De Haidouks :: Go East 14.-Kocani Orkestar :: Ismail Oro 15.-Mahala Rai Banda :: Spoitoresa Revisited (Got The Parts Mix)
CD 2 1.-Kocani Orkestar :: Cudna Zena 2.-Kocani Orkestar :: Siki, Siki Baba 3.-Kocani Orkestar :: L'Orient Est Rouge 4.-araf De Haidouks :: Duba, Duba Si HoraT 5.-Taraf De Haidouks :: Terno Chelipe 6.-Taraf De Haidouks :: Cind Eram La '48 7.-Taraf De Haidouks :: A La Turk 8.-Mahala Rai Banda :: Spoitoresa 9.-Mahala Rai Banda :: Lest Sexy 10.-Mahala Rai Banda :: Romano Dance 11.-Zelwer :: The Fiancee's Dream 12.-Zelwer :: Soldier Tufaiev Gets Married
01.Ostinato And Romanian Dance 02.Lezghinka 03.Danza Ritual Del Fuego 04.Waltz From Masquerade 05.In A Persian Market 06.De Cand Ma Aflat Multimea 07.Romanian Folk Dances 08.The Missing Dance 09.Asturias 10.Parca Io Team Vezut 11.Hora Moldovenesca 12.Les Portes De La Nuit 13.Parlapapup 14.Suita Maskarada
Taraf De Haïdouks - The Continuing Adventures of Taraf De Haïdouks
1. The Return Of Magic Horse 2. Little Buds 3. Cintec De Dragoste Si Joc 4. Hora De Mînâ Si De Picior 5. A Strork Crosses The Danube, In The Capagny Of A Raven 6. Pe Potecâ Strîmte 7. Back To Clejani 8. Presentation 9. Briu Opsa
Celtic Woman is an all-female musical ensemble conceived and assembled by Sharon Browneand David Downes, a former musical director of the Irish stage show Riverdance.His concept was to tap into the American marketplace's taste for Celtic music and culture by creating a group that blended the Irish elements of Michael Flatley's music and dance with the structure of all-girl pop groups such as Spice Girls and Pussycat Dolls.In 2004, he recruited an aggregate of five Irish female artists who had not previously performed together: vocalists Chloë Agnew, Órla Fallon, Lisa Kelly and Méav Ní Mhaolchatha, and fiddler Máiréad Nesbitt, who became the first representatives of Celtic Woman. Downes proposed a repertoire that would range from traditional Celtic tunes to modern songs.
Over the years, some of the group's members have changed; in 2009, the group consisted of Chloë Agnew, Lynn Hilary, Lisa Kelly, Alex Sharpe and fiddler Máiréad Nesbitt'; Alex Sharpe left the group in May 2010.Five albums have been released under the name "Celtic Woman": Celtic Woman, Celtic Woman: A Christmas Celebration, Celtic Woman: A New Journey, Celtic Woman: The Greatest Journey, and Celtic Woman: Songs from the Heart. The group has undertaken a number of world tours. Cumulatively, albums by Celtic Woman have sold over 6 million records worldwide
The foundation for Celtic music's popularity outside Ireland and Europe was built by tapping into the success of artists such as Enya and Clannad, along with stage shows Riverdance and Lord of the Dance. Celtic Woman has been described as being "Riverdance for the voice."http://en.wikipedia.org/wiki/Celtic_Woman
1. Mary Black - The Holy Ground [04:30] 2. Kate Power - Bridget O'malley [04:46] 3. Sheoda - Margaret Brennan - Star of The County Down [03:37] 4. Cherish The Ladies - Heidi Talbot - The Green Fields of Canada [06:33] 5. Eleanor Mcevoy - Little Look [03:21] 6. Emer Kenny - Moll Dubh [03:51] 7. Anúna - Lucy Champion - Blackthorn [03:18] 8. Skilda - Naia - The Flower of Finae [04:13] 9. Cathie Ryan - Oro Mo Bhaidin [04:15] 10. Maura O'connell - Down by The Salley Gardens [03:40] 11. Dolores Keane - Storm in My Heart [04:33] 12. Clannad - Maire Brennan - Theme from Harry's Game [02:31]
Miriam Makeba, conocida como “Mama Africa”, fué un símbolo mundial de la lucha contra la segregación racial en Sudáfrica. La cantante supo llevar como nadie al escenario las tradiciones de su tierra con su voz cálida y su presencia grande. Makeba comenzó a cantar en los años cincuenta con el grupo Manhattan Brothers, tras lo que fundó su propia banda, The Skylarks, que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana. En 1963, el Gobierno sudafricano prohibió todos sus discos y le impidió regresar al país. Estuvo viviendo fuera casi 30 años, en Estados Unidos, Europa y Guinea, hasta que en 1990 Nelson Mandela, tras su excarcelación, la convenció para que regresara.
Miriam Makeba fue la primera mujer africana que ganó un premio Grammy, en 1965. Dos años después alcanzó fama internacional con el “Pata Pata”, canción inspirada en una danza de las chabolas de Johannesburgo. En el año 2001 fue galardonada con el Premio de la Paz Otto Hahn, otorgado por la Asociación Alemana de la ONU. En 2002 fue galardonada con el Polar Music Prize que otorga la Real Academia Sueca de Música.
Mama Africa the very best of Miriam Makeba es una recopilación de 25 temas que definen su carrera musical, incluyendo sus primeras canciones como miembro de Manhattan Brothers y The Skylarks. Sirva de homenaje a esta impresionante mujer que vivió comprometida con la lucha por los derechos civiles y contra el racismo, una entrega que llevó a cabo hasta el último momento de su vida.
01. Tula Ndivile 02. Laku Tshoni 'Ilanga 03. Ntyilo Ntyilo 04. Holilili 05. Orlando 06. Intandane 07. Live Humble 08. Sindiza Ngecadillacs 09. Phansi Kwalomhlaba 10. Hush 11. Sophiatown Is Gone 12. Miriam and Spokes´ Phatha Phatha 13. Umqokozo 14. Pata Pata 15. Kilimanjaro 16. Thanayi 17. Can't Cross Over 18. Carnival 19. Chicken (Kikirikiki) 20. African Convention 21. I Shall Sing 22. Malaika 23. Jolinkomo 24. West Wind 25. The Click Song
Yerba Mater's music is a quest for saying something new in an old language. Although the instruments and inspiration find their origin in diverse music cultures and traditions of the Old World, our music does not represent any particular ethnic group or musical style and resembles rather the cultural melting-pot of our imagination and our own musical Neverland. Thus the music consists of unimpeded improvisation, our own compositions, classical pieces, folk tunes and dances.
In 2002 Yerba Mater began to perform life in Poland playing at different kinds of folk festivals, refugees days, theatres, museums etc. They play almost only their own compositions, improvisation and maybe two folk tunes to ease the tension. The thing they played was always very different from everything else that was played. Some people were a bit suspicious as it might have sounded a bit Moorish, and that wasn't exactly the best time for anything with the sign of the Crescent on
01 - Ala P 02 - Sepkha 03 - Ravi z Wetliny 04 - Raga Praga 05 - Uspavanka 06 - De Lirki 07 - Dia Yerbusia 08 - Strzez sie Jasiu 09 - Kulawy Mazur 10 - W Poszukiwianiu zaginione gaski Balbinki 11 - Hangra Hangra Glodna Bhangra
En 1954, estando en París tuve la oportunidad de ver y escuchar a muchos conjuntos de jazz moderno, entre ellos al Octeto de Gerry Mulligan. Fue realmente maravilloso ver el entusiasmo que existía entre ellos mientras ejecutaban. Ese goce individual en las improvisociones, el entusiasmo de conjunto al ejecutar un acorde, en fin, algo que nunca había notado hasta ahora con los músicos y música de tango.
Como resultado de esta experiencia nació en mí la idea de formar el Octeto Buenos Aires. Era necesario sacar al tango de esa monotonia que lo envolvía, anto armónica como melódica, rítmica y estética. Fue un impulso irresistible el de jerarquizarlo musicalmente y darle otras formas de lucimiento a los instrumentistas. En dos palabras, lograr que el tango entusiasme y no canse al ejecutante ni al oyente, sin que deje de ser tango, y que sea más que nunca, música.
Nace en 1955 el Octeto Buenos Aires. Elegí los mejores instrumentistas de este género: Enrique Mario Francini (violín), Atilio Stampone (piano), Roberto Pansera, hoy reemplazado por Leopoldo Federico (bandoneón), Hugo Baralis (violín), Horacio Malvicino (guitarra eléctrica), José Bragato (violoncello), Aldo Nicolini, hoy reemplazado por Juan Vasallo (bajo), y yo, bandoneón. El primer arreglo que hice para este conjunto fue Arrabal. Para entonces nos pareció sumamente avanzado. Hoy, a despecho de sus novedosas concepciones, Arrabal nos parece antiguo, es lógico. Realizar el difícil equilibrio sonoro del Octeto llevó dos años y aún queda mucho por descubrir.
En cada arreglo se aprende algo más sobre esta formación orquestal. Tengamos en cuenta que existe un desequilibrio tremendo por falta de cuerdas, ya que para dos bandoneones, piano, guitarra y bajo, se necesitarían por lo menos seis violines, viola y cello, pero ajustándome a los dos violines y cello, es necesario escribirle a estos en tesituras no acostumbradas. Por ejemplo, cuando incluyo efectos rítmicos y quiero lograr fuertes sonoridades, empleo los dos violines casi siempre en la tesitura grave y el cello, la mayoría de las veces, dentro de la misma tesitura que los violines, sobre todo en los unísonos. (Neotango, El Marne, Arrabal).
Para efectos suaves y melódicos empleo las tesituras normales (Anoné). Las dobles cuerdas son utilizadas para mayor sonoridad armónica (dos violines, cello y bajo en la segunda parte de Marrón y Azul). También el contrapunto entre las cuerdas, da mayor belleza a los temas originales (Arrabal, solo de violín).
Para los efectos de percusión también intervienen las cuerdas; el primer violín imita el tambor, el segundo la lija, el cello la caja y el bajo golpeado con la palma de la mano detrás del instrumento, logra el efecto del bombo (Marrón y Azul). Los dos bandoneones realizan la labor de cuatro y cinco. Casi siempre están ejecutando acordes de cuatro, cinco y hasta seis sonidos cado uno (El Marne). También variaciones sobre los temas en quintillos, seisillos y hasta sietesillos de fusas hoy en desuso por su dificultad técnica (Anoné). Un ejemplo de maravillosa sonoridad de los dos bandoneones acompañados por bajo, lo tenemos en Anoné y El Marne.
La guitarra eléctrica es un instrumento novedoso dentro del tango; ofrece un timbre no acostumbrado en este tipo de orquesta. Notarán Uds. la fuerza sonora de este instrumento cuando ejecuta acordes y en los unísonos con los bandoneones, violines y cello (Neotango y Tangology). También lo empleo para imitación del bongó (Anoné, Marrón y Azul). Lo más destacable en este instrumento e instrumentista son las improvisaciones sobre los temas originales, hecha por primera vez en conjuntos de tangos. El piano y el bajo son los instrumentos acompañantes; la fuerza rítmica del Octeto. Los solos de piano, de muy dificil ejecución, son de una nueva concepción rítmica y armónica paro el tango. Existen los solos de carácter rítmico (Arrabal) y otros de carácter romántico (Haydée).
El único propósito del Octeto Buenos Aires es renovar el tango popular, mantener su esencia, introducir nuevos ritmos, nuevas armonías, melodías, timbres y formas y, sobre todo, no pretendemos hacer música llamada culta.Astor Piazzolla
1) Haydee (Grane Hector Abel) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
2) Marron Y Azul (Piazzolla Astor) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
3) Los Mareados (Cadicamo Enrique Domingo / Cobian Juan Carlos) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
4) Neotango (Federico Leopoldo / Flores Manuel Ceferino) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
5) El Marne (Arolas Eduardo) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
6) Anone (Baralis Victor Hugo) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
7) El Entrerriano (H. Exposito / Mendizabal Rosendo Cayetano) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
8) Tangology (Malvicino Horacio) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
9) Arrabal (Pascual Jose) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
10) A Fuego Lento (Salgan Horacio Adolfo) Artist : Astor Piazzolla Orchestra : Octeto Buenos Aires
Este disco es una joya de la fusión que permite el reencuentro con lo mejor del Jazz y lo mejor de la expresión folklorica andina. El fantástico guitarrista De Grassi se asocia con el chileno Quique Cruz y junto a otros, igualmente eximios músicos, construyen una obra llena de sensaciones y recuerdos. Pasean al auditor por mundos diversos y hacen un síntesis de increíble fuerza expresiva en lo rítmico y en lo armónico.
Quique Cruz es un músico que desarrolló en el exilio su carrera hace más de 25 años. Por medio de charango, flautas andinas, un bombo andino, ronroco y Palo de agua ha mantenido viva la tradición que lo vió nacer. Sus maestros musicales chilenos fueron reemplazados por John Coltrane, Billie Holliday, Miles Davis y Thelonius Monk. Esto bse hace carne en los músicos que lo acompañan como Michael Bluestein un excelente pianista que recuerda a Lyle Mays, ( más conocido por su trabajo con el Pat Metheny Group) , Jon Evans en contrabajo y una trompeta ( Jeff Beal )al más puro estilo de Miles Davis. Magnifica entrega de sabiduría y profunda conexión en lo musical.
Comenzó cantando música brasileña con el grupo BOSSA 9. En 1991 graba su primera producción como solista, titulada “Canta Brasil”, editada en el Perú y posteriormente en España. A mediados de los 90’s incursiona en el jazz, participando en los Festivales del ICPNA, CCPUC y el que se realizó en el Museo de la Nación, organizado por el INC (Instituto Nacional de Cultura) de Lima, Perú.
En el 2001 presentó “DÍAS DE CINE”, espectáculo en el que rendía tributo a las grandes melodías compuestas para el séptimo arte.
En febrero del 2004 cumplió una exitosa temporada de conciertos con “JOBIM VIVE”, conmemorando los 10 años del fallecimiento del gran compositor brasileño Antonio Carlos Jobim. Pilar ha tenido la oportunidad de participar como cantante invitada en las presentaciones de figuras de la talla de Luis Salinas (Argentina), Joyce (Brasil) y Carmina Cannavino (México), Roberto Menescal & Wanda Sá (Brasil), en sus respectivas visitas a nuestro país. Uno de sus más recientes trabajos es “AFROAMÉRICA”, un concierto de jazz construído a partir de la diversidad rítmica y temática afroamericana.
JAZZ CON SABOR PERUANO
Las armonías del jazz y la bossa nova se entrelazan con los colores del cajón peruano y la guitarra criolla, consiguiendo una novedosa amalgama de sonidos que podrían definirse como JAZZ CON SABOR PERUANO.
La idea de fusionar el jazz y la bossa nova con la música peruana surge en la década de los 60’s cuando la bossa nova se difunde en el mundo entero a través de Antonio Carlos Jobim y su Chica de Ipanema. Los músicos peruanos se vieron influenciados por esta corriente, de la misma manera que los músicos de las décadas del 30 y 40 lo hicieron con los tangos y los boleros. Por citar algunos nombres, podemos mencionar a Carlos Hayre, Lucho Neves y Félix Casaverde. Justamente Pilar de la Hoz llegó a grabar una maqueta con Félix Casaverde y quizás fue su primera experiencia cercana con la música peruana. Posteriormente Pilar decide desarrollar más ampliamente este proyecto y recurre a Sergio Valdeos y Edward Pérez, dos especialistas en la bossa nova y el jazz respectivamente, quienes han hecho los arreglos de la que es su última producción discográfica.
El público ha recibido de la mejor manera esta propuesta, quizás porque no se trata de ningún tipo de copia, es la manera como los músicos peruanos sentimos el jazz, teniendo referentes de nuestra música, en algunos casos recurriendo a temas de nuestro folklore y en otros incorporando elementos de nuestra tradición como el cajón afroperuano, a los llamados standards de jazz.
Cabe resaltar que Pilar de la Hoz presentó este trabajo en el XV Festival Jazz en Lima, alternando con músicos de la talla de María Schneider (Grammy 2005), Ingrid Jensen, Geoffrey Keezer, Billy Kerr, John Thomas, Jon Wikan, Matt Clohesy, entre otros.
También Pilar se ha presentado en el mes de marzo del 2005, en la I Fiesta de la Música del Valle Sagrado de los Incas, en el Urubamba, Cuzco.
Y entre el 23 y 26 de junio del 2005 participó como invitada en el XIX Festival Internacional Boleros de Oro, que tuvo lugar en la ciudad de La Habana, Cuba, habiendo sido programada en todos los teatros y en el legendario “Dos Gardenias” considerado el Templo del Bolero.
El sábado 29 de octubre del mismo año cerró el V Festival de Jazz de Arequipa, organizado por el Instituto Cultural Peruano-Alemán, con su espectáculo de “Jazz con Sabor Peruano”.
En diciembre del mismo año fue invitada por el Maestro Chucho Valdès a participar en el XXII Festival Internacional Jazz Plaza, en la ciudad de La Habana, Cuba, uno de los festivales de jazz màs importantes del mundo, donde presentó su “JAZZ CON SABOR PERUANO”, teniendo la acogida del público cubano, así como de los extranjeros que se dieron cita en este evento.
Durante un año se desempeñó como Productora General de la Asociación Internacional Jazz Perù, asì como productora y conductora del ùnico programa radial de música brasileña en nuestro paìs: “Ilha Brasil”.
En octubre del 2007 sacó su tercera producción “De Locos y Cuerdas”; trabajo exclusivo de guitarra y voz, considerada de primerísimo nivel, ya que cuenta con extraordinarios músicos como Roberto Menescal (Brasil) considerado uno de los padres de la bossa nova, Luis Salinas (Argentina), Lucho González, Oscar Cavero, Sergio Valdeos y Diego Salvador (Perú).
Y este cuarto nuevo disco titulado “HOZADÍAS” es al igual que el de Jazz con Sabor Peruano, una búsqueda de fusionar la música peruana con diferentes elementos del jazz y la bossa nova y reafirmar su posición de ser la primera, y pionera cantante de jazz con peruano.http://www.myspace.com/pilardelahozoficial
1. PARA CANTAR 2. DESDEN 3. HAY DIAS COMO HOY 4. MI ROMANCE 5. AYER TE VI 6. CAMPESINA 7. THAT S ALL 8. EL MAYORAL 9. QUIERO QUE ESTES CONMIGO 10. AGUA DE BEBER 11. MY FAVOURITE THINGS
Marwan Abado is the best known ambassador of oriental music in Austria and one of those musicians who demonstrate that Austria is a land of music full of inspiration and interesting encounters. The native Palestinian has lived in Vienna for over 20 years and has played with many musicians from various cultures and styles, including among others Timna Brauer, Alegre Correa, Krysztof Dobrek, Franz Hautzinger, Eliott Sharo, Kamila Jubran, Otto Lechner, Charbel Rouhana, Sahar Taha.
Marwan Abado was selected best artist in the category folk & world-international by the Austrian music magazine Concerto in 2005 (together with K. Dobrek, A. Biz, A. Correa and R. Neuwirth for the CD and live programme “´s geht eh“), in 2006 Abado was selected second best artist in the same category for his CD “Kabila”. In November 2008 Abado received the Federal Medal of Intercultural Dialogue from the Austrian Ministry for Education, Arts and Culture, for his engagement in intercultural dialogue. Besides his own musical programmes Abado has also composed for film and theatre. His latest theatre compositions can be heard in Vienna’s renowned Akademietheater in the play “Incendies” by Wajdi Mouawad.
Abado's music has its roots in the classical Arabic music tradition of the TAQ´SIM, which is not restricted to particular rhythms, but rather springs from the inner impulses of the musician. On the one hand Abado´s melodies and musical concepts take their power from the deep relatedness to his roots. He is conscious about the rich Arabic tradition which he is “musically living” not only quoting. At the same time, Abado steps across the borders between orient and occident seeking dialogue with European traditions and musicians. The outcome, Abado´s specific sound: cosmopolitan, borderless music. Contemporary poetry and prose often provide the inspiration for Abado's lyrics. The songs tell stories about parting, travelling, expulsion, hope and – of course – love. “My music is not trendy – it is part of me. I am living here in Vienna as a musician with an oriental background, speaking an oriental language, playing an oriental instrument – the oud. At the same time I feel cosmopolitan. Here in this town I meet and work with people from all over the world with different cultural backgrounds everyday – so my music is neither Arabic nor European. My music is simply the expression of my feelings and my life.” http://www.marwan-abado.net/en/?n=Main.Biography
Marwan Abado – oud, vocals Peter Rosmantih - percussion Joanna Lewis – violine Otto Lechner – accordion
01. Lam’ Ma L’hamamm 02. Samai Lammi 03. Kaan Ya Ma Kaan 04. Kabila 05. Sadiki 06. Hawa 07. Wada 08. A Love Story Between a Camel and a Cow 09. Hawilou 10. Taeru Le’ Raàdi
Ishtar – better known to family and friends as Eti Zach – was born in Israel, in Kiryat Ata, a small town not far from Haifa, on 10 November 1968. Eti and her sister were influenced by several different cultures as they were growing up. Raised by an Egyptian mother and a father with Spanish and Moroccan roots, the girls spoke Arabic at home but learned Hebrew at school. They were surrounded by music from an early age as their mother is the daughter of the famous Egyptian singer, Nora, and their father a talented musician in his own right. Eti appeared to have inherited the Zach family's musical talent and began singing professionally at the age of 15. She got her stage name from her grandmother who named her Ishtar after the ancient Asian goddess of fertility.
French Connection
Like other Israeli teenagers (of both sexes), Eti began her military service at the age of 18 and spent two years in the army. Then, continuing with Israeli teenage tradition, she spent the following year travelling. Eti visited a number of countries including Australia and boosted her travelling funds by performing in local clubs. Eti's vocal talent and passion for music, not to mention her stage charisma and good looks, made her an instant hit with audiences worldwide.
On her return trip to Israel Eti stopped off to visit a friend in France. This visit proved to be a turning-point in her personal life and career, for Eti fell in love with France and decided to make it her home. The 24-year-old singer wasted no time in getting her music career up and running abroad, working as a backing singer for a host of well-known artists including the group Kaoma (famous for launching the "Lambada" craze), Tonton David and Julien Clerc. Meanwhile, Eti also began giving regular performances with a group called Cauma.
But Ishtar's big breakthrough came when producer Charles Ibgui came to see her in concert. Impressed by Ishtar's extraordinary voice, Ibgui signed her to his label, Atoll. Ibgui also introduced Ishtar to Los Ninos, a group of four Gypsy cousins from Montpellier, who had honed their musical talent playing with several major stars including Manitas de Platas and Paco de Lucia.
Ishtar became the group's frontwoman and, under the name Alabina, the fivesome went on to create a catchy multi-cultural fusion sound mixing Spanish, Arabic and Gypsy music with lyrics in French, Spanish, Arabic and Hebrew. Alabina's multi-cultural fusion sound was laid over electro beats which gave the group's music a strong dance feel and won them instant popularity on the international music scene. Needless to say, Alabina's 'Oriental pop' was soon crossing linguistic and geographical borders and shooting up charts around the world.
Alabina's debut album "The Album" – a name which spoke volumes about the group's international ambitions – came out in 1996 and scored an instant hit with music fans worldwide. "The Album" went on to sell over 200,000 copies (including 70,000 in the US, 35,000 in Spain, 25,000 in Italy and 20,000 in Israel). Ishtar's album even scored a huge hit in Armenia – a country where international releases usually make only the slightest of impacts!
The singles, "Alabina", "Ole y Ola" and "Habibi de mis amores" followed the same trajectory to success, selling over 150,000 copies apiece. Alabina's dance-influenced covers of traditional Arab classics seemed to appeal to music fans across the board. Indeed, the group appeared to have hit upon a successful formula for crossing cultural and religious divides.
Alabina owed much of their multi-cultural success to their charismatic frontwoman, who remained something of a mystery. Audiences remained in the dark about Ishtar's origins and many people took her for an Arab, never imagining for a moment that she had Jewish roots.
1. Lolole - Don't Let Me Be Misunderstood 2. Salam, La Paz Al Final 3. Choukrane 4. Vengan Vengan - Ya Habaybi, Ya Ghaybine 5. Sevillano 6. Somos Gitanos-Los Ninos De Sara 7. Azima Leyla 8. Loli, Lolita, Lola - Rikdi 9. Me Encuentro En Tu Desierto - Sahara 10. Santa Maria 11. Ya Mama, Tu M'as Tant Donne
Ishtar (Hija de madre eEgipcia y padre marroquí "español de extracción"). Su banda, Los Niños de Sara, es un grupo de cuatro músicos gitanos del sur de Francia,acompañado por Manitas de Plata y Paco De Lucía. La combinación de las tradiciones musicales de Oriente Medio con los ritmos virtuoso del flamenco es el sonido que marco su éxito internacional.
Puente del Sur es mucho más que un disco de timple. A parte de contar con una banda de excelentes músicos, participan un importante número de colaboradores de lujo como la gallega Cristina Pato, el vasco Kepa Junkera, el castellano-leonés Paco Díez, el grupo Los Gofiones, así como las voces de Luis Morera, Sergio García, Alba Pérez y los Coros escolares del Puerto de la Cruz. Un total de doce temas inéditos, que han sido grabados y mezclados en los estudios Multitrack de Tenerife, conforman este cuidado trabajo, co-producido por el propio Benito Cabrera en colaboración con el músico venezolano Ykay Ledezma. http://www.benitocabrera.com/puente.html
Por la banda sonora de la película The Constant Gardener (El Jardinero Fiel, 2005), de Fernando Meirelles, Alberto Iglesias fue finalista al Oscar a la mejor banda sonora del mismo año. Adaptación al cine de la novela homónima de John le Carré, El Jardinero Fiel nos cuenta una historia de amor entre un diplomático (Ralph Fiennes) y una activista (Rachel Weisz, óscar a la mejor actriz de reparto), localizada en el África subsahariana, en la que se destapa una trama internacional de corrupción, burocracia y acciones lucrativas de la industria farmacéutica.
La música pone broche de oro a esta cinta y complementa perfectamente la historia. La composición corre a cargo de Alberto Iglesias, músico español ganador de numerosos premios Goya y autor de bandas sonoras de películas de Pedro Almodóvar, Julio Médem, Bigas Luna, John Malkovich, Steven Soderbergh y Marc Forster, entre otros (precisamente con la película Cometas en el Cielo, de este último, también fue nominado al oscar en 2007). Música eminentemente ambiental, sin caer en la tentación de elaborar música “típicamente africana”, integra los instrumentos étnicos, como la marimba, consiguiendo construir ambientes de misterio a base de acertados solos de violín, oboes y clarinetes y arpa, que la utiliza para enlazar diferentes pasajes. La voz está presente en dos de los temas más representativos: “Dicholo” y “Kothbiro” (del genial músico keniata Ayub Ogada), cargado de una espiritualidad y profundidad impresionantes y cuya melodía hila magistralmente en varias pistas. En definitiva, el gran mérito de la banda sonora es la de conseguir que la música nunca reste protagonismo a las imágenes dramáticas y reflexivas, sino que se mantiene como un murmullo que acompaña al protagonista (Ralph Fiennes) en su doloroso camino de respuestas.
01. Tessa's Death 02. Roadblock I 03. To Germany 04. Tessa In The Bath 05. Jomo Gets An HIV Test 06. Dicholo (performed by Ayub Ogada) 07. We'll Both Be Dead By Christmas 08. Motorbike 09. To Airport 10. Funeral 11. Three Bees Testing 12. Sandy Goes To The Hospital 13. Kothbiro (performed by Ayub Ogada) 14. Justin Returns To The House 15. Raid 16. Destruction 17. To Loki 18. Kindergarten 19. Hospital 20. Kenny Curtis 21. Landing In Sudan 22. Justin's Breakdown 23. Justin's Death 24. Dropped Off At Turkana 25. Roadblock II 26. Procession
En 1995 se creó la formación Afro Celt Sound System a partir de varios instrumentalistas irlandeses y afro-caribeños, como Simon Emmerson, James McNally, Iarla O´lionaird, Johnny Kalsi, N´Faly Kouyate, Emer Mayoc, Moussa Sissokho y el productor, programador e ingeniero de sonido Martin Russel, verdadero artífice del grupo. La mezcla de estilos fue acogida con gran éxito en el festival WOMAD Son la vanguardia indiscutible de la world music, y estan abriendo nuevas vias de encuentro entre las músicas tradicionales de Africa e Irlanda en un cocktail electrónico de alto nivel. La música se fusiona con la escena de baile y la electrónica en una mezcla perfecta que The ACSS define como Global Dance.
Hace siete años desde que Afro Celt Sound System asaltaron por primera vez nuestros sentidos con su innovadora fusión de ritmos del Oeste de África, música tradicional irlandesa y dance grooves a la última. En ese tiempo ha habido muchos imitadores menores y el movimiento global beat del que ellos han sido pioneros ha entrado en el mainstream. Ahora los innovadores originales han vuelto con un nuevo nombre, un nuevo álbum y un nuevo planteamiento. Afro Celt Sound System ya es historia. En su lugar emerge un grupo llamado Afro Celts y su álbum más gratificante hasta ahora, 'Seed'.
SOUND MAGIC 1. Saor / Free - News from nowhere 2. Whirl - Y - Reel 1 3. Inion / daughter 4. Sure as not 5. Nil cead againn dul abhaile / we cannot go home 6. Dark moon , high tide 7. Whirl - Y - reel 2 8. House of ancestors 9. Eistigh liomsa sealad / listen to me - Saor reprise
RELEASE 1. Release 2. Lovers of light 3. Eireann 4. Urban Aire 5. Big cat 6. Even in my dreams 7. Amber 8. Hyptnotica 9. Riding the waves 10.I think of ... 11.Release it
FURTHER IN TIME 1. North 2. North 2 3.When you're falling 4. Colossus 5. Lagan 6. Shadowman 7. Life begin again 8. Further in time 9. Go on through 10Persisternce of memory 11.The silken whip 12.Onwards
ANATOMIC 01. When I Still Needed You 02. My Secret Bliss 03. MojaveSeneґ (Working the Land) 04. Anatomic 05. Beautiful Rain 06. Mother 07. Dhol Dogs 08. Drake
POD 1. Rise Above 2. Johnny at Sea 3. Persistence of Memory [Rae & Christian Mix] 4. Further in Time [Remix] 5. Full Moon Ow Tide [DJ Toshio Mix] 6. Release [Rollo & Sister Bliss Mix] 7. Release It [Masters at Work Segue/DJ Edit] 8. Whirly 3 9. Riding the Skies 10. Eireann [Remix] 11. Release [Bi Polar Mix] 12. When You're Falling [Wren & Morley Mix] 13. Lagan [Remix]
