Super Biton was one of the great bands of Mali of the 1980s. The origin of the band can be found in the Orchestre Régional de Segou, one of the regional bands in competition at the Biennales festivals (they won several prices at the first Biennale in 1970). The music of Super Biton is full of energy, as is the bambara music compared to the malinké griot music. Unfortunately, the group desintegrated at the end of the 1980s. Some musicians recorded solo albums since, such as Mama Sissoko and singer Mamadou Doumbia. Some band members: Mamadou Doumbia (lead vocal) Mama Sissoko (solo guitar) Amadou Ba (trumpet and Chef d’orchestre) Abou Touré (alto sax).
The group POZA plays street songs from Odessa, a free port on the Black Sea, which for many years provided a safe haven for thousands of people from Eastern Europe and Asia MinorAlik Kopyt was born in that city. A crystal-clear emerald sea, sea air, the tang of seaweed, the colourful language of the fishmongers… were all part of his childhood. As was the music of the singer and accordionist Alik Berison, a legendary figure who died in 1975. Accompanied by Raymond Van Houten (‘sometimes his clarinet sings like an angel, sometimes it roars like a lion'), he pays tribute to klezmer, rebetiko, gypsy songs, songs from Russia and Albania... Popular music that nourishes both heart and soul.
Original Klezmer and Gipsy Music from the Streets of Odessa featuring Karsten Troyke RR 11397
Living on the street is hard and it doesn't make wealthy at all as far as you consider wealth a large amount of money. The band POZA found a different kind of treasure on eastern European streets. Songs and dances by Jews and gypsies, happiness and sadness, performed with virtuosity by the three musicians ...” (Freie Presse 11/1996)
01. Cocek - macedonian dance tune 6:09 02. Roman Duratski - song about the good sides of unmarried life 5:03 03. Devoiko - bugarian dance tune 2:43 04. Rucejok - folksong of the russian romanies 3:04 05. Raspasol - folksong of russian romanies 4:47 06. Pogonissio 2 - klarino lament from Albania 6:11 07. Na Barboude - streetsong of Odessa 5:23 08. Odessa Mama - ther is no better city than Odessa 3:28 09. Hassidic Nigun - klezmer 4:44 10. Keren Savorale Drom - folksong of the hungarian romanies 3:25 11. Oi, Kuvala Zozoulenka - ukrainian trance recount 4:22 12. Vernaja Manjerna - folksong of russian romanies 3:54 13. Epilog - the sound of Poza 1:23
Marikena Monti Prestigiosa y popular cantante, interpreta un repertorio en español, francés, portugués e inglés, que inició su carrera en el año 1965. Integró el T.U.F.A. (Teatro Universitario franco-argentino). Entre los años 1966, 67 y 68 realizó recitales en francés con Elena Mignaquy, Claudia Lapaco y Mónica Cahen D’Anvers en el teatro de la Alianza Francesa de Buenos Aires.
En 1969, con Jorge Schussheim, Jorge de la Vega y Camaleón Rodriguez, crearon el exitoso espectáculo “Canciones en informalidad” en el mítico Instituto Di Tella de la calle Florida. Integró el grupo de “La Botica del Ángel”, primer espectáculo de Café Concert en Buenos Aires, creado por Eduardo Bergara Leumann. Actuó junto al grupo a Josephine Baker y en “Marikena Suites” (1971), dirigida por Lía Jelin, que fue su primera experiencia en actuación unipersonal. Junto a Susana Rinaldi y Amelita Baltar realizó un show emblemático “Tres Mujeres para el Show” (1972), acompañadas respectivamente por Osvaldo Piro, Astor Piazzolla y Coco Pérez Muñiz.
En 1973, edita su segundo disco y graba una canción escrita para el estreno de la obra teatral “El Gran Deschave” de Sergio de Checo. También interpreta el tema de la película “La Mary” (1974) de Daniel Tinayre, protagonizada por Susana Giménez y Carlos Monzón, compuesto por Luis María Serra. Rubén Szchumacher la dirige en dos oportunidades con enorme suceso de público y crítica: en el unipersonal “Marikena y los otros”, y “Homenaje a Jaques Brel” (1978).
Encabezó el elenco oficial del Teatro Municipal General San Martín contratada por Kive Staiff. Canta en la película “Comedia Rota” (1980), dirigida por Oscar Barney Finn, siendo este su debut actoral en el cine. En 1982, realiza “Alfonsina hoy” sobre los poemas de Alfonsina Storni, junto a la gran actriz María Rosa Gallo, que luego queda registrado en un disco. Dos años después, Ulises Barrera (h), la dirige en “Ensueños y Amaneceres”, espectáculo con canciones de Chico Buarque. Inaugura los recitales populares y gratuitos en el hall del Teatro San Martín (1983).
La convocan para cantar el tango Cambalache, en una coproducción angloamericana “Apartment Zero” (1989), bajo la dirección de Martín Donovan. Es invitada a participar en el “Festival des Allumees 1992” (Nantes, Francia), y canta en París, Nueva York, Toronto y Montreal. En 1997 emprende una gira por Alemania junto a la Orquesta Filarmónica de Colonia. Editó el disco “Por amor”. Realizó el unipersonal “Secretos a cuatro voces” (2004), que constituyó su debút actoral, con textos de Patricia Zangaro y Pedro Orgambide, dirigido por Diego Kogan, que luego se edita en CD y fue nominado a los Premios ACE como mejor espectáculo de café concert.
Más recientemente estrena “Retrato en blanco y negro”, espectáculo autobiográfico sobre los años ’60, con libro de Zangaro, arreglos de Luis María Serra, dirección de Alejandro Ullúa, que se mantiene en cartel durante tres temporadas consecutivas, es nominada para los Premios ACE 2006 y Florencio Sánchez 2007, como mejor actuación femenina en musical. Además, con el mismo, emprende una gira por el interior del país, y es editado en CD por Lino Patalano Producciones.
LOS ANDARIEGOS
Argentinos en su totalidad, Los Andariegos nacen en San Rafael, Mendoza en 1954. Sus fundadores fueron: Pedro Floreal Cladera (Chacho Santa Cruz), Rafael Tapia, Juan Carlos (Pato) Rodríguez, Ángel Ritrovano (Cacho Ritro), Abel González y Francisco (Rubio) Gimenez. Trabajaron armonías con terceras, cuartas y quintas, lo que fue una revolución, ya que en esa época (los '50), los grupos armonizaban sólo con primeras y segundas voces. A fines de 1959, se aleja Chacho y tiempo después ingresa Raúl Mercado. En 1964 se aleja Abel González y un año mas tarde Alberto
Sará se incorpora en lugar de Juan Carlos Rodríguez. Raúl Mercado y Agustín Gómez ocuparon los lugares de dos de los miembros originales. Era época de largas temporadas en LR4 Radio Splendid y de largas giras por todo el país. El repertorio fue variando con el tiempo. Desde lo más tradicional y paisajístico hasta canciones de alto contenido social y testimonial, lo que trajo graves problemas a algunos de sus integrantes. En el año 1958 graban su primer Long Play con el sello ODEON, y el grupo se instala en Buenos Aires, donde ganaron peso dentro del panorama del folclore. Alberto Sará luego abandona el grupo, lo reemplazará Caro Herrada hasta su fallecimiento y Pepete Bertiz (Guitarrista de Mercedes Sosa) fue también un integrante hasta su pronta desaparición.
Posee una discografía numerosa habiendo recorrido primeramente todo su país, posteriormente Chile, Bolivia, Brasil y Uruguay. En 1975 realiza una gira por Japón, junto a Mercedes Sosa, retomando en 1977, y en 1978 se ve obligado a disolverse amenazado por la dictadura militar. Ángel Ritro se dirige España acompañando a Alberto Cortés. Raúl Mercado se radica en Francia prosiguiendo su carrera de intérprete y compositor.
Agustín Gómez y Karo Herrada continúan el trabajo y esta vez junto a Carlos Groisman y Héctor Staforini con gran experiencia docente conocidos arregladores y compositores. En el año 1981 muere en su provincia natal (Mendoza) Karo Herrada y Carlos Groisman y Héctor Staforini continúan otro destino. En el año 1991 Juan Carlos Varela, Andrés Gómez, Jorge Giuliano y luego Néstor Basurto, jóvenes músicos se unen al talento y experiencia de Agustín Gómez para revivir una vez más a este grupo. El primer objetivo fue lograr el sonido fielmente que antiguos Andariegos habían creado y desde allí proyectar un repertorio no muy conocido por el publico.
A partir de 1998 se reagrupan en Barcelona a iniciativa del músico y productor Gilberto Piedras, luego de más de veinte años de separación, el grupo constituido por Ángel Ritro, Raúl Mercado, Agustín Gómez, Leonardo Sánchez y Gilberto Piedras, realizan giras en los mejores teatros de España, y en diferentes salas de nuestro País, junto a nuestro compatriota ALBERTO CORTEZ, culminando con la inolvidable presentación en el Teatro OLYMPIA de Paris, el 30 de Abril de 2001. En 2003 hacen una gira en las Islas Canarias y ante la imposibilidad de viajar de Agustín Gómez, éste fue reemplazado por Roberto López.
Así pareciera culminar la historia de Los Andariegos, conjunto que muchos consideran como el más renovador y original del cancionero Argentino.
Disco editado por Fabricaciones militares, y que duro muy poco en circulación, debido a la época.
MARIKENA MONTI OSCAR ALEM DOMINGO CURA MARIO NADAL RAÚL MERCADO :Canto ,Guitarra ,Quena
Un hallasgo Maestro Mercado ,su actuación con Les Luthiers dos cosas tan admiradas y juntas! Le agradesco la joyita al Dr. Piri Araoz ,compañero de la Cofradía Andariega Argentina
...Y ahora me pongo de pie ! para aplaudir al Maestro Angel Rirtovato , "Subiendo " ha conseguido apunar el dolor... mis respetos, mi admiración y todo mi amor. maria antonieta
TEMAS
01. Galopera
02. El camino del café
03. La muerte es un animal
04. Novia Santa Cruz
05. Eu sei que voite amar
06. Canción con todos
07. Pajarillo verde
08. Negrita Martina
09. Hambre
10. Vasija de barro
11. Zeño Manue
12. Sabés que aquí estamos América
Bonus Track
CONCERTO GROSSO ALLA RUSTICA -LES LUTHIERS - RAUL MERCADO
Dans une mise en scène burlesque et rythmée, les cinq musiciens qui composent la formation enchainent avec humour et poésie, des chansons au swing irrésistible, des gags décalés et des pièces instrumentales « interprétées avec une maîtrise jubilatoire » (Les Dernières Nouvelles d’Alsace). Formé à l’école de la rue, rodé à l’exercice de la scène, OPA TSUPA a su, en bientôt dix années d’existence et plus de 500 concerts imposer son style personnel et séduire un large public. Si la musique de Django Reinhardt reste la principale référence du groupe, OPA TSUPA a su s’ouvrir à d’autres styles et d’autres sonorités (banjo, mandoline, ukulé-lé, steel guitar…) pour enrichir son répertoire essentiellement basé sur des compositions originales. Mais surtout, c’est l’influence de toute une tradition de Music Hall qui rend la prestation du groupe si originale, ainsi que la mise en scène de MARINETTE MAIGNAN, ancien membre du groupe TSF, comédienne et collaboratrice de formations comme : « Chanson Plus Bifluoré, Les Gigolos, Le Quatuor... » FUENTE
Temas Bastringue Du tango sous mes bretelles Mamma mia (version swing) Ma Betty Boop à moi Sunny afternoon Le mec aux tics Bakelite Bastringue (interlude) Tout pourri Mamma mia (version valse) Mexico Hula Le ménage en grand
En muchos sentidos, Ryan encarna la irlandesa-Américana, una tribu lejana que ama a su país, sin embargo, nacieron en lo que sus antepasados inmigrantes perciben como el exilio. Generaciones más tarde, todavía aprecian la música, la literatura y la historia de su patria ancestral. La voz de soprano elocuente de Ryan se eleva con sus cambios de contexto entre los incendios de turba antigua, hace mucho tiempo la primavera de los Apalaches, los tiempos y el romanticismo agridulce de una cantante y compositora moderna. Su desgarrador dúo con el nativo de Galway Sean Keane: "¿What Will You Do, Love?", Describe la difícil situación de una pareja amorosa que enfrenta la separación. En la última pista, da nueva vida a "Home Sweet Home", Una balada que desde hace tiempo injustamente se envía a un barril de castañas. Acompañada de un piano de salón, squeeze-box and a lonely-sounding whistle,con disonancias vocales delicadamente irónicas, la canción habla con elocuencia de aquellos que se sienten desplazados, incluso en sus propias puertas. El Productor/violinista John McCusker y el equipo están en perfecta sintonía con el líder de la banda y su inquietante voz. - Christina Roden
Personnel:
Cathie Ryan (vocals);
John McCusker (whistling, cittern, fiddle, strings, whistle);
John Doyle (guitar, tenor guitar, background vocals);
John Dickinson (lap steel guitar);
Kris Drever (tenor guitar, background vocals);
Phil Cunningham (accordion, piano);
Andy Seward, Ewan Vernal (double bass);
James MacKintosh (percussion);
Seán Keane (vocals);
Greg Anderson (guitar, tenor guitar, bouzouki);
Hanneke Cassel (fiddle);
Michael McGoldrick (flute);
Alan Kelly (accordion);
Keith Angel (shaker, percussion);
Karine Polwart, Sara Milonovich (background vocals).
Brian Finnegan, el que fuera miembro fundador del ya desaparecido grupo Flook, acaba de sacar un disco en solitario, al que ha titulado The Ravishin Genius of Bones. En este disco colaboran también sus compañeros de Flook Ed Boyz y John Joe Kelly, el incansable Mike McGoldrick, el grupo Crooked Still o los componentes de su nueva banda KAN. http://jarramplas.blogspot.com/2010/05/brian-finnegan-ravishing-genius-of.html
Por esperado, podíamos hablar sin equivocarnos, de uno de los trabajos del año, y es que muchos de los seguidores de la extinta Flook! estaban deseando saber por donde irían los derroteros de los miembros de la banda, y parece ser que uno de los más activos es Finnegan, con su proyecto Kan junto a Aidan O’Rourke y este The ravishing genius of bones, su entrega en solitario. Para todos aquellos seguidores de los anteriores proyectos del de Armagh decirles que pueden estar tranquilos, el espíritu Flook! sigue vigente en todos y cada uno de los 9 temas que componen el disco, en el que vuelve a dar una lección única del dominio de toda clase de flautas. Especialmente interesante son temas como Belfast, compuesto por tres temas de Barry Kerr, Liz Carrol y Adam Sutherland, o la belleza de Marga’s, que incluye la melodía dedicada a la acordeonísta asturiana Marga Lorences. La nómina de invitados que acompañan a Brian Finnegan es espectacular, encabazada por sus ex-compañeros de Flook! Ed Boyd y John Joe Kelly, la banda Crocked Still, Damien O’Kane o Aidan O’Rourke. The ravishing genius of bones es un disco realizado con mucho mimo, y desde luego que por momentos (Starrs) parece realizado a capricho. http://cachafeiro.wordpress.com/2010/06/25/brian-finnegan-the-ravishing-genius-of-bones/
Tracklist: 1. Steps 2. Fly 3. Marga's 4. Belfast 5. Starrs 6. Joy 7. Frida 8. Only 9. Nightride
The members of AMABUTHO hail from various parts of South Africa - from the dusty streets of Soweto to Kwa-Zulu Natal and Durban. They have developed their own distinctive style of music which carries on the South African tradition of melding disparate cultures and influences. Infectious, joyous, at once rhythmically primal and musically complex, it captures the spirit and optimism of its players and the nation they come from. AMABUTHO will be feature performers on the internationally televised opening ceremonies of the 2010 FIFA World Cup in Johannesburg on June 11.
Track Listings 1. Umoja ~ Unity 2. Amabutho ~ The Warriors 3. Satiwamina ~ My Wife 4. Theletsha Meropa ~ Listen To The Drums Of Africa 5. Nzeleketsi ~ Accompany Me 6. Sikelela ~ Blessings 7. Tsotsi ~ Gangster 8. Uyaclaima ~ Boasting 9. Nomalizo ~ Naughty Young Girl 10. Old Nr 7 ~ Instrumental
El pasado 16 de noviembre, Blue Note Records lanzó …Featuring Norah Jones (2010), una colección de colaboraciones musicales llevadas a cabo en la pasada década por Norah Jones, artista nu-jazz que con su disco Come Away With Me (2002) consiguió 8 premios Grammy. Las 18 canciones del álbum incluyen duetos con artistas legendarios como Ray Charles, Willie Nelson y Dolly Parton, y con iconos actuales de la música como el dúo de R&B y rap OutKast y el grupo Foo Fighters (formado por antiguos miembros de Nirvana). Los temas de …Featuring abarcan toda la carrera de Norah Jones, desde grabaciones iniciales (como la versión de “More Than This” de Roxy Music, con el guitarrista Charlie Hunter en 2001) a las más recientes, como el tema “Little Lou, Ugly Jack, Prophet John” con el grupo escocés Belle and Sebastian, que se incluye en su nuevo álbum.
También se incluyen grabaciones de las propias bandas de Norah Jones y de otros proyectos alternativos (el grupo de country The Little Willies y El Madmo, esa deliciosa banda de garage creada por la propia Norah), y versiones con artistas con quienes ha realizado giras incluyendo a M. Ward, y a Guillian Welch y David Rawlings. …Featuring abarca desde clasicos de Elvis Presley, Johnny Cash, Joni Mitchell y Roy Orbison a material nuevo de gente innovadora del rango de Ryan Adams (prolífico músico de alt country/rock) y Q-Tip (rapero y productor discográfico).
En definitiva, una amalgama sorprendente de temas tan dispares que nos vuelve a mostrar la enorme versatilidad de esta artista de voz cálida y acogedora.
01. Love Me (The Little Willies) 02. Virginia Moon (Foo Fighters) 03. Turn Them (Sean Bones) 04. Baby It’s Cold Outside (Willie Nelson) 05. Bull Rider (Sasha Dobson) 06. Ruler Of My Heart (Dirty Dozen Brass Band feat. Norah Jones & Robert Randolph) 07. The Best Part (El Madmo) 08. Take Off Your Cool (OutKast) 09. Life Is Better (Q-Tip) 10. Soon The New Day (Talib Kweli) 11. Little Lou, Prophet Jack, Ugly John (Belle & Sebastian) 12. Here We Go Again (Ray Charles) 13. Loretta (Gillian Welch & David Rawlings) 14. Dear John (Ryan Adams) 15. Creepin’ In (Dolly Parton) 16. Court & Spark (Herbie Hancock) 17. More Than This (Charlie Hunter) 18. Blue Bayou (M. Ward)
Inspired by the sights, sounds, and people of Lisbon, Portugal, American accordionist Will Holshouser collaborates with Portuguese pianist Bernardo Sassetti on a recording that is equal parts jazz (European and American), folk (again European and American—both North and South American), and chamber music. While it may take an ethnomusicologist to sort out all the roots and influences, it can easily be described as “grinning Portuguese music.”
Holshouser’s trio consists of two fine musicians that are unheralded, trumpeter Ron Horton (Andrew Hill and New York’s Jazz Composers Collective) and bassist David Phillips (Freedance). Their previous releases Reed Song (Clean Feed, 2002) and Singing To a Bee (Clean Feed, 2006) display an eclecticism common to modern jazz.
With the addition of Sassetti, a pianist comfortable in classical and jazz who also writes film scores, Holshouser’s concept of chamber jazz is realized with true folk sensibilities both inside and out. It may be the Portuguese sailing traditions of gathering influence from distant ports and seeding ideas with commerce that is at the heart of this recording. On “Danca Palaciana,” by Portuguese guitarist Carlos Paredes, the band might begin at Mozart but they end with the dirty rice trumpet of Louis Armstrong at the port of New Orleans. Thus is the mingling of cultures. The romantic folk of the accordion gives way to the classical piano then Ron Horton’s gutbucket snarling trumpet. The quartet has set sail, bringing Europe to the New World. Hello, we’ve found the blues!
The remaining tracks are compositions from either Holshouser or Sassetti. Both are of the same mind, melding the tango with klezmer, folk with blues, or jazz and chamber music to create populist sounds. With musicians of such quality, it is no chore to slip from one style into the next, producing sweet, patient melodies in “The Oldest Boat,” then jagged complex runs “Irreverente,” and finally the heartbreaking ballad “The Department Of Peace.”
The disc closes as it opened, at the intersection of classical and folk with “Drunkard’s Hymn,” a church located next door to a tavern. The patrons rush between the two, imbibing the tonic of the preacher and the pitcher. The band plays the proper hymn before Horton’s slurred tones open the bar, and the band gives way to a sort of Americana, a folk music surely with roots in the Old World. http://www.allaboutjazz.com/php/article.php?id=36061 http://www.willholshouser.com
1. Danca Palaciana 5:39 2. Dance of the Dead 6:02 3. Narayama 4:29 4. East River Breeze 8:25 5. The Oldest Boat 5:48 6. Irreverente 6:17 7. Department of Peace 6:45 8. Drunkard’s Hymn 4:29
Grabado en los años 2008 y 2009, el grupo musical italiano de culto ATARAXIA presenta en este año 2010 su último álbum, “Llyr”, tras tres años de espera desde su anterior trabajo “Kremastra Nera”. El retorno de ATARAXIA no ha podido ser más luminoso y oportuno en una etapa musical europea actualmente marcada por la incertidumbre y el abuso de lo comercial, y en este nebuloso ambiente es donde ATARAXIA presenta su álbum “Llyr” como pilar musical donde los melómanos podrán elevarse a respirar sensaciones musicales propias de lo celestial escuchando estas canciones tan magnas como excelsas. Escuchar la bella voz de Francesca Nicoli siempre convierte estos momentos musicales en algo inolvidable, y acompañada por los músicos Vittorio Vandelli, Giovanni Pagliari y Riccardo Spaggiari, ha convertido al grupo musical ATARAXIA en una de las referencias internacionales más importantes dentro del neoclasicismo y del dark-folk. Sin lugar a dudas, “Llyr” se convertirá en uno de sus álbumes predilectos y en uno de los mejores trabajos musicales aparecidos en este año 2010.
Natacha Atlas es un pequeño mito dentro de la música actual. Se trata de una cantante entrañable e internacionalista que, durante los últimos quince años, se ha movido en las aguas del etno-techno cantando, apasionadamente, en francés, inglés y árabe. Alabada por el underground y por la crítica, Atlas se ha ido forjando un cancionero popular para todo tipo de audiencias de aquí y de allí, sin por ello renunciar a la investigación y a la mezcla de lenguajes musicales.
Natacha Atlas nació en Bélgica, aunque lo hizo en el seno de una familia con un linaje tan multicultural como su música de espíritu nómada. Marruecos, Egipto, Palestina y las tradiciones cristiana, árabe y judía salen a colación al repasar su código genético personal y artístico, que remite al barrio marroquí de Bruselas donde creció influenciada por la cultura árabe. Natacha llegó a cantar en clubes árabes y turcos de la capital belga y formó parte de una banda latina llamada Mandanga.
Con doce producciones en su haber (la última Mounqaliba, 2010, inspirada en el poeta Rabindranath Tagore), comenzó participando en el colectivo multicultural londinense Transglobal Underground, que se convertió a la larga en visionarios del fenómeno “world dance” mezclando electronica, dub, hip-hop y funk con formas musicales provenientes de India, Africa y Oriente Medio. Fue, posteriormente, la banda Count Dubulah (ahora Temple of Sound) quienes la ayudaron en su primer disco en solitario, Diaspora (1995), combinando el punto de vista global dubby y rítmico de Transglobal con el trabajo más tradicional de los músicos árabes. El resultado fue una colección de canciones de amor y viajes aclamada por la prensa. Halim, su disco de 1997 fue la continuación, y más tarde Gedida en 1999; en ambos, la inteligente y natural mezcla de estilos orientales y europeos deleitaron e incrementaron el número de oyentes en ambos continentes.
En 2000, se editó The Remix Collection, en el que varios temas de sus tres discos fueron remezclados, y el cuarto disco de Natacha, Ayeshteni, se editó al año siguiente, año en el que fué elegida la expresidenta irlandesa Mary Robinson embajadora honorífica en la conferencia contra el racismo de la ONU: "Ella personaliza el mensaje de que hay fuerza en la diversidad, que nuestras diferencias, ya sean étnicas, raciales o religiosas, son una fuente de riqueza más que de amenaza."
En 2003, se publica su nuevo disco en solitario Something Dangerous, donde Natacha mezcla con sabiduría las músicas del medio oriente con la esencia del pop británico, la musica de baile, rap, drum & bass, R&B, hindi pop, música cinematográfica y canción francesa, cantando en hindi, francés e inglés. Las exóticas escalas arábicas, los ritmos y las texturas abren nuevos horizontes para los sistemas clásicos del pop occidental basados en el 4/4. El disco de 2004, el proyecto de Natacha Atlas & Marc Eagleton, Foretold In The Language Of Dreams, fue un punto de inflexión. Ni un sólo ritmo bailable, un disco calmado y brillante, con unos colaboradores brillantes como el virtuoso sirio Abdullah Chhadeh.
Con Mish Maoul, de 2006, Natacha Atlas vuelve a sus orígenes, álbum producido por Temple of Sound y enfocado a los aires del Magreb y Oriente Próximo, en el que Natacha aliña su voz evocadora con ecos de Bollywood, bossa y barnices de trip-hop y electrónica downtempo. Un ejercicio de, según definición propia, "música arábiga periférica".
01. Oully Ya Sahbi (feat. Sofiane Saidi) 02. Feen (feat. Princess Julianna) 03. Hayati Inta 04. Ghanwah Bossanova 05. Bathaddak (feat. Princess Julianna) 06. Bab El Janna 07. Wahashni 08. Haram Aleyk 09. La Lil Khowf (feat. Clotaire K & Sofiane Saidi) 10. Yariet
Desgraciadamente la séptima entrega de Lobi Traoré es póstuma. El genial guitarrista nacido en 1961 en Bakaridjana (Mali) falleció de manera inesperada el pasado 1 de Junio pero completó su legado con una grabación sin precedentes en su carrera 'Rainy Season Blues' que sin ser escrita para este cometido ha terminado siendo su testamento artístico.
Grabado en una sola sesión, sin pistas añadidas a posteriori, Lobi Traoré toca la guitarra y canta con plenitud ante la imposibilidad de contar con una banda completa. Sin duda, es una suerte que Chris Eckman (The Walkabouts) le propusiese esta sesión cuando había terminado la grabación de la sorpresa africana de la temporada (Tamikrest) y todo saliese a pedir de boca tras un lustro de silencio discográfico. La carrera de Lobi estaba llamada a sufrir un nuevo encumbramiento, tras el reconocimiento que 'Bamako' (1994 - Cobalt), con la producción de Ali Farka Touré, obtuvo en todo el mundo y que le supuso alabanzas de maestros como John Lee Hocker o Bonnie Raitt con los que compartió escenario.
(Fuente: zonadecompras)
El disco esá grabado en los estudios de Salif Keita en Bamako, y salió al mercado en septiembre del 2010.
01 - Moko ti y lamban don (4:29) 02 - Djougouya magni (4:11) 03 - Hinè (5:19) 04 - Alah ka bo (3:13) 05 - Melodie de Bambara Blues (2:04) 06 - Siguidialen (4:02) 07 - Sorotemimbo (2:28) 08 - Moussa de Konina (4:38) 09 - A Lamèn (2:21) 10 - Koumayé Niyé (3:09)
La “Misa de Bomba”. Una misa de parodia en Guatemala
Se conservan por lo menos 33 obras atribuidas a Pedro Bermúdez, 32 de las cuales están en los libros de coro conservados en la Catedral de Guatemala. Entre éstas se encuentra la “Misa de Bomba a 4” cuya existencia fue documentada a mediados de los años sesenta (s. XX) por Robert Stevensson, quien la identificó como una “misa de parodia”.
La técnica de “parodia” es uno de los rasgos más sobresalientes de la composición de música sacra de Europa durante los siglos XV y XVI. Básicamente se trata de la creación de obras nuevas mediante la utilización de materiales musicales preexistentes que se toman en préstamo para dar lugar a un a nueva composición en la que, no obstante haber sido sometida a un proceso de reelaboración se puede reconocer elementos melódicos, rítmicos o armónicos propios de la obra que sirvió de modelo.
El modelo imitado por el autor de la “Misa de Bomba a 4”, es la ensalada “La bomba” de Mateo Flecha, El Viejo (1481 – 1553). La ensalada es la versión española de una práctica surgida durante el Renacimiento, lo cual consistía en combinar de forma simultánea o sucesiva, poemas y canciones de gran popularidad y de dominio público. En Alemania, a esta técnica se le denominaba quodlibet; y, en Francia, fricassée.
La ensalada “La bomba” trata de una nave cuya tripulación, enfrentada a un mar tempestuoso, lucha por evitar el naufragio: “¡Bomba, bomba y agua fuera!” grita el contramaestre para que sus tripulantes activen la bomba de achique y expulsen el agua que anega el barco. “¡Vayan los cargos al mar!” ordena, para aligerar el peso de la nave. A pesar de los esfuerzos, la nave se hunde. Sin embargo, la historia termina en un rescate providencial que provoca alegrías y cantos de alabanza.
Bermúdez pudo haber tomado en cuenta la popularidad de esta ensalada al elegirla como modelo para componer una misa.
En la “Misa de bomba a 4” Bermúdez emplea no menos de veintisiete fragmentos de la ensalada en formas que van desde la citación exacta de trozos melódicos y pasajes a cuatro voces, hasta delicadas elaboraciones, múltiples variantes y relaciones en contrapunto de diseños melódicos, en combinación con melodías de su propia invención.
Tres de los fragmentos de la ensalada aparecen con mayor frecuencia en la composición de Bermúdez. Como ejemplo, se hacer referencia a los dos primeros, los cuales se encuentran combinados en contrapunto al inicio de la ensalada. El primero, que abre la pieza, describe un claro diseño encabezado por la repetición de un intervalo de quinta descendente (Mi-La) sobre el texto ¡Bomba, bomba y agua fuera! Es presentado por el tenor e imitado al unísono por el altus en versión extendida. El segundo actúa como contrapunto a dicha imitación y es conducido por el bajo. Consiste en un tetracordio descendente a partir de nota La y es duplicado por el tenor en décimas paralelas, sobre el texto “¡Vayan los cargos al mar!”
Bermúdez emplea la combinación de estos dos fragmentos en el Kyrie, el Gloria y el Credo de la misa. En el primer Kyrie los utiliza como puntos de imitación y los presenta inicialmente en las voces agudas, imitadas luego a octava inferior por el tenor y el bassus. Los mismos motivos reaparecen al final del Christe asignados a otras voces. (Análisis musical de Igor de Gandarias).
La extraordinaria vitalidad rítmica y melódica de la obra, muestra la inmensa creatividad y la maestría del autor en el manejo de los recursos compositivos del Renacimiento español del siglo XVI. (Notas sacadas del folleto del disco).
Pedro Bermúdez (Granada, España, 1558 - Puebla, México, ¿1605?) fue un compositor y maestro de capilla español del Renacimiento, que compuso la mayoría de sus obras sacras polifónicas en Guatemala.
Nació en Granada, en cuya catedral se educó como niño de coro y aprendiz bajo la tutela de Santos de Aliseda. Recibió también la instrucción del gran compositor Rodrigo de Ceballos, a la sazón maestro de la Capilla Real de Granada. Terminada su formación, Bermúdez aplicó al puesto de maestro de capilla de la Colegiata de Antequera, en el cual alcanzó el 25 de agosto de 1584 y se desempeñó durante dos años, teniéndolo que dejar por su poca disposición de enseñar a los niños de coro, además de por su carácter pendenciero y desordenado. De vuelta en Granada, obtuvo media capellanía como cantor en la Capilla Real, colaborando en su funcionamiento, al tiempo que intentaba acceder a puestos de mayor renombre. Cuando Antonio de la Raya fue consagrado obispo de Cuzco en 1595, este invitó a Bermúdez a acompañarlo para ser el maestro de capilla de la catedral de esa ciudad. Bermúdez se embarcó junto al obispo y llegó a Cuzco en 1597. Sin embargo, solamente siete semanas después, emprendió el largo viaje por tierra y por mar a Santiago de Guatemala, a donde llegó en 1598.
Todas sus composiciones a excepción de una, surgieron en la Catedral de Santiago de Guatemala, hoy Antigua Guatemala, entre su llegada y 1603, cuando recibió la invitación del cabildo de la Catedral de Puebla de los Ángeles para ejercer su magisterio de capilla, con un salario muy superior al que tenía en Guatemala. Bermúdez aceptó y realizó el viaje por tierra. A pesar de sus asperezas de carácter, Bermúdez mantuvo su plaza en Puebla hasta 1603, fecha en que lo sucedió Luis Mendes en la maestría de capilla. En Puebla, Bermúdez solamente pudo componer una obra, ya que su salud sufrió un considerable deterioro, falleciendo probablemente en 1605.
Sin excepción, las obras de Bermúdez son para coro sin acompañamiento, sobre textos en latín, todas ellas dedicadas a las diferentes celebraciones de la liturgia católica. Compuso dos misas, la Misa de feria y la Misa de bomba, además de himnos de vísperas y de completas para diferentes fiestas religiosas, un salmo, varias pasiones y música para oficios de difuntos.
Temas:
Misa de Bomba a 4: 01. Kyrie 02. Gloria 03. Credo 04. Sanctus 05. Benedictus 06. Agnus Dei
Otras obras: 07. Incipit lamentatio Jeremiae prophetae 08. Miserere mei 09. Qui habitat 10. Cum invocarem
Uxía Senlle -Uxía- comenzó a cantar muy joven, atraída por las más diversas expresiones musicales populares y manifestando una fuerte inclinación por la poesía gallega, de cuya divulgación se encargó a través de sus composiciones. En 1986, con el album Foliada de Marzo, Uxía acabó por marcar el panorama de la música popular gallega al restaurar la tradición largarnente interrumpida del canto. Los músicos que la acompañaron en el estudio acabaron por convertirse, en 1987, en sus compañeros en el sendero de la música, cuando la invitaron a integrarse en el grupo Na Lúa. Pocos meses despues, el disco A estrela de Maio, exhibía ya su hermosa y expresiva voz. Su trayectoria en esta etapa, coincide con la del propio grupo Na Lúa, realizando numerosos conciertos dentro y fuera de nuestras fronteras. En 1988, en Lisboa, sería grabado Ondas do Mar de Vigo (Premia do Critico Golego) y que constituye la última señal discográfica de su paso por Na Lúa. En 1991, Uxía abandona el grupo y publica su segundo album como solista, el cosmopólita Entre cidades. Participó en esos momentos en varios festivales extranjeros (Euromúsica, 3º y 4º Festival Intercéltico do Porto, entre otros) y representó a Galicia en el Festival de Televisiones de Europa realizado en Nüremberg (Alemania), además de tener un número importante de conciertos en toda la Península, en Cuba y en Argentina. El 6 de Marzo de 1994 forma parte del espectáculo Mulleres a viva voz, junto a Amalia Rodríguez y María del Mar Bonet, y también en la mustra luso-galega Bailía das Frores, Os Sons da Fala, con presencia de músicos de Cabo Verde, Angola, Mozambique y Portugal y, ya, recientemente, fue la responsable del diseño y coordinación de un espectaculo de mujeres que reunió a cantantes de los más diversos estilos (Leilía, María Joao, Filipa Pais, María González, Minela, María del Mar Bonet y la propia Uxía). En 1995 Uxía graba para Nubenegra su Estou vivindo no ceo. Un disco sereno e intimista, donde la voz más interesante de Galicia reivindica su condición de raiana (fronteriza) atravesando, cuantas veces considera, la línea administrativa que separa Galicía de Portugal. Julio Pereira, figura indiscutible de la música popular portuguesa, participa activamente en la gestación y desarrollo de la grabación. Textos medievales y melodías tradicionales conviven con canciones de autor. En 1997 Uxía se reune con María Salgado y Rasha para interpretar aquellos temas que alguna vez han deseado hacer suyos. Aquí se quiere festejar la posibilidad de reunir modos muy distintos de acercarse a la canción y celebrar el entendimiento mutuo y la complicidad de músicos e intérpretes como formas intrínsecas de la expresión popular. Un canto vital a la diversidad. http://www.myspace.com/uxiasenlle
01 Vogar 02 Desamores 03 Paxaro de sal 04 Uxía – Seiva 05 A rula 06 Aqui em baixo 07 A tribu máxica 08 Pena Gabeira 09 Quérome ire 10 O mar anda 11 O rio
Mohamed was born in Alexandria in 1966. From a very young age he began paying the darbuka. In 1989 he moved to Greece where he began his professional career. He has cooperated with the biggest names in the record industry in various types of Greek music.
In the period ’95-’99 he was a member of the group of Haig Yazdjian. During the same period he participated in the concerts of the group of Michalis Nikoloudis and Omar Faruk Tekbilek. He has cooperated with Charoula Alexiou, Yiannis Parios, Anna Visy, Pashalis Terzis and many others. Now he is a member of the group of Makis Ablianitis.
Moving with ease from one side of the Greek music to the other, he has met many musicians. When he announced that he wanted to make a record, all his friends offered to give him compositions. This record was published on October 2003 with title Arras. Te album includes: Haig Yazdjian: voice, vocals, ud, chubus, mandura, keyboards; Nihad Najar: vocals; Iraklis Vavatsikas: accordion; Michalis Touratzidis: accordion; Babis Kemanetzidis: kemenche; Romeos Avlastimidis: kemenche, violin; Panos Dinitrakopoulos: kanun; Zisis Kasiaras: violin; Periklis Papapetropoulos: saz; Thanasis Vasilopoulos: clarinet; Vahan Galstian: duduk; Harris Labrakis: ney; Stavros Pazarentsis: clarinet, zournas, ney; Nikos Papadopoulos: tzouras, baglamas, keyboards; Yiotis Kiourtsoglou: bass.
Arras is Arabic music meets Armenia and Pontos, as well as Flamenco. Haig Yazdjian produced the album.
1. Tamzara 2. Ah ya zen 3. Tiri Tiri 4. Tapis 5. Traveling East 6. Solo percussion I 7. Arras 8. Omal 9. Al ein 10. Hala Hala 11. Solo percussion II 12. Pyrihios 13. Ya al asmar 14. Dream 15. Arras (remix) 16. Solo percussion III 17. Tala al badr 18. Dawn
La concepción que tiene Juan Carlos Cáceres del arte y la música lo convierten en un artista sumamente particular y poco convencional, en un personaje difícilmente clasificable, a tal punto que en un país como Italia es considerado algo así como la respuesta latinoamericana a Paolo Conte.
La conexión con su país de nacimiento, Argentina, es evidente, y se manifiesta en un amor incondicional por el tango. Pero su talento multifacético (Cáceres es también un excelente pintor capaz de conjugar la abstracción con un lenguaje cercano al dibujo animado) no se limita a una mera reproducción de los ritmos y colores de este género. Su música es marcada por dos tendencias principales. La primera, a partir de su emigración a Paris en 1968, consiste en una melancolía surgida bajo el cielo gris de una ciudad lejana, una melancolía atenuada por la excitación de la “movida parisina”, pero a la vez difícilmente curable y necesaria para llegar a la esencia del tango. La segunda, ya más en un plano técnico, es la intención de demostrar que el tango no consiste simplemente en una revisión más sensual de las danzas tradicionales europeas, sino que es fuertemente influenciado por las tradiciones y los ritmos africanos, introducidos a través de estilos hermanos del tango, como la milonga o el candombe. Siguiendo esta última perspectiva, el nuevo disco de Cáceres es particularmente revelador y ejemplificador de su poesía, desde el mismísimo título del disco hasta el tema ‘Viva el candombe negro’, claro homenaje a las raíces africanas del tango. Su voz expresiva y rauca suena como un aviso de esta negritud tanguera, tantas veces obviada por los “historiadores” del tango. Esto no quita que queden afuera los recuerdos y las nostalgias de la “Vieja Europa”, como cuando en ‘Qué es lo que queda’ Cáceres entrelaza sus sueños y visiones con aquellos de Charles Trenet.http://www.galileo-mc.com/interpret.php?interpretid=708&inhalt=bio
1. Guariló Candombe guariló 2. Barrio Marcha camioneta 3. Cumtango Milonga candombeada 4. Asado con Cuero Milonga criolla 5. El Tango Tango milonga 6. Sabor Compadre Milonga 7. Cachumbambé Milonga candombeada 8. Miremos al Mañana Murga porteña 9. Bar Florida Canción (Juan Carlos Cáceres – Sophie Lamaire/Juan Carlos Cáceres) 10. José Mármol y Tarija Milonga murguera (Ariel Prat/Juan Carlos Cáceres)(A los Cometas de Boedo) 11. La del Mono Milonga 12. Así Me Gusta Milonga 13. Murga Argentina Murga porteña 14. Se Fue el Carnaval Murga lenta 15. La Retirada Murga lenta(A los Viciosos de Almagro)
Chico César, Francisco César Gonçalves, es natural de Catolé do Rocha, en el interior del nordestino estado de Paraíba, y es una de las grandes figuras de una generación de músicos brasileños en la que podrían incluirse gente de la talla de Marisa Monte, Paulinho Moska, Zeca Baleiro, Carlinhos Brown, Lenine, Arnaldo Antunes y muchos otros más que hacen de la llamada nueva MPB (Música Popular Brasileira) algo más que una simple etiqueta, una categoría musical, incapaz de abarcar la riqueza, calidad y cantidad de la musica brasileira actual.
"Aos Vivos" es el primer disco publicado de Chico César y es, nada más y nada menos, que un concierto acústico con muchas de sus primeras y más bellas canciones, y una gran versión de "Paraiba" de los maestros Luis Gonzaga y Humberto Teixeira, nordestinos como él.
En la soledad del escenario, sólo con su guitarra, sus canciones estremecen, su gran voz, en cierta forma similar a la del gran Caetano, es el vehículo perfecto para unos versos sorprendentes por su sencillez y gran calidad poética.
Chico es un tipo grande, un gigante de tamaño pequeño, un grandioso poeta, un fantástico cantante y un showman muy divertido. No te dejes engañar por su aspecto; tras los abalorios, el moño de rastas y las túnicas multicolores se esconde uno de los mejores compositores de la música brasileira y como intérprete, nada tiene que envidiar de los grandes, como prueba/muestra/demuestra en éste disco desnudo, para mí, el mejor de toda su carrera. Uma delicia..
Lista de temas:
1-Béradêro (Chico César) 2-Mama África (Chico César) 3-À primeira vista (Chico César) 4-Tambores (Chico César) 5-Alma não tem cor (André Abujamra) 6-Dúvida cruel (Chico César- Itamar Assumpção) 7-A prosa impúrpura do caicó (Chico César) 8-Saharienne (Chico César) 9-Benazir (Chico César) 10-Mulher eu sei (Chico César) 11-Clandestino (Chico César) 12-Templo (Milton de Bíasi - Tata Fernandes - Chico César) 13-Paraíba (Luiz Gonzaga - Humberto Teixeira) 14-Dança (Chico César) 15-Nato (Tata Fernandes - Chico César)
Eileen Ivers is one of the guest musicians on this, the solo album from the tin whistle virtuoso of the all-female Irish American folk band Cherish the Ladies. Like Ivers, Madden is a Senior All-Ireland champion on her instrument and has modernized traditional tunes by adding synthesizers (courtesy of producer and new-age star Brian Keane) and electric bass. On this all-instrumental album, Madden doesn't pursue Ivers' improvisational flights but rather an atmospheric lushness of sound. At times, the recording threatens to lapse into mood music, but the sturdiness of the traditional tunes and the piercing purity of Madden's tone prevent that. Instead the pop touches merely provide an inviting setting for the lyrical whistle lines. --Geoffrey Himes http://www.amazon.com/Song-Irish-Whistle-Joannie-Madden/dp/B000000X74
01.- The immigrant (6:03) 02.- Down by the Salley garden (3:49) 03.- The otter's nest (2:57) 04.- The level plain (4:38) 05.- Loftus Jones (3:24) 06.- Women of Ireland (5:17) 07.- The legacy jig (5:17) 08.- The black rose (4:36) 09.- The mountain of women (4:20) 10.- Flight of the wild geese (6:11) 11.- The south wind (4:57) 12.- Lord Mayo (3:23)
Esta banda, para quienes no los conocen son un dúo formado por los mendocinos Raúl "Tilín" Orozco y Fernando Barrientos. La unión de un instrumentista, compositor y arreglador clave de la música cuyana, Orozco, y de un cantautor, Barrientos, da como resultado una atractiva fórmula capaz de reunir tradición y futuro, en el contexto de una de las regiones más interesantes de la música popular argentina y latinoamericana.
Se dio a conocer al gran público y a la crítica internacional en el festival de Viña del Mar, Chile, al obtener el primer premio “Gaviota de plata”, a la mejor canción folklórica con su tema "Pintadita". En Argentina, este dúo se da a conocer en octubre 2003 cuando León Gieco,que siempre apoyó el trabajo del dúo, los invita a abrir sus conciertos del 3, 4, y 5 en el mítico estadio Luna Park. Su primer disco "Celador de Sueños" de 2004 (que estaré subiendo) es producido por Gustavo Santaolalla.
Un párrafo aparte merece Mercedes Sosa en la vida artística del dúo. Ella es la primera en invitar a Orozco Barrientos a un recital que dió en la Plaza Independencia de Mendoza, en febrero del año 2000. Desde entonces el dúo participó en muchos conciertos de Mercedes Sosa.
Cabe destacar que los temas de Orozco Barrientos son interpretados por distintos artistas: Mercedes Sosa, Teresa Parodi, Luna Monti y Juan Quintero, Claudio Sosa, Pocho Sosa, grupo Semilla, entre otros
Con "Pulpa" de 2008, producido por Gustavo Santaolalla, y con la participación de Mercedes Sosa en uno se sus temas, llega el segundo trabajo discográfico de este dúo fantástico que recrea de manera única el folclore cuyano
Lista de Temas 01- Bagualín 02- Camino a Maipú 03- El Marucho 04- Zamba del Sueño 05- Vidita Agua (con Mercedes Sosa) 06- El Vampiro Chupador 07- Los Dos Perros 08- Pulpa 09- Sin Luz de Amanecer 10- El Serenatero 11- Cuando la Soledad nos Da 12- El Hombre Gallo 13- Chacarera de los Puentes 14- Tonada del Regreso
Heimdal (Heimdallr en nórdico antiguo , el prefijo Heim- significando hogar, casa, mientras que el significado del sufijo -dallr es desconocido) es el dios guardián en la mitología nórdica. Es hijo de Odín y de nueve gigantas que lo nutrieron con sangre de jabalí. Poseía una vista aguda, un fino oído y podía estar sin dormir varios días. Pero en cambio, no podía hablar. Su percepción era tan extraordinaria que oía crecer la hierba, razón por la cual se le designó guardián de la morada de los dioses, Asgard, y del Bifrost, el arco iris que hace de puente hasta ella.
Según la mitología Nórdica, con un cuerno llamado Gjallarhorn, que Odín le regaló, anunciará el combate entre dioses y gigantes, después del cual sobrevendrá el fin del mundo, el Ragnarök. Heimdal intervendrá en la lucha, en la que será muerto por el dios maligno Loki. Aunque será símbolo de Poder porque será el último dios en caer en el Ragnarok . Una tradición nórdica dice que descendió a la tierra y engendró en tres mujeres los tres linajes (castas): príncipes, súbditos y siervos. Origen e Historia de Heimdall En el transcurso de un paseo en la orilla del mar, Odín vio una vez a nueve bellas gigantas, las doncellas de las olas, Gialp, Greip, Egia, Augeia, Ulfrun, Aurgiafa, Sindur, Atla e Iarnsaxa, profundamente dormidas en las blancas arenas. El dios del cielo quedó tan enamorado de las hermosas criaturas que, como relatan los Eddas(Relatos que describen los mitos nórdicos), se desposó con las nueve y se combinaron, en el mismo momento, para traer al mundo un hijo que
recibió el nombre de Heimdall.
Las nueve madres procedieron a alimentar a su bebé con la fuerza de la tierra, la humedad del amor y el calor del Sol, una dieta que demostró ser tan fortalecedora que el nuevo dios adquirió un crecimiento completo en un espacio de tiempo increíblemente corto y corrió a unirse a su padre en Asgard. Encontró a los dioses observando con orgullo el arco iris del puente Bifröst, el cual acababan de construir con fuego, aire y agua, los tres materiales que aún pueden verse en este extenso arco, donde brillan los tres colores principales significativos de estos elementos: el rojo representando al fuego, el azul al aire y el verde a las frescas profundidades del mar.
http://es.wikipedia.org/wiki/Heimdal
Gjallarhorn es uno de los más emocionantes grupos de Finlandia. Dirigido por David Lillkvist, un estudiante de las tradiciones de percusion de América Latina y África Occidental, la banda fusiona la música tradicional de Finlandia con una gama mundial de influencias y de instrumentación como el didgeridoo y la flauta de madera de Australia. El grupo, que toma su nombre del término mitológico nórdico de las fuerzas de la luz utilizada por Heimdall para luchar en el Ragnarok, también cuenta con la voz y el violín de Jenny Wilhelms y en la ejecucion de violín, mandola y voz de Cristóbal Ohman. Al lanzar el hipnótico Ranarop: Call of the Sea Witch en 1998, la banda ha apostado por una fuerza hipnótica de revivalismo del folk nórdico. En 2000, la banda regresó con un enfoque más experimentado en Sjofn, una embriagadora mezcla de instrumentos tradicionales y modernos pasajes. Craig Harris, All Music Guide
"Ranarop" es La llamada de Ran la Bruja del Mar en la mitología nórdica. También es un nombre apropiado para este álbum de Gjallarhorn, un grupo folk finlandés, cuyo sonido evoca una intensa llamada de una sirena. La cantante y violinista Jenny Wilhelms lleva el cuarteto en las danzas tradicionales y las baladas de la tradicion de Finlandia, junto con instrumentales tocados por la banda. lamentos de violines, viola, digeridoo, la voz de Wilhelms evocan imágenes de una diosa del mar turbulento, especialmente en canciones como "I Fjol Sa (último año)" y "Sjojungfrun Och Konungadottern (La Sirena y La Princesa)." instrumentales, tales como "O-Vals (no-Waltz)" en un tapiz sonoro mezcla de influencias contemporáneas, que contribuyen a la hipnosis general. ~ Heather Phares, All Music Guide
1. Intro
2. Konungen och trollkvinnan (The king and the enchantress)
3. Herr Olof (Master Olof)
4. I fjol sa (Last year)
5. Solbon/Askan (Prayer for sun/Thunder)
6. O-vals (Non-Waltz)
7. I riden sa... (Ye ride so carefully)
8. Sjojungfrun och konungadottern (The mermaid and the princess)
Hugo Fattoruso, compositor, arreglador, multiinstrumentista y vocalista, siempre causó un profundo efecto con su música a lo largo y ancho de las costas. Entre sus emprendimientos más conocidos figuran Los Shakers, Opa, Grupo del Cuareim, Los Pusilánimes, Trío Fattoruso y su trabajo como solista. Nacido y criado en Montevideo, Uruguay, hijo de padre y madre inclinados hacia la música, Hugo se inició en el lenguaje musical al mismo tiempo que aprendió a hablar y a caminar. Creciendo en Uruguay y siendo vecino de Argentina y Brasil, estuvo expuesto a una diversidad de matices musicales y ritmos sudamericanos. El ritmo de Candombe es algo que estuvo siempre encendido en su mente y corazón en forma natural, y un ejemplo es este último proyecto: Rey Tambor. Participando en teclados y vocal, se une con estos tres jóvenes tocadores de Candombe, los energéticos Nicolás, Fernando y Diego, que juntos navegan el mar del Candombe hacia nuevas y excitantes fronteras. http://profile.myspace.com/index.cfm?fuseaction=user.viewprofile&friendid=141977121
1. 10 More Miles 2. Caminando 3. Donde? 4. Emotivo – Estampa Negra 5. La casa de al lado 6. Sale el sol 7. Santas y Santos 8. Tambores
Funky solo work from Alan Evans of Soulive – a set of tunes that still really keeps the core funky sound of Soulive in place, but which seems to be going for more of a 70s feel overall! Evans sings and plays a bit of keyboards in addition to his usual strong work on drums – and he’s working in a core trio with bass and guitar, plus additional guest instrumentation on some tracks, in a range that includes flute, alto, percussion, and Fender Rhodes. There’s a stripped-down feel to the record that’s totally great – and which is a nice departure from some of the overstated work of Soulive in recent years – a mode that lets Evans get back to the grooves that inspired him, and lay them out perfectly! Artists: Alan Evans (Dr,Vo,Synth,Key) – Soulive - Aaron Bellamy (B,Back Vo) Mike Fiengold (G,Back Vo)
Musicians: Sinclair Jennings Jr (Back Vo)1,4 Neal Evans (Clavinet,Rhodes)9 – Soulive - Sam Kininger (Alto Sax,Flute)1,4,6,8 – ex Soulive - Cheme Gastelum (Alto Sax,Flute,Bass Clarinet)2,9 Amee Jana (Back Vo)1,4 Atticus Cole (Per)2,3,4,5,7,8,9 Rusilan Sirota (P,Rhodes,Key)
1. Do It Again 2. Break It Down 3. Let It Ride 4. Are You With Me 5. Hot N’greezy 6. Un Ha 7. Welcome To The World 8. What The People Say 9. Low Down Low 10. Do It Again(Outro)
Orquestra Afro-Brasileira, a Brazilian orchestra from the 60′s, lead by the Maestro Abigail Moura that is all about unique percussion instruments with authentic Afro Brazilian rhythms.
Afro Brazilian Instruments: Genny Pires (Urucungo), José Pedro (Angona-puíta), Joércio Soares (Agogô), Antônio Cruz (Gonguê), Oswaldino Lucas (Rum), Carlos Negreiros (Rumpi), Cândido Santos (Lê), Valmir Rosa (Afoxê), Djalma da Paixão (Adjá).
Brass Instruments: Horácio Soares (Sax alto, Clarineta), Carmélio Alves (Sax tenor, Clarineta), João Amâncio (Sax alto, Clarineta), Álvaro Nascimento (Sax tenor, Clarineta), Ananias da Silva (Trumpete), Gamaliel da Silva (Trumpete), Jaime da Silva (Trumpete), Alfredo Alves (Trombone) e Milton Profeta (Trombone)
1. Apresentação e Chegou o Rei Congo 2. Calunga 3. Amor de Escravo 4. Saudação ao Rei Nagô 5. Festa de Congo 6. Babalaô 7. Liberdade 8. Obaluayê
Con Latin Reggae (2008), Putumayo World Music nos invita a disfrutar de la mágica combinación de ritmos jamaicanos y sonidos latinos, una colección que presenta a pioneros y noveles artistas de las escenas rock, pop y reggae de Latinoamérica y de España.
Como sus colegas de Europa, África, Estados Unidos y otras regiones, las y los músicos de Latin Reggae adoptaron los ritmos y la filosofía del reggae, interpretando letras comprometidas socialmente en castellano y fusionando elementos de estilos locales con las bases rítmicas del reggae.
Los Cafres (Argentina) grabaron el tema incluido en la selección en los estudios Tuff Gong de Bob Marley en Jamaica, al igual que Cultura Profética (Puerto Rico), quienes también trabajaron con Errol Brown, quien fuera ingeniero de sonido en varios álbumes clásicos de Marley. Gondwana (Chile) cosechó una legión de seguidores después de publicar su primer álbum con letras políticamente comprometidas en plena dictadura de Pinochet; su segundo trabajo, editado en 2000, logró diversos éxitos en su país.
Al otro lado del océano, en Barcelona, el reggae se convirtió en un elemento fundamental del sonido mestizo. El término refleja el sonido multicultural que inspira a sus principales representantes, incluyendo a Macaco (ex miembro de Ojos de Brujo), y Amparanoia, el proyecto musical de Amparo Sánchez. Entre otras novedosas agrupaciones españolas que participan en esta colección se destacan el colectivo multicultural de músicos cubanos, españoles y africanos Radio Malanga, y las fusiones de ska/reggae de Muchachito Bombo Infierno y Black Gandhi.
Go Lem System y Ticklah aportan variedad musical para darle un sonido distinto a este estilo multigenérico. Originarios de Argentina, los miembros fundadores de Go Lem System se establecieron a Barcelona en 2001, donde su propuesta musical de reggae, ska, dub, trip hop, jazz y otros les permitió cosechar una gran legión de seguidores locales. Ticklah, productor y Dj radicado en Brooklyn, fue el co-productor y teclista del proyecto Dub Side of the Moon de Easy Star All-Stars (un tributo en clave reggae a la versión original de Pink Floyd), y de la versión dub reggae de "Ok Computer" de Radiohead titulado "Radiodread". La canción "Si Hecho Palante" es una versión de un tema de salsa clásica de Eddie Palmieri de los años sesenta. Por último, el grupo multicultural Sarazino (que fusiona el reggae con hip hop, cumbia y otros ritmos y melodías africanas y latinoamericanas) pone el broche de oro a esta vibrante selección.
01. Muchachito Bombo Infierno • Conversaciones Incompatibles (España) 02. Macaco • Mulata Descolora (España) 03. Radio Malanga • Charito Vá (España) 04. Los Cafres • La Receta (Argentina) 05. Cultura Profética • Reggae Rústico (Puerto Rico) 06. Go Lem System • Pura Sangre (España) 07. Ticklah feat. Mayra Vega • Si Hecho Palante (USA) 08. Black Gandhi • Pateras (España) 09. Amparanoia • Ven (España) 10. Gondwana • Libros Sagrados (Chile) 11. Sarazino • Desbaratado (Ecuador/Canadá/Argelia)
