El Espíritu de Lúgubre

Tras más de un lustro de existencia (fue creado en 1998), El Espíritu de Lúgubre ha alcanzado plena madurez musical y conceptual, reuniendo en su formación a un elenco de músicos experimentados, auténticos apasionados de la música folk.Grupo Burgales con raices a la tierra del arlanza.

El mundo rural es el inspirador de la música folk que hacemos. Pero ese mundo rural está condenado a la extinción. Los prados se abandonan, las mozas no bajan a lavarse al río, y los molinos se hunden. Un poco por eso, definimos nuestra música como folk ficticio. No son melodías tradicionales que nos ha cantado un viejecillo en un pueblo perdido. Son temas nuevos, con sabor viejo y raiz ibérica, que proponen la reinvención del mundo rural y lanzan mensajes de aliento y reivindicación, manteniendo la esencia.

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El Espíritu de Lúgubre

Tras más de un lustro de existencia (fue creado en 1998), El Espíritu de Lúgubre ha alcanzado plena madurez musical y conceptual, reuniendo en su formación a un elenco de músicos experimentados, auténticos apasionados de la música folk.Grupo Burgales con raices a la tierra del arlanza.

El mundo rural es el inspirador de la música folk que hacemos. Pero ese mundo rural está condenado a la extinción. Los prados se abandonan, las mozas no bajan a lavarse al río, y los molinos se hunden. Un poco por eso, definimos nuestra música como folk ficticio. No son melodías tradicionales que nos ha cantado un viejecillo en un pueblo perdido. Son temas nuevos, con sabor viejo y raiz ibérica, que proponen la reinvención del mundo rural y lanzan mensajes de aliento y reivindicación, manteniendo la esencia.

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17 Hippies - Ifni

17 Hippies es una banda de Berlín, Alemania, que toca sobre todo música instrumental. Su música, que procede de una confluencia entre varios tipos de folclore, es tocada con gran estilo y energía. Sus influencias son de temas belgas, polacos, griegos, serbios y alemanes.

1.Frau Von Ungefahr
2.Freilax
3.Paso Doble
4.Ifni Ifni
5.Karsilamas
6.Was Bleibt
7.Cube
8.Damsons la Valse
9.Besho
10.Saint Behind the Glass
11.Valser Nel Bosco
12.Hotel Cazane
Hoyaka Suite:
13.Hoyaka (Intro)
14.Hoyaka
15.Soy em Gadde



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17 Hippies - Ifni

17 Hippies es una banda de Berlín, Alemania, que toca sobre todo música instrumental. Su música, que procede de una confluencia entre varios tipos de folclore, es tocada con gran estilo y energía. Sus influencias son de temas belgas, polacos, griegos, serbios y alemanes.

1.Frau Von Ungefahr
2.Freilax
3.Paso Doble
4.Ifni Ifni
5.Karsilamas
6.Was Bleibt
7.Cube
8.Damsons la Valse
9.Besho
10.Saint Behind the Glass
11.Valser Nel Bosco
12.Hotel Cazane
Hoyaka Suite:
13.Hoyaka (Intro)
14.Hoyaka
15.Soy em Gadde



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Tierra seca (Musica Tradicional de Medina del Campo -San Antolin-)

Medina del Campo es un lugar cargado de historia. De pasado romano y árabe, la ciudad tomó vigor en el tramo final de la Edad Media, cuando su Feria se posicionó a la cabeza de las actividades económicas de la Península Ibérica.

Urbe amada por Isabel la Católica, padeció en tiempos de las guerras comuneras y declinó a medida que el peso de la actividad económica de España se trasladaba hacia el sur y el Atlántico (auge de Sevilla y el trráfico con América) y la decadencia económica se cebaba en el reino desde tiempos de Felipe II en adelante. En un cerro cercano al río Zapardiel se alza el Castillo de la Mota, una construcción básicamente del Siglo XV. El castillo de la Mota, de ladrillo rojizo y apariencia mudéjar es un edificio medieval, con importantes reformas en tiempos de Juan II y los Reyes Católicos. Con doble hilada de muralla y una airosa torre del Homenaje, fue sólida prisión de estado donde penó, entre otros, el caudillo Cesar Borgia.

El punto central de la ciudad es la Plaza Mayor, rectangular y amplia, donde se celebran las ferias que dieron fama europea a Medina desde el siglo XIV. Los viejos nombres de las aceras (Armería, Joyería, Especiería, Mercería, etc) recuerdan la actividad comercial. En uno de sus ángulos se encuentra el Palacio Real, donde murió Isabel la Católica. A su lado están el ayuntamiento, y la iglesia de San Antolín.

Recopilación del cancionero popular de esta comarca.



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Tierra seca (Musica Tradicional de Medina del Campo -San Antolin-)

Medina del Campo es un lugar cargado de historia. De pasado romano y árabe, la ciudad tomó vigor en el tramo final de la Edad Media, cuando su Feria se posicionó a la cabeza de las actividades económicas de la Península Ibérica.

Urbe amada por Isabel la Católica, padeció en tiempos de las guerras comuneras y declinó a medida que el peso de la actividad económica de España se trasladaba hacia el sur y el Atlántico (auge de Sevilla y el trráfico con América) y la decadencia económica se cebaba en el reino desde tiempos de Felipe II en adelante. En un cerro cercano al río Zapardiel se alza el Castillo de la Mota, una construcción básicamente del Siglo XV. El castillo de la Mota, de ladrillo rojizo y apariencia mudéjar es un edificio medieval, con importantes reformas en tiempos de Juan II y los Reyes Católicos. Con doble hilada de muralla y una airosa torre del Homenaje, fue sólida prisión de estado donde penó, entre otros, el caudillo Cesar Borgia.

El punto central de la ciudad es la Plaza Mayor, rectangular y amplia, donde se celebran las ferias que dieron fama europea a Medina desde el siglo XIV. Los viejos nombres de las aceras (Armería, Joyería, Especiería, Mercería, etc) recuerdan la actividad comercial. En uno de sus ángulos se encuentra el Palacio Real, donde murió Isabel la Católica. A su lado están el ayuntamiento, y la iglesia de San Antolín.

Recopilación del cancionero popular de esta comarca.



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Galicia y su música

Galicia es una de las regiones de España con más tradición en la música.
Una gran parte de su riqueza musical reside en la variedad de ritmos musicales así como de instrumentos. La otra parte está en su gente, la cual ha seguido la tradición musical a lo largo de los años, teniendo como apoyo los festivales musicales y los concursos de gaita.

Actualmente es una de las zonas de más movimiento musical en lo que se refiere a grupos folk, los cuales han recuperado gran parte del repertorio que estaba en el olvido e incluso han contribuido a dar un nuevo enfoque en la interpretación de piezas tradicionales.

1- Himno Gallego
2- Negra Sombra
3- Torna Pra Aco, Emigrante
4- Mariñeiros de Cayon
5- Farruquiña
6- Pandeirada do Grove
7- Foliada de San Xusto
8- Alala de Orense
9- Enxebre
10- Pandeirada de Paderne
11- Lonxe D´a Terriña
12- Panxoliña de Nadal






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Galicia y su música

Galicia es una de las regiones de España con más tradición en la música.
Una gran parte de su riqueza musical reside en la variedad de ritmos musicales así como de instrumentos. La otra parte está en su gente, la cual ha seguido la tradición musical a lo largo de los años, teniendo como apoyo los festivales musicales y los concursos de gaita.

Actualmente es una de las zonas de más movimiento musical en lo que se refiere a grupos folk, los cuales han recuperado gran parte del repertorio que estaba en el olvido e incluso han contribuido a dar un nuevo enfoque en la interpretación de piezas tradicionales.

1- Himno Gallego
2- Negra Sombra
3- Torna Pra Aco, Emigrante
4- Mariñeiros de Cayon
5- Farruquiña
6- Pandeirada do Grove
7- Foliada de San Xusto
8- Alala de Orense
9- Enxebre
10- Pandeirada de Paderne
11- Lonxe D´a Terriña
12- Panxoliña de Nadal






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Waldo de los Rios - ¿Seguimos bailando folklore?

La invitación nos llega con la proyeccion de un tiempo eterno. Tiene perfume y la dulce añoranza de la antigua ramada provinciana. y como si serenovaran en nuestros oidoslos ecos sonoros de una zamba o de una chacarera, mientras nuestros ojos se extasían ante las vueltas o esquinas, travesías o giros que trazan los bailarines, arquitectura sobre la que esienta la elegancia, la gracia y la intención de las danzas. Es eso, precisamente : su ritmica, su melodia y su sentidolo que provee de una sustentacion espiritual al repertorio tradicional argentino.
Es labor que compete a los artistas contemporáneos recuperar el caudal autoctono, para entregarlo a la comprención y mayor valoración de las generaciones presentes.
En "¿Seguimos bailando folklore?", Waldo de los Ríos ha grabado 16 danzas típicas. Su precupación fundamental ha consistido en brindarles al publico en una forma tal que, amalgamando el sentido tradicional con la moderna técnica, proporcione el deleite de escuchar musica argentina provista de todo su sabor típico y sonido.

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Waldo de los Rios - ¿Seguimos bailando folklore?

La invitación nos llega con la proyeccion de un tiempo eterno. Tiene perfume y la dulce añoranza de la antigua ramada provinciana. y como si serenovaran en nuestros oidoslos ecos sonoros de una zamba o de una chacarera, mientras nuestros ojos se extasían ante las vueltas o esquinas, travesías o giros que trazan los bailarines, arquitectura sobre la que esienta la elegancia, la gracia y la intención de las danzas. Es eso, precisamente : su ritmica, su melodia y su sentidolo que provee de una sustentacion espiritual al repertorio tradicional argentino.
Es labor que compete a los artistas contemporáneos recuperar el caudal autoctono, para entregarlo a la comprención y mayor valoración de las generaciones presentes.
En "¿Seguimos bailando folklore?", Waldo de los Ríos ha grabado 16 danzas típicas. Su precupación fundamental ha consistido en brindarles al publico en una forma tal que, amalgamando el sentido tradicional con la moderna técnica, proporcione el deleite de escuchar musica argentina provista de todo su sabor típico y sonido.

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Antonio Zepeda - Corazon del Sol

Este hombre místico conectado con los dioses, ofreció su primer concierto en 1968 en compañía del folclorista Víctor Fosado, quien le invita a tocar su colección, introduciéndole así los instrumentos musicales antiguos. Es en esa época cuando Antonio inicia su propia colección de instrumentos musicales indígenas. Algunos años después viaja por comunidades indígenas de México en busca de músicos para organizar el Primer Festival nacional de Música Autóctona, realizado en el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México. En los 80, produce y musicaliza para la Televisión de la República Mexicana, veinte documentales educativos sobre las costumbres, el idioma, la estética, el trabajo y la alimentación de los grupos étnicos aposentados en el estado de Oaxaca. Se ha presentado en muchos de los más importantes sitios arqueológicos de México, como el Templo Mayor y Cuicuilco, en Monte Albán, Oaxaca, Teotihuacán y Malinalco, Estado de México, Puebla, Tula, Hidalgo, Xcaret, Quintana Roo y San Lorenzo Tenochtitlan y Tajín, Veracruz. Ha participado en festivales Internacionales de música autóctona, ha creado música para numerosos documentales y musicalizado películas como Los Confine de Mitl Valdes y Ulama, el juego de la vida y la muerte de Roberto Rochín. Tiene en su haber 18 producciones discográficas de su autoría y en colaboración con importantes músicos y compositores.

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Antonio Zepeda - Corazon del Sol

Este hombre místico conectado con los dioses, ofreció su primer concierto en 1968 en compañía del folclorista Víctor Fosado, quien le invita a tocar su colección, introduciéndole así los instrumentos musicales antiguos. Es en esa época cuando Antonio inicia su propia colección de instrumentos musicales indígenas. Algunos años después viaja por comunidades indígenas de México en busca de músicos para organizar el Primer Festival nacional de Música Autóctona, realizado en el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México. En los 80, produce y musicaliza para la Televisión de la República Mexicana, veinte documentales educativos sobre las costumbres, el idioma, la estética, el trabajo y la alimentación de los grupos étnicos aposentados en el estado de Oaxaca. Se ha presentado en muchos de los más importantes sitios arqueológicos de México, como el Templo Mayor y Cuicuilco, en Monte Albán, Oaxaca, Teotihuacán y Malinalco, Estado de México, Puebla, Tula, Hidalgo, Xcaret, Quintana Roo y San Lorenzo Tenochtitlan y Tajín, Veracruz. Ha participado en festivales Internacionales de música autóctona, ha creado música para numerosos documentales y musicalizado películas como Los Confine de Mitl Valdes y Ulama, el juego de la vida y la muerte de Roberto Rochín. Tiene en su haber 18 producciones discográficas de su autoría y en colaboración con importantes músicos y compositores.

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Antonio Zepeda - La region del misterio

En las culturas precolombinas la música tuvo una dimensión sagrada, los instrumentos mismos estaban pensados para comunicar lo mortal con lo eterno: el caracol, la flauta, el huehuetl y el teponaztli, eran voces cuyo origen se atribuía a los dioses. Los instrumentos habían llegado del mundo de las deidades para alegrar el mundo de lo perecedero. La observación religiosa de la naturaleza fue la clave de un pensamiento místico-científico que creía que los elementos naturales existían para ser entendidos, comandados y obedecidos. El horizonte estaba poblado de divinidades y la naturaleza tenía un lenguaje cuyos signos eran interpretados para comunicarse con ella. Había una lección implícita en los movimientos y actitudes de los animales, el color, la forma de las plantas poseía un mensaje, eran inteligibles el canto de las aves y la forma de las nubes. El paisaje hablaba mediante los instrumentos. El músico se fusionaba con el ambiente para permitirle a la naturaleza expresarse a través de él, era educado para ser mensajero y receptáculo de la expresión divina. Se concibieron instrumentos que tenían como propósito afectar el cuerpo y al ambiente, sus voces armonizaban el alumbramiento, limpiaban el cerebro de ruidos y perturbaciones, propiciaban la comunicación con los vivos y los muertos... pero también, podía usarse la música para forzar nefastamente el destino provocando confusión y debilidad en el ser interno de la gente.


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Antonio Zepeda - La region del misterio

En las culturas precolombinas la música tuvo una dimensión sagrada, los instrumentos mismos estaban pensados para comunicar lo mortal con lo eterno: el caracol, la flauta, el huehuetl y el teponaztli, eran voces cuyo origen se atribuía a los dioses. Los instrumentos habían llegado del mundo de las deidades para alegrar el mundo de lo perecedero. La observación religiosa de la naturaleza fue la clave de un pensamiento místico-científico que creía que los elementos naturales existían para ser entendidos, comandados y obedecidos. El horizonte estaba poblado de divinidades y la naturaleza tenía un lenguaje cuyos signos eran interpretados para comunicarse con ella. Había una lección implícita en los movimientos y actitudes de los animales, el color, la forma de las plantas poseía un mensaje, eran inteligibles el canto de las aves y la forma de las nubes. El paisaje hablaba mediante los instrumentos. El músico se fusionaba con el ambiente para permitirle a la naturaleza expresarse a través de él, era educado para ser mensajero y receptáculo de la expresión divina. Se concibieron instrumentos que tenían como propósito afectar el cuerpo y al ambiente, sus voces armonizaban el alumbramiento, limpiaban el cerebro de ruidos y perturbaciones, propiciaban la comunicación con los vivos y los muertos... pero también, podía usarse la música para forzar nefastamente el destino provocando confusión y debilidad en el ser interno de la gente.


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Jojo Bordagarai - Bahaki

JOJO BORDAGARAI es un excelente ejemplo de la canción del norte del País Vasco o Pais Vasco francés. Desde que comenzó en la actividad musical en el año 1973, siempre se ha esforzado en ofrecer una visión moderna de la canción popular, trabajando la tradición y las identidades propias desde un prisma propio, actual e innovador.

"Bahaki" es un gran trabajo. Mezcla con atino mundos diferentes y sabores de procedencia diversa, consiguiendo crear un camino propio, diferente, donde se equilibran, como en la vida misma, los pasajes tranquilos y melancólicos con los momentos intensos y aúna con lucidez el olor fresco y sugerente de las nuevas composiciones con la memoria de la tradición.

La influencia de la nueva banda que se agrupa alrededor de BORDAGARAI es fundamental a la hora de conseguir y catalizar la personalidad propia que trasluce: bandoneón, tres, piano, teclados, acordeón y guitarras bailando encima de una sección rítmica vitalista, asentando cómodamente la tierna y bien modulada voz de Jojo. Sonidos emocionales decorados con gran gusto sobre los que se desliza, con un espíritu siempre optimista, este ramillete de canciones que salen del corazón. Música trashumante de la Argentina, ritmos zíngaros, y colores de Matinica para una sociedad vasca viva y esperanzada.

1.- Azaleiko Maria
2.- Biziaz egarri
3.- Kilika nezak
4.- Bahaki
5.- Daniel Gorris
6.- Laida pilotaria
7.- Eskuaraz kanta eta mintza
8.- Partitu nintzen herritik
9.- Othañe xutik deno
10.- Handiko laguna
11.- Oihua
12.- Ez geldi



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Gracias por el disco a Iker

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Jojo Bordagarai - Bahaki

JOJO BORDAGARAI es un excelente ejemplo de la canción del norte del País Vasco o Pais Vasco francés. Desde que comenzó en la actividad musical en el año 1973, siempre se ha esforzado en ofrecer una visión moderna de la canción popular, trabajando la tradición y las identidades propias desde un prisma propio, actual e innovador.

"Bahaki" es un gran trabajo. Mezcla con atino mundos diferentes y sabores de procedencia diversa, consiguiendo crear un camino propio, diferente, donde se equilibran, como en la vida misma, los pasajes tranquilos y melancólicos con los momentos intensos y aúna con lucidez el olor fresco y sugerente de las nuevas composiciones con la memoria de la tradición.

La influencia de la nueva banda que se agrupa alrededor de BORDAGARAI es fundamental a la hora de conseguir y catalizar la personalidad propia que trasluce: bandoneón, tres, piano, teclados, acordeón y guitarras bailando encima de una sección rítmica vitalista, asentando cómodamente la tierna y bien modulada voz de Jojo. Sonidos emocionales decorados con gran gusto sobre los que se desliza, con un espíritu siempre optimista, este ramillete de canciones que salen del corazón. Música trashumante de la Argentina, ritmos zíngaros, y colores de Matinica para una sociedad vasca viva y esperanzada.

1.- Azaleiko Maria
2.- Biziaz egarri
3.- Kilika nezak
4.- Bahaki
5.- Daniel Gorris
6.- Laida pilotaria
7.- Eskuaraz kanta eta mintza
8.- Partitu nintzen herritik
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Goran Bregovic- Karmen

Después de realizar distintas giras a lo largo de Europa y Sudamérica durante todo 2002, incluyendo cuatro triunfales conciertos en Paría en el mes de noviembre(dos de ellos en el Bataclan y uno más en Théâtre des Champs Elysées ,el templo de la música clásica), en 2003 Bregovic actúo en los países escandinavos, Francia, Rumania, España. En junio de 2003 realizó una interpretación de “My Heart has become Tolerant” en el festival de música sacar de Fez (Marruecos) y en la fundación Guggenheim de Bilabo, San Petersburgo, Moscú, y dos increíbles conciertos con todo vendido en el legendario Luna Park de Buenos Aires, dónde además se le nombro ciudadano honorífico. Poco después participó en distintos festivales europeos.
El otoño-invierno entre 2003 y 2004 vio pocos conciertos de Bregovic (tan sólo una serie de conciertos en Suiza en marzo) ya que su tiempo se centró en la preparación de “Goran Bregovic’s Karmen with a Happy End”. Combinación de teatro naïf y ópera, Karmen se estrenó en Italia en Abril de 2004. La obra fue escrita, compuesta y dirigida por Bregovic. Desde abril a diciembre de ese año se realizaron unas noventa representaciones: una gira “Karmen” en Italia, conciertos en Francia Alemania, el festival Bergen en Noruega, para volver a Italia, Alemania y Francia en el verano. En otoño siguieron tres conciertos en Bélgica, más tarde los países bálticos, Viena y la República Checa, más un concierto en Bratislava. En noviembre regresó a Argentina con otras tres fechas en Buenos Aires y una en Córdoba, y ya en diciembre cinco conciertos de “Karmen” en el Piccolo Teatro Festival de Milán, más alguna en Cagliari y un nuevo pequeño tour en Italia.

La primera parte ”documental”, que dura unos 40 minutos, es una pieza teatral que tiene únicamente como escenario una silla y un cobertor arrugado, se habla el serbio, el Romaní y –siempre que se puede- el idioma del país donde se actúa. La historia pretende que, en la segunda mitad – que dura otros 40 minutos – del teatro se pase a la opera. Toda la música es nueva y, excepto algunas reminiscencias, no tiene nada que ver con la Carmen de Bizet.
Se inspira en música de los gitanos tal y como se toca en Europa hoy en día, música que aun no esta en boga entre los turistas amantes de lo gitano. La misma actriz interpreta primero el papel de Kleopatra y luego el de Karmen en la opera, y el mismo actor interpreta el papel de Bakia en teatro y el de Fuad en la opera.
2005 trajo más giras en Italia, Francia, España, Alemania e Israel, pero también una visita al continente asiático que incluyó paradas en Taipei, Singapur y Seúl en junio. Más tarde llegaron más festivales en Italia, España, Francia. En noviembre, Bregovic presentó “Karmen” en París, en el “Cabaret Sauvage”.

01. uvertira 01:59
02. gas gas 03:05
03. savatone 04:44
04. mashala mashala 03:41
05. dikh mo vast 03:34
06. pampur galbeno 04:52
07. stop 03:53
08. ne siam kurve tuke sijam prostitutke 03:26
09. lumia sitoj i gurumni 03:44
10. soske murseske manglape kurva 04:06
11. focu di raggia (feat carmen consoli) 04:00
12. me sam devla romani 05:27
13. koferi 04:19
14. bijav 04:43
15. lamour 03:38



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Goran Bregovic- Karmen

Después de realizar distintas giras a lo largo de Europa y Sudamérica durante todo 2002, incluyendo cuatro triunfales conciertos en Paría en el mes de noviembre(dos de ellos en el Bataclan y uno más en Théâtre des Champs Elysées ,el templo de la música clásica), en 2003 Bregovic actúo en los países escandinavos, Francia, Rumania, España. En junio de 2003 realizó una interpretación de “My Heart has become Tolerant” en el festival de música sacar de Fez (Marruecos) y en la fundación Guggenheim de Bilabo, San Petersburgo, Moscú, y dos increíbles conciertos con todo vendido en el legendario Luna Park de Buenos Aires, dónde además se le nombro ciudadano honorífico. Poco después participó en distintos festivales europeos.
El otoño-invierno entre 2003 y 2004 vio pocos conciertos de Bregovic (tan sólo una serie de conciertos en Suiza en marzo) ya que su tiempo se centró en la preparación de “Goran Bregovic’s Karmen with a Happy End”. Combinación de teatro naïf y ópera, Karmen se estrenó en Italia en Abril de 2004. La obra fue escrita, compuesta y dirigida por Bregovic. Desde abril a diciembre de ese año se realizaron unas noventa representaciones: una gira “Karmen” en Italia, conciertos en Francia Alemania, el festival Bergen en Noruega, para volver a Italia, Alemania y Francia en el verano. En otoño siguieron tres conciertos en Bélgica, más tarde los países bálticos, Viena y la República Checa, más un concierto en Bratislava. En noviembre regresó a Argentina con otras tres fechas en Buenos Aires y una en Córdoba, y ya en diciembre cinco conciertos de “Karmen” en el Piccolo Teatro Festival de Milán, más alguna en Cagliari y un nuevo pequeño tour en Italia.

La primera parte ”documental”, que dura unos 40 minutos, es una pieza teatral que tiene únicamente como escenario una silla y un cobertor arrugado, se habla el serbio, el Romaní y –siempre que se puede- el idioma del país donde se actúa. La historia pretende que, en la segunda mitad – que dura otros 40 minutos – del teatro se pase a la opera. Toda la música es nueva y, excepto algunas reminiscencias, no tiene nada que ver con la Carmen de Bizet.
Se inspira en música de los gitanos tal y como se toca en Europa hoy en día, música que aun no esta en boga entre los turistas amantes de lo gitano. La misma actriz interpreta primero el papel de Kleopatra y luego el de Karmen en la opera, y el mismo actor interpreta el papel de Bakia en teatro y el de Fuad en la opera.
2005 trajo más giras en Italia, Francia, España, Alemania e Israel, pero también una visita al continente asiático que incluyó paradas en Taipei, Singapur y Seúl en junio. Más tarde llegaron más festivales en Italia, España, Francia. En noviembre, Bregovic presentó “Karmen” en París, en el “Cabaret Sauvage”.

01. uvertira 01:59
02. gas gas 03:05
03. savatone 04:44
04. mashala mashala 03:41
05. dikh mo vast 03:34
06. pampur galbeno 04:52
07. stop 03:53
08. ne siam kurve tuke sijam prostitutke 03:26
09. lumia sitoj i gurumni 03:44
10. soske murseske manglape kurva 04:06
11. focu di raggia (feat carmen consoli) 04:00
12. me sam devla romani 05:27
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14. bijav 04:43
15. lamour 03:38



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Triana - Hijos del Agobio

Triana es un grupo musical español de rock andaluz de los años 1970 y principios de los 1980, formado por Jesús de la Rosa Luque (Sevilla) (voz y teclados), Eduardo Rodríguez Rodway (Sevilla) (voz y guitarra) y Juan José Palacios "Tele" (Puerto de Santa María, Cádiz) (batería y percusión).

El propósito inicial del grupo es fundir el flamenco con el rock progresivo, con la vista puesta en grupos como Vanilla Fudge y los primeros King Crimson. El contenido progresivo y experimental, de gran peso en los tres primeros discos, se va diluyendo en los siguientes.

El Patio, su debut, tiene un gran éxito entre la juventud más inquieta, a pesar de una promoción prácticamente nula. Contiene dos canciones que se convierten en clásicos del grupo y crean escuela dentro del rock andaluz: Abre la puerta y En el lago, evocación soñadora de un viaje lisérgico.

En Hijos del agobio, 1977, editado en un momento muy especial de la historia de España, se abren paso los temas políticos: exaltación de la libertad ("La guitarra a la mañana le habló / de libertad", cantan en Rumor) y al mismo tiempo desconfianza de la política organizada ("todos pretenden saber y decir lo que piensa usted / con elegantes palabras y el gesto duro a la vez. / Queremos elegir, / sin que nadie diga más / el rumbo que lleva a la orilla de la libertad": ¡Ya está bien!).


01 Hijos del agobio
02 Rumor
03 Sentimiento de amor
04 Recuerdos de Triana
05 Ya está bien
06 Sr.Troncoso
07 Del Crepúsculo lento nacerá el rocío



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Triana - Hijos del Agobio

Triana es un grupo musical español de rock andaluz de los años 1970 y principios de los 1980, formado por Jesús de la Rosa Luque (Sevilla) (voz y teclados), Eduardo Rodríguez Rodway (Sevilla) (voz y guitarra) y Juan José Palacios "Tele" (Puerto de Santa María, Cádiz) (batería y percusión).

El propósito inicial del grupo es fundir el flamenco con el rock progresivo, con la vista puesta en grupos como Vanilla Fudge y los primeros King Crimson. El contenido progresivo y experimental, de gran peso en los tres primeros discos, se va diluyendo en los siguientes.

El Patio, su debut, tiene un gran éxito entre la juventud más inquieta, a pesar de una promoción prácticamente nula. Contiene dos canciones que se convierten en clásicos del grupo y crean escuela dentro del rock andaluz: Abre la puerta y En el lago, evocación soñadora de un viaje lisérgico.

En Hijos del agobio, 1977, editado en un momento muy especial de la historia de España, se abren paso los temas políticos: exaltación de la libertad ("La guitarra a la mañana le habló / de libertad", cantan en Rumor) y al mismo tiempo desconfianza de la política organizada ("todos pretenden saber y decir lo que piensa usted / con elegantes palabras y el gesto duro a la vez. / Queremos elegir, / sin que nadie diga más / el rumbo que lleva a la orilla de la libertad": ¡Ya está bien!).


01 Hijos del agobio
02 Rumor
03 Sentimiento de amor
04 Recuerdos de Triana
05 Ya está bien
06 Sr.Troncoso
07 Del Crepúsculo lento nacerá el rocío



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Cantaores Cordobeses - La Epoca Dorada del Flamenco

01 - Mountain Juanito - Soleá of Cordova
02 - Boy of San Lorenzo - Bulerias
03 - Boy of Goat - Guajiras
04 - Boy of Goat - Fandangos of Lucena
05 - Boy of Goat - Malagueña
06 - Boy of the Museum - Bulerias
07 - Boy of the Museum - Granaina
08 - Boy of the Museum - Fandangos
09 - Boy of the Mosque - Bulerias
10 - Maria '' the Talegona '' - Fandango - Verdial
11 - Maria '' the Talegona '' - Joys of Cordova
12 - Fosforito - Joys
13 - Fosforito - Fandangos of Lucena
14 - Juanito Wonders - Granainas
15 - Juanito Wonders - Taranta
16 - Juanito Wonders - Fandangos of Huelva
17 - Gordito de Fernán Nuñez - Bulerias
18 - Gordito de Fernán Nuñez - Fandangos
19 - Antonio Ranchal - Soleares of Cordova
20 - Cojo Luque - Fandangos
21 - Curro de Utrera - Joys of Cordova
22 - Curro de Utrera - Fandangos of Lucena



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Cantaores Cordobeses - La Epoca Dorada del Flamenco

01 - Mountain Juanito - Soleá of Cordova
02 - Boy of San Lorenzo - Bulerias
03 - Boy of Goat - Guajiras
04 - Boy of Goat - Fandangos of Lucena
05 - Boy of Goat - Malagueña
06 - Boy of the Museum - Bulerias
07 - Boy of the Museum - Granaina
08 - Boy of the Museum - Fandangos
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10 - Maria '' the Talegona '' - Fandango - Verdial
11 - Maria '' the Talegona '' - Joys of Cordova
12 - Fosforito - Joys
13 - Fosforito - Fandangos of Lucena
14 - Juanito Wonders - Granainas
15 - Juanito Wonders - Taranta
16 - Juanito Wonders - Fandangos of Huelva
17 - Gordito de Fernán Nuñez - Bulerias
18 - Gordito de Fernán Nuñez - Fandangos
19 - Antonio Ranchal - Soleares of Cordova
20 - Cojo Luque - Fandangos
21 - Curro de Utrera - Joys of Cordova
22 - Curro de Utrera - Fandangos of Lucena



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Tayfa - Assif

C’est en 1992 que démarre l’expérience Tayfa (plus ou moins "sales mômes" en berbère). En juillet de cette année-là, le chanteur kabyle Farid Aït-Siameur, installé dans la petite bourgade bretonne de Ploemeur, et le percussionniste breton de Quimper, Jacques Moreau, décident de créer un groupe qui marquerait la rencontre des cultures musicales celtes et berbères. Depuis les années 80, chacun de leur côté, les deux hommes avaient cherché à unir les deux musiques qui, indéniablement, sont riches de points communs au pur niveau musical : les rythmes, les instruments. Mais aussi dans l’esprit : l’amour de la tradition et une forte identité qui doit parfois lutter pour survivre.
Le groupe prend forme avec quatre autres musiciens, Philippe Collas, José Larraceleta, Olivier Carol et Stéphane Seiller. L’année de leur formation, ils font une tournée en Algérie, à Bejaïa en Kabylie. Ce voyage les renforce dans leur volonté de métissage musical. Mais ce sont les textes, primordiaux chez Tayfa et presque exclusivement signés de Farid, qui donnent un ton engagé à leur répertoire. En kabyle, en breton ou en français, le groupe tient à exprimer la douleur du peuple algérien tout en cultivant des musiques joyeuses signées de tous les membres.

1994, sort leur premier album éponyme. Tayfa participe à de nombreux festivals en Bretagne, mais leur renommée prend vite une ampleur nationale. C’est surtout à la sortie de leur deuxième CD début 98 que la qualité de leur démarche est célébrée par la critique. L’album "Awal" ("mot" ou "parole") se veut porteur d’espoir. Aux sons celto-kabyles, le groupe insuffle une touche rock et reggae à l’ensemble.

Ay-Adu (live)

De plus, les origines diverses de chaque membre du groupe sont utilisées comme de nouvelles sources d’inspiration : le bassiste antillais apporte une touche très groovy. Le guitariste espagnol, José Larraceleta, originaire des Asturies apportent une touche arabo-andalouse. De plus Jacques Moreau, qui a accompagné pendant 10 ans une danseuse togolaise, apporte, quoique breton, la touche africaine. Enfin, le joueur de bombarde, David Pasquier, dernier arrivé dans le groupe, donne un joyeux air de Fest-Noz (fête traditionnelle bretonne) à l’ensemble.

Outre d’incessantes tournées en Europe, le groupe est aux Etats-Unis en juillet 98 à l’occasion de la tournée Vive la World ! en compagnie de Rachid Taha et de l’Orchestre National de Barbès. New York, Washington et Los Angeles sont les trois étapes américaines de la formation avant une tournée bretonne fin juillet début août.

Le 29 février 2000, Tayfa sort son troisième album "Assif". Dans la foulée, ils repartent en tournée avec un passage au festival Chorus des Hauts-de-Seine en région parisienne.

1 C'Est Pas La Peine 3.45
2 Melk Ladhid 4.19
3 Timeslayin 4.37
4 Gare A Gaia 3.45
5 Mazal Mazal3.18
6 Tanafa 3.57
7 Ssusem Tura 4.59
8 Ay Assif 4.17
9 Ettef Afusiw 3.25
10 Mangeuse D'Ames 4.52




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Tayfa - Assif

C’est en 1992 que démarre l’expérience Tayfa (plus ou moins "sales mômes" en berbère). En juillet de cette année-là, le chanteur kabyle Farid Aït-Siameur, installé dans la petite bourgade bretonne de Ploemeur, et le percussionniste breton de Quimper, Jacques Moreau, décident de créer un groupe qui marquerait la rencontre des cultures musicales celtes et berbères. Depuis les années 80, chacun de leur côté, les deux hommes avaient cherché à unir les deux musiques qui, indéniablement, sont riches de points communs au pur niveau musical : les rythmes, les instruments. Mais aussi dans l’esprit : l’amour de la tradition et une forte identité qui doit parfois lutter pour survivre.
Le groupe prend forme avec quatre autres musiciens, Philippe Collas, José Larraceleta, Olivier Carol et Stéphane Seiller. L’année de leur formation, ils font une tournée en Algérie, à Bejaïa en Kabylie. Ce voyage les renforce dans leur volonté de métissage musical. Mais ce sont les textes, primordiaux chez Tayfa et presque exclusivement signés de Farid, qui donnent un ton engagé à leur répertoire. En kabyle, en breton ou en français, le groupe tient à exprimer la douleur du peuple algérien tout en cultivant des musiques joyeuses signées de tous les membres.

1994, sort leur premier album éponyme. Tayfa participe à de nombreux festivals en Bretagne, mais leur renommée prend vite une ampleur nationale. C’est surtout à la sortie de leur deuxième CD début 98 que la qualité de leur démarche est célébrée par la critique. L’album "Awal" ("mot" ou "parole") se veut porteur d’espoir. Aux sons celto-kabyles, le groupe insuffle une touche rock et reggae à l’ensemble.

Ay-Adu (live)

De plus, les origines diverses de chaque membre du groupe sont utilisées comme de nouvelles sources d’inspiration : le bassiste antillais apporte une touche très groovy. Le guitariste espagnol, José Larraceleta, originaire des Asturies apportent une touche arabo-andalouse. De plus Jacques Moreau, qui a accompagné pendant 10 ans une danseuse togolaise, apporte, quoique breton, la touche africaine. Enfin, le joueur de bombarde, David Pasquier, dernier arrivé dans le groupe, donne un joyeux air de Fest-Noz (fête traditionnelle bretonne) à l’ensemble.

Outre d’incessantes tournées en Europe, le groupe est aux Etats-Unis en juillet 98 à l’occasion de la tournée Vive la World ! en compagnie de Rachid Taha et de l’Orchestre National de Barbès. New York, Washington et Los Angeles sont les trois étapes américaines de la formation avant une tournée bretonne fin juillet début août.

Le 29 février 2000, Tayfa sort son troisième album "Assif". Dans la foulée, ils repartent en tournée avec un passage au festival Chorus des Hauts-de-Seine en région parisienne.

1 C'Est Pas La Peine 3.45
2 Melk Ladhid 4.19
3 Timeslayin 4.37
4 Gare A Gaia 3.45
5 Mazal Mazal3.18
6 Tanafa 3.57
7 Ssusem Tura 4.59
8 Ay Assif 4.17
9 Ettef Afusiw 3.25
10 Mangeuse D'Ames 4.52




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Camarón - Antologia Inedita

Ocho años después de su muerte y para conmemorar los 50 años de su nacimiento, el productor Ricardo Pachón recoge en este disco póstumo una recopilación con temas inéditos de calidad y canciones de distintas épocas del cantaor, incluida su adolescencia.

Con 16 años, ya dominaba los palos más difíciles acompañándose a sí mismo con la guitarra. Hoy que es leyenda, cuanto se pueda recuperar de él es valioso. No puede faltar en la discoteca de todo coleccionista.

1 La leyenda del tiempo
2 Presentación
3 La calle Parra
4 El de la Calzá
5 La orilla morena
6 Mairena del Alcor
7 Nana del caballo grande
8 Homenaje a Federico
9 La leyenda del tiempo
10 Viejo mundo
11 La Tarara
12 Caminito de la Algaba
13 Camarón en Montilla



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Camarón - Antologia Inedita

Ocho años después de su muerte y para conmemorar los 50 años de su nacimiento, el productor Ricardo Pachón recoge en este disco póstumo una recopilación con temas inéditos de calidad y canciones de distintas épocas del cantaor, incluida su adolescencia.

Con 16 años, ya dominaba los palos más difíciles acompañándose a sí mismo con la guitarra. Hoy que es leyenda, cuanto se pueda recuperar de él es valioso. No puede faltar en la discoteca de todo coleccionista.

1 La leyenda del tiempo
2 Presentación
3 La calle Parra
4 El de la Calzá
5 La orilla morena
6 Mairena del Alcor
7 Nana del caballo grande
8 Homenaje a Federico
9 La leyenda del tiempo
10 Viejo mundo
11 La Tarara
12 Caminito de la Algaba
13 Camarón en Montilla



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Alaitz eta Maider - Alaitz eta Maider

Las características principales de Alaitz eta Maider son la ingenuidad, la dulzura y las melodías pegadizas. La pareja de Oiartzun dio la sorpresa con su primer disco, "Alaitz eta Maider", siendo uno de los más escuchados y bailados en Euskal Herria el año de su aparición. Conforman un grupo pionero entre los que fusionan la trikitixa y la sensibilidad del pop.

1 Txanpon Baten Trukeç
2 Amets Bat
3 Bota Bexamela
4 Txuria Lan Beltzetan
5 Oroitzak
6 Atxutxale
7 Xurdin
8 Ez Da Errexa
9 Carpe Diem
10 Bolada
11 "Háblame En Crisitiano"
12 Miñi
13 Zunbeltz
14 Iugi
15 Ispilu Aurrean



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Alaitz eta Maider - Alaitz eta Maider

Las características principales de Alaitz eta Maider son la ingenuidad, la dulzura y las melodías pegadizas. La pareja de Oiartzun dio la sorpresa con su primer disco, "Alaitz eta Maider", siendo uno de los más escuchados y bailados en Euskal Herria el año de su aparición. Conforman un grupo pionero entre los que fusionan la trikitixa y la sensibilidad del pop.

1 Txanpon Baten Trukeç
2 Amets Bat
3 Bota Bexamela
4 Txuria Lan Beltzetan
5 Oroitzak
6 Atxutxale
7 Xurdin
8 Ez Da Errexa
9 Carpe Diem
10 Bolada
11 "Háblame En Crisitiano"
12 Miñi
13 Zunbeltz
14 Iugi
15 Ispilu Aurrean



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Astor Piazzolla & Gary Burton - The New Tango

Grabado en el famoso Festival de Montreux este disco nos muestra a dos grandes exponentes de dos instrumentos bien dispares, y no muyconocidos, como el Bandoneón (Piazzolla) y el Vibráfono( Burton).

La música de Astor Piazzolla es sin dudas una de las mayores expresiones artísticas que la Argentina ya dió al mundo. Incorporando al tango un poco de jazz y un poco de música clásica, Piazzolla alcanzó un resultado formidable y a la vez innovador, sofisticando ese ritmo porteño y revolucionando sus conceptos. Fuente de inspiración para muchos jovenes exponentes de esta música, Piazzolla falleció en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, pero dejó como legado su inestimable obra - que abarca unos cincuenta discos.

Gary Burton vibrafonista que desde los 17 años se dedicó al Jazz, y dándole un sitial muy importante a un instrumento musical no muy conocido como el “Vibráfono”, con el cual irrumpe la escena musical de los setentas, llegando incluso a ser considerado un músico de vanguardia. Su linea es el Jazz, pero ha hecho experimentos musicales desde lo progresivo hasta lo contemporáneo o vanguardia.

Astor Piazzolla - bandoneon
Gary Burton - vibfráfono
Fernando Suarez Paz - violin
Pablo Ziegler - piano
Horacio Malvicino - guitar
Hector Console - bass

1. Milonga Is Coming
2. Vibraphonissimo
3. Little Italy 1930
4. Nuevo Tango
5. Laura’s Dream
6. Operation Tango
7. La Muerta Del Angel - (bonus track)



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Astor Piazzolla & Gary Burton - The New Tango

Grabado en el famoso Festival de Montreux este disco nos muestra a dos grandes exponentes de dos instrumentos bien dispares, y no muyconocidos, como el Bandoneón (Piazzolla) y el Vibráfono( Burton).

La música de Astor Piazzolla es sin dudas una de las mayores expresiones artísticas que la Argentina ya dió al mundo. Incorporando al tango un poco de jazz y un poco de música clásica, Piazzolla alcanzó un resultado formidable y a la vez innovador, sofisticando ese ritmo porteño y revolucionando sus conceptos. Fuente de inspiración para muchos jovenes exponentes de esta música, Piazzolla falleció en Buenos Aires el 4 de julio de 1992, pero dejó como legado su inestimable obra - que abarca unos cincuenta discos.

Gary Burton vibrafonista que desde los 17 años se dedicó al Jazz, y dándole un sitial muy importante a un instrumento musical no muy conocido como el “Vibráfono”, con el cual irrumpe la escena musical de los setentas, llegando incluso a ser considerado un músico de vanguardia. Su linea es el Jazz, pero ha hecho experimentos musicales desde lo progresivo hasta lo contemporáneo o vanguardia.

Astor Piazzolla - bandoneon
Gary Burton - vibfráfono
Fernando Suarez Paz - violin
Pablo Ziegler - piano
Horacio Malvicino - guitar
Hector Console - bass

1. Milonga Is Coming
2. Vibraphonissimo
3. Little Italy 1930
4. Nuevo Tango
5. Laura’s Dream
6. Operation Tango
7. La Muerta Del Angel - (bonus track)



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Dűvő - Hungarian Folk Music

Dűvő húngaro hacen la música folk,ante todo y sobre todo, tradicional. Levan tocando juntos desde 1981, como una orquesta independiente. En su repertorio hay todo tipo de música de los grupos étnicos de la cuenca de los Cárpatos. Los miembros del grupo también se ocupan de la enseñanza de la música popular.

Han participado en varios festivales y han realizado conciertos en otros países: Alemania, Bélgica, Países Bajos, España, Francia, Turquía, Finlandia, Grecia, Austria, Israel, Polonia, Alemania, Portugal, Suecia y Luxemburgo. Ganaron uno de los más codiciados premios en 1983, "joven maestro de Arte Musical" y en 1989 se les otorgó la orden "Excelente Ensemble".

Ferenc Andrássy - Cimbalom, Double Bass, Drum
Dénes Hruz - Violin, Bagpipe, Voice, Drum
Szabolcs Hruz - Viola, violín, Kobsa, Voz
István Nagy - Contrabajo, Flauta, Kaval, Saxaphone


01. Bagpipe Songs From Somogy County
02. Recruiting Music and Csardas
03. No more honour
04. Purtata - Pacalka
05. Hungarian Slow And Fast
06. Forgotten tunes
07. The Sun Has Risen
08. a, March b, Everlasting Peace
09. Chanting At Christmas
10. The Musicians
11. Csango tunes from Moldavia



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Dűvő - Hungarian Folk Music

Dűvő húngaro hacen la música folk,ante todo y sobre todo, tradicional. Levan tocando juntos desde 1981, como una orquesta independiente. En su repertorio hay todo tipo de música de los grupos étnicos de la cuenca de los Cárpatos. Los miembros del grupo también se ocupan de la enseñanza de la música popular.

Han participado en varios festivales y han realizado conciertos en otros países: Alemania, Bélgica, Países Bajos, España, Francia, Turquía, Finlandia, Grecia, Austria, Israel, Polonia, Alemania, Portugal, Suecia y Luxemburgo. Ganaron uno de los más codiciados premios en 1983, "joven maestro de Arte Musical" y en 1989 se les otorgó la orden "Excelente Ensemble".

Ferenc Andrássy - Cimbalom, Double Bass, Drum
Dénes Hruz - Violin, Bagpipe, Voice, Drum
Szabolcs Hruz - Viola, violín, Kobsa, Voz
István Nagy - Contrabajo, Flauta, Kaval, Saxaphone


01. Bagpipe Songs From Somogy County
02. Recruiting Music and Csardas
03. No more honour
04. Purtata - Pacalka
05. Hungarian Slow And Fast
06. Forgotten tunes
07. The Sun Has Risen
08. a, March b, Everlasting Peace
09. Chanting At Christmas
10. The Musicians
11. Csango tunes from Moldavia



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