Ash Dargan is an indigenous Australian didgeridoo player. He is a member of the Larrakia people but did not find out about his aboriginality until he was 21. He teaches and performs all over the world. He is a former member of Coloured Stone, appearing on their 1999 album Rhythm of Nature.
After an eventful and hectic year Christine Guldbrandsen (25) releases her third album, “Christine”. For the first two albums, “Surfing in the Air” and “Moments”, she sang English texts, but this time she has favoured Norwegian. Also musically there are strong shades of Norwegian colour in the material.
The songs on this album travel across a wide range of styles, from low key ballads with choir and piano to richly coloured soundscapes painted with broad strokes. Christine has written several of the songs in collaboration with her creative team. Among these is “Alvedansen” (“Elves´ Dance”, Norway´s entry for the Eurovision Song Contest). This popular song has been reworked for the album with a more open and transparent sound than on the E.S.C. version. “It was important for me to renew Alvedansen for the album”, says Christine. “Taking part in E.S.C was a fantastic experience and a unique opportunity to reach a large audience across Europe , but that part of my life is behind me now. And it therefore felt very appropriate for the album that we took a fresh approach to Alvedansen”.
Apart from one Norwegian folk song the rest of the album´s contents are newly written. And every song is crafted with Christine´s unique voice in mind. Christine is involved at every phase of song writing, and has also co-produced the album. “It´s unthinkable for me not to be an integral part of the recording process. The album becomes a very important part of me, and by playing an active role in the whole creative process, the end product is very much my own.”
Christine´s life is now devoted to music. Her work is divided between studio work, concerts, events, and the day to day administration of her career. “I try to participate actively in every aspect of my singing career, including the office work, both because it teaches me a lot about my business, and because I feel it is the right way for me to do things".
When describing her private life Christine regards herself very much as a normal girl with normal interests. Her leisure time is divided between family, friends and daily chores. But her focus on her career and the new album hasn´t allowed her much free time recently. "It is a sacrifice I make willingly. Music is an immensely important part of who I am; I can´t imagine a life without the possibility to express myself in music and song - it would be empty and colourless. I always feel deeply grateful for the privilege of being able to share music with others through song".
01. The Meadow 02. Alone 03. Because of you 04. From a distance 05. Silverlight (Lascia Che Io Pianga) 06. My angel 07. Feet on the ground 08. Autumn dawn 09. Mist 10. Between the lines
Hồng Nhung é uma cantora vietnamita. Ela é uma das quatro divas da música vietnamita, juntamente com Thanh Lam, My Linh, e qui Tran Ha. Ela também é conhecida por sua performance das canções do compositor Trịnh Công Sơn.
Nhung nasceu em Hanói, foi abandonada por sua mãe antes dela ter um ano de idade e foi criada pela avó. Seu pai era uma figura boêmia que entrava e saia de sua vida, nunca contribuindo muito dinheiro, que já era curto, para a comida e roupas.
Nhung , no entanto, tinha uma boa voz e quando ela tinha 11 anos, ela cantou sua primeira música na Rádio do Vietnã. Aos 17 anos fez seu primeiro álbum, e em 21 ela estava começando a fazer um nome para si mesma
Lê Hồng Nhung nasceu em 15 março de 1970, em Hanói. Aos 10 anos de idade, foi admitida para a a aula de canto da Casa da Cultura da Juventude de Hanoi. Em 1981, ela começou a gravar com a Rádio a “Voz do Vietnã”. Ela ficou conhecida como uma cantora jovem e promissora com canções Nhớ Về Hà Nội e Papa, um “cover” vietnamita da canção de Myo.
Em 1991, Hồng Nhung mudou-se para a cidade de Ho Chi Minh (antiga Saigon). Ela conheceu o compositor Trịnh Công Sơn em 1992 e começou a executar suas músicas com um novo estilo, criando uma onda de música vietnamita. Hồng Nhung atualmente está morando na cidade de Ho Chi Minh.
MÚSICAS: 01 - Phố mùa đông 02 - Tinh yêu ò lai 03 - Bài hát ru mùa đông 04 - Sao chǻng về vói em 05 – Biên ngày mua 06 – Một đem mua tháng giêng 07 - Ngày không mua 08 - Hǫa mi hót trong mua 09 - Ngày anh về 10 - Rôi có lúc
Veja o vídeo:
MÚSICOS: Quốc Trung – Keyboards, back vocals Tanh Phương – Guitars, back vocals Ngốc Quân – Percussion Vũ Hà – Bass
Sticks Bones and Song Stones is the perfect Soul Food for everyone who likes to dance. An explosion of rythms and beats crafted with Didgeridoo and an exotic selection of percussion from around the world.
1. Primal Stomp 2. Word Of Mouth 3. Seven Finger Rhythm 4. Bird Tribe 5. Bell Ceremony 6. The Trade 7. Dancing Sticks 8. Ghecko Chasers
A one-man Didgeridoo orchestra is perhaps the best way of describing the extraordinary music of phenomenal Didgeridoo player Ondrej Smeykal. His highly original style of play is the result of a life completely devoted to his instrument. For well over a decade and with ever increasing intensity, Ondrej has been developing and redefining his own unique approach to the Didgeridoo. His predominant use of unusually long Didges and “extensions” of up to 4 metres in length, enable him to play incredibly deep tones and to produce a much wider range of sounds and overtones than are possible on regular didgeridoos. Each composition, or song, as he refers to it, is very different in style, ranging from break-beat and organic Didgeridoo techno, to trance, ambient and anywhere in between
“Didgeridoo Solo was my first attempt at playing and recording the Didgeridoo without any other accompanying instruments and in this album I tried to maintain an upbeat rhythmical feel similar to dance music. After years of playing with other musicians, my resolution to play solo had ripened and resulted in hundreds of concerts and years of searching and analysing. Didgeridoo Solo is the result of this period and of my evolution as a Didgeridoo player up to and around the year 2004″. http://www.smeykal.com/
1. Cestovani 2. Tezka Radost 3. Flamenco 4. Cardas 5. Odpoved 6. Jeden Den 7. Digital 8. Ticha Voda 9. Posledni
Traditional music from North east Arnhem Land – Australia The songs and music in these albums represent probably the oldest known human constructions on earth.These albums make an invaluable contribution to the world’s cultural heritage.
Ganga Giri mixes red natural elements with fat tribal beats and dirty funky bass lines to create a unique tribal-technological deep earth dance experience. Explosive and pulsating, at times ambient and flowing, the music is a pumping percussive multi-layered experience of complex grooves and raw, deep natural sound.
“Ganga Giri is a wonderful musician. I first heard him at a Womad festival, and loved the mix of his ancient and primitive instrument with a wide range of great dance grooves. Ganga is really taking the didjeridu to places it has never been before and developing a unique style of music.”<<<Peter Gabriel>>>
While Ganga Giri now mixes techno-rock and other forms of pop music into his didgeridoo compositions, Termite Grooves is an absolute CLASSIC to many afficionados. This is the CD that had us absolutely captivated with Ganga Giri’s original style.While his newer music is gaining him fans across most of Europe and in his home of Australia, this CD is worth getting for its more traditional style. We listen to this CD more often than many other didge albums and never, ever get tired of it.
Didgeridoo is an instrument that falls into the classification of aerophone, like the alpenhorn, and a monotone–that is, it has one basic droning note. But the virtuoso player can make it yelp, sing, howl, beat out a rhythm and hum marvelously. It is supposed to have healing properties. And of course, it is sacred to the Aborigines of Arnhem Land and other parts of the Australian Outback. The didge is popular in Europe, especially Germany and Switzerland, where it has been taken up with great skill and enthusiasm. It is less popular in the US, but its time will come. Listen to Termite Grooves. If you love World Music or New Age, you will really enjoy this album.
Mônica nasceu em São Paulo, filha de mãe pernambucana e pai mineiro. Da mãe, herdou a música do nordeste, o calor na alma e o prazer de contar histórias. O espírito idealista e uma certa rebeldia vieram do pai, médico renomado e professor da USP. Aos 13 anos, Mônica se apaixonou por bossa nova e MPB. Ela começou a cantar na noite paulistana aos 17, deixando a mãe preocupada: "Cuidado com os cachorros velhos, filha", ele aconselhava.
Tendo cantado em bares, festivais e bandas de baile, Mônica ficou exultante ao ser convidada para gravar backing vocals em discos dos sambistas Monarco e Nélson Sargento. E foi procurar o conselho de um músico experiente: "O que devo fazer para ser uma grande cantora?" Seguindo a orientação recebida, ela passou a integrar o grupo vocal Beijo, da USP. Cantando ao lado de 15 pessoas, ela aprendeu a ouvir e a trabalhar coletivamente. O grupo lançou um álbum em 1992.
Nesse mesmo ano, tendo terminado o curso de Produção Editorial na Escola de Comunicações e Artes da USP, Mônica viajou para Londres para estudar inglês. Estava na hora de ver o mundo. Em Londres, ela logo conheceu os músicos talentosos com que trabalha até hoje. Entre eles estão o pianista britânico Steve Lodder, a saxofonista alemã Ingrid Laubrock, o violonista brasileiro Ife Tolentino, o trompetista britânico Paul Jayasinha e muitos outros.
À frente de dois projetos - o noneto Nóis e o quarteto Nóis 4 - Mõnica cantou em espaços renomados internacionalmente, como o Barbican Hall, a casa de jazz Ronnie Scottºs, a Union Chapel e o Jazz Cafe, além de participar de importantes festivais de jazz britânicos, como Brecon Jazz e Chaltenham Jazz. Ela também cantou na França, Alemanha, Itália e (!!!) Barbados. Mônica e suas bandas ainda abriram show para Gilberto Gil, Joyce, Airto Moreira & Flora Purim, o pop star britânico Brian Ferry e o jazzista Courtney Pine. Ela gravou 5 discos. Eles reúnem composições próprias - parcerias de Mônica com seus músicos - e ainda versões inspiradas de clássicos do repertório brasileiro.
Seu álbum mais recente, "Gente", lançado pelo selo britânico Candid Jazz, tem participação especial do compositor e violonista carioca Guinga. O convidado de honra deu a Mônica um dos momentos mais sublimes de sua carreira como cantora: Guinga dividiu com ela o palco da magnífica Union Chapel, em Londres, no show de lançamento do disco, em 2004. "Tenho muito orgulho desse disco", Mônica disse. "É coisa de gente grande".
Agora, Mônica sonha com o Brasil. Um de seus discos, "Oferenda", foi selecionado por uma empresa carioca para um projeto cultural que deve trazê-la de volta para casa. Mônica faz show com sua banda Nóis no Rio de Janeiro em setembro. BBC Brasil article by Ivan Lessa
Nóis:
Steve Lodder (Keys and piano) Ife Tolentino (Acoustic guitar) Davide Mantovani (Bass) Iian Patinson (Drums) Adriano Pinto (Percussion) Ingrid Laubrock (Saxophones) Paul Jayasinha (Trumpet) Paul Nieman (Trombone)
Temas:
01. Arrastão 02. Ferrugem 03. A Olhos Nus 04. Down We Go 05. Zóio Azul 06. Saudade Blues 07. Thinking About Your Body 08. Banhos 09. The Doctor 10. Detalhes 11. Morro Acima 12. You 13. Xote Total 14. Dance, Will You?
Airtist is a unique music project that creates the atmosphere of electronic dance music with ancient instruments and human voice. The Didgeridoo, the Jew’s harp and the human beatbox together create an unmatchable soundworld that is so typical to Airtist. The band don’t use any electronically produced sound. Only the natural vibration of their instruments is what makes people dance. This music could have been played thousands of years ago the same way.
“These three guys just went up on the stage with nothing that seemed to be an instrument. One of them had a big wooden stick -a didjeridoo- in his hand, the other held a little piece of iron between his teeth -probably a Jew’s harp- and the third guy had nothing but his voice. But after the first seconds of their concert the audience experienced the most energyful, dancable, ancient party music ever. The whole crowd started dancing within a minute. The incredible sounds produced without any electronic equipment blew our mind and moved our body for the entire concert and after…” – Komlós István
Airtist is a result of fortunate encounters of three musicians. In a magical moment at the Israeli Didgeridoo Festival Markus Meurer didgeridoo player and Áron Szilágyi Jew’s harpist performed together with the beatboxer Inon in 2006. All of a sudden an emotional and acoustic storm dragged more than a thousand people to dance. This had to be carried on, so Markus and Áron kept their eyes and ears open to find a great beatboxer in Europe to join them. A few months later Áron met the perfect third, Döme the virtuoso beatbox champion who was eager to join the guys and make Airtist complete.
Áron Szilágyi: Jew’s harps Markus Meurer: Didgeridoo Döme: Human beatbox
“Our aim is to make the most elementary dance music with the most ancient instruments using the oldest element: air. We make music that sounds electronic, although it could have been played the same way thousands of years ago, too. No samples, no computers, no loops, only human voice, didgeridoo, Jew’s harp and air.”
“The dizi (Chinese: 笛子; Hanyu Pinyin: dízi), is a Chinese transverse flute. It is also sometimes known as the di (笛) or hengdi (橫笛), and has varieties including the qudi (曲笛) and bangdi (梆笛). These names are likely to have multiple spellings, too, depending on the transliteration used to convert from Chinese names.
Nonetheless, dizi seems to be the most common name (and written form) used in the West. The dizi is a major Chinese musical instrument, popular not only in Chinese folk music, Chinese operas, and Chinese orchestras, but also used in music exported to the west. The dizi has a deep, rich history, and a lasting appeal. Traditionally, the dizi has also been popular among the Chinese common people, since it is simple to make, easy to carry, and beautiful when played. Dizi bamboo membraneMost dizi are made of bamboo, which explains why dizi are sometimes known by simple names such as “Chinese bamboo flute”. However, “bamboo” is perhaps more of a Chinese instrument classification like “woodwind” in the West. Although bamboo is the common material for the dizi, it is also possible to find dizi made from other kinds of kinds of wood, or even from stone. Jade dizi (or yudi, 玉笛) are popular among both collectors interested in the almost magical beauty of jade dizi, and among professional players who seek an instrument with look that matches the quality of their renditions. But jade may not be the best material for dizi as, like with metal, jade may not be so respondant to tone quality, unlike bamboo which is more resonant.” – Wikipedia
1. A Visit To Suzhou 2. Lake View on a Moonlit Autumn Night 3. A Sprig of Plum Blossom 4. A Joyful Reunion 5. Six Clappers In Zhong Hua 6. Delivering Public Grain with Horse Carts 7. Autumn Yearning At the Dressing Table 8. Charm of Mount Langya 9. Reaping Crops 10. Confluence
Michalis Nikoloudis es un maestro de la bandurria, laúd barroco y mandolina. Ha participado en grabaciones y conciertos "en vivo" con los mejores compositores y cantantes tanto en Grecia como en el extranjero.Su musica esta Inspirada en los sonidos y los aromas del Mediterráneo.
Just like You is the second album by Delta blues artist Keb' Mo'. It features guest artists Jackson Browne and Bonnie Raitt both on the title track "Just Like You." Unlike the first album, Just Like You features a more Blues-pop to Blues-rock feel and more of its tracks feature a full band. In 1997, Just Like You won the Grammy Award for Best Contemporary Blues Album. Wikipedia
All songs written by Kevin Moore (Keb' Mo'). 1. "That's Not Love" - 4:06 2. "Perpetual Blues Machine" - 3:14 3. "More Than One Way Home" - 4:52 4. "I'm on Your Side" - 3:38 5. "Just like You" - 3:26 6. "You Can Love Yourself" - 2:32 7. "Dangerous Mood" - 4:57 8. "The Action" - 3:57 9. "Hand It Over" - 2:54 10. "Standin' at the Station" - 3:11 11. "Momma, Where's My Daddy?" - 3:06 12. "Last Fair Deal Gone Down" - 3:44 13. "Lullaby Baby Blues" - 2:33
Es mágico, admirable, taumatúrgico. Bastan un bandoneón y una guitarra desgranando tangos clásicos para crear el sortilegio.
El bandoneón es Rodolfo Mederos; la guitarra Colacho Brizuela. A Mederos se le reconoce como uno de los más inspirados renovadores de la música ciudadana. A Brizuela como el exquisito acompañante de Mercedes Sosa. Juntos han decidido interpretar tangos. Y los registraron en un bellísimo disco compacto.
Buenos Aires Tango.
¿Qué es lo asombroso y singular? Nada menos que los tangos cultivados en su más alta musicalidad. Tangos que por su inspiración, elaboración y refinamiento melódico y armónico se encuentran a la altura de la mejor música clásica camarística de todos los tiempos.
Mederos y Brizuela invitan al puro y esencial disfrute auditivo. Y quizás una pareja pueda bailarlos en la intimidad de su cuarto, como delicioso preámbulo del rito del amor.
El gozo empieza cuando Mederos esboza, tenue y moroso, las primeras notas de El Marne , de Eduardo Arolas, y se hace intenso luego cuando se le une casi imperceptiblemente la guitarra de Brizuela. Cada nota llega cargada de esencia tanguera, ya en los giros elásticos, ya en el costado canyengue.
Le sigue el maravilloso melodismo de Flores negras , de Francisco De Caro. Y luego las delicias melódico-armónicas de Organito de la tarde , de Castillo y González. Cada nota demorada, cada acorde, cada silencio rezuma hermosura en las amorosas versiones del dúo.
Es difícil acceder a este pequeño prodigio en una orquesta de tango, donde muchas veces el énfasis rítmico y de la marcación metronómica los sepulta. Tampoco es dable disfrutarlos en la voz de la mayoría de los cantantes, que no advierten los hallazgos melódicos o planchan alegremente sus sinuosidades.
Por eso es posible saborear lentamente, como el mejor manjar, las encantadoras notas de
Flor de lino , de Stamponi; la lacerante tristeza de Milonguita , de Delfino; la honda nostalgia de Silbando , de Piana; los gloriosos semitonos y esa línea amorosa y entrañable de Romance de barrio , de Troilo, que desgranan bandoneón y guitarra.
Mederos y Brizuela están tocando a la parrilla, si bien han transcripto ideas y desarrollos de su propio disco "Tangos", que aquí presentan.
Un paréntesis será la juguetona versión de El choclo , de Villoldo, que disfruta gozosamente el dúo, y que luego se asienta en los graves acentos del 4 x 4, para retornar a la indagación en los meandros de cada composición, como ese melodismo engarzado en la riqueza armónica de Nunca tuvo novio , de Bardi, o esa contundencia tanguera que habita en Ventarrón , de Maffia.
Pocas veces nos es dado hundirnos en los secretos de la melodía y armonía de un tango o una milonga a través de fraseos transidos de emoción. Mederos y Brizuela nos dan esta oportunidad única. En esos pliegues anida la magia del glorioso tango de Buenos Aires.
Najma Akhtar es una cantante anglo-india que ha estado grabando desde finales de los 80, cuando su álbum de ghazales Qareeb fue lanzado (una forma poética de la canción de amor), Posteriormente ha labrado una trayectoria musical muy interesante y de gran alcance, incluido su trabajo con Jimmy Page de Led Zeppelin, y artistas tan diversos como Basement Jaxx y Nina Simone.
El guitarrista norteamericano Gary Lucas ha aplicado su blues, vertiginosamente psicodélico a obras de artistas como Captain Beefheart, Iggy Pop y Nick Cave, así como ha contribuido en el famoso y aclamado álbum de Jeff Buckley Grace.
Y en Rishte, la pareja se ha basado en esta profundidad de su experiencia para producir un elegante y fascinante conjunto de melodías sutilmente melódicas.
Indo-blues sería un término fácil sobre el que caer, pero aparte de un tema de la
leyenda del blues Skip James "Special Blues Rider", el sur de EE.UU. La influencia de blues se limita a la aplicación ocasional de la guitarra slide de Lucas o la utilización de sinuosas notas de guitarra acústica. Lucas sobre todo proporciona rasgueos rítmicos en contrapunto a la tabla, tambor sobre el que Najma repica, y canta en tonos melodiosos.
Ella realmente posee un rango tonal muy hermoso, llena de color, alegría y fluidez, y Lucas debe tener considerables elogios para ella cuando cubre todo con moderación, arrancando el estímulo o la conducción de las canciones. Mencio especial también para la violinista Alicia Svigals, que dora dos canciones con una melodía quejumbrosa y muy expresiva.
Las canciones son en su mayoría son auto-escritas, Lucas proporciona las partes de
guitarra y Najma las melodías y letras, por lo general en urdu. Las dos canciones en Inglés exponen como un lenguaje que no logra adaptarse a la dicción con plena fluidez de la cantante, ella esta más comoda cantando en la lengua de sus ancestros del sur de Asia para un mejor ajuste completo de su voz.
Estas son las canciones que poseen una cualidad etérea casi atemporal y su capacidad para seducir dulcemente una y otra vez. Ni India ni de América, y más natural que muchas fusiones torpe Este-Oeste por ahí, Rishte es un CD totalmente satisfactoria y gratificante.
A lo largo de su vida, Jerry García tuvo un cariño constante por el banjo, el bluegrass, y la música de raíces populares. No sólo ayudó a dar forma al vasto repertorio de Grateful Dead, sino que también los llevó en varias excursiones musicales fuera de los Dead. Uno de sus colaboradores más consistente en sus aventuras extra-dead era el maestro de la mandolina y director de orquesta David Grisman. Ellos formaron el núcleo del conjunto de corta vida pero influyente Old In the Way en la década de 1970. Estas 13 canciones populares, encantadoras fueron sacados de numerosas sesiones de García-Grisman que tuvieron lugar en el estudio de Grisman entre 1990 y 1995, a menudo acompañado por Joe Craven en el violín y la percusión y Kerwin Jim en el bajo. García y Grisman sacaron estas canciones algunas de ellas bastante oscuras y de una variedad de épocas y géneros de América. Se incluye una versión viva de Mississippi John Hurt "Louis Collins," así como odas populares como "Casey Jones", "Whiskey in the Jar", y "The Handsome Cabin Boy". En todo momento, la música resultante es suave y sugerente, susceptible de atraer tanto a los neo-folkies y Deadheads de mente abierta. - Bob Allen
Jerry García y David Grisman pasaron gran parte de los 90 trabajando juntos en las grabaciones acústicas de folk, country y canciones de bluegrass. Después de la muerte de García en 1995, Grisman decidió iniciar la liberación de la cartera prodigiosa de la música que los dos habían acumulado, con nuevas versiónes que cubren diferentes generos de la música americana. La primera, es Shady Grove, se concentra en la gente y el bluegrass que fue uno de sus primeros amores musicales.
Shady Grove es la esencia de Jerry García, es la raíz de su árbol de muchas ramas, un conjunto claro de donde surgió su creatividad. Su dominio de la música popular va más allá de las palabras, esta grabación es simplemente maravillosa!
El Libreto ofrece una historia completa de cada canción que será de gran valor tanto para los estudiantes serios y oyentes casuales.
Madredeus O Porto 1998 @320 EMI-Valentim De Carvalho, Lda.
Concerto "O Paraíso" gravado ao vivo no Coliseu do Porto 4 de Abril de 1998.
Acoustic Guitar - José Peixoto , Acoustic Guitar - Pedro Ayres Magalhães Bass [Acoustic] - Fernando Júdice Synthesizer - Carlos Maria Trindade Vocals - Teresa Salgueiro
CD1
01 Coisas Pequenas 02 Os Dias São À Noite 03 A Andorinha Da Primavera 04 A Tempestade 05 À Margem 06 Carta Para Ti 07 Canção Do Tempo 08 Agora - Canção Aos Novos
CD2
01 A Praia Do Mar 02 Alvorada 03 Claridade 04 Quem Amo 05 Alma 06 Os Foliões 07 O Paraíso 08 O Sonho 09 Não Muito Distante
Mário Lúcio emprende un viaje a través de siete países y tres continentes, trabaja en diez ciudades y recorre 92.482 kilómetros para crear los 17 temas de Kreol, un recorrido musical que cuenta con la colaboración de Milton Nascimento, Toumani Diabaté, Pablo Milanés, Cesária Évora, Harry Belafonte, Ralph Thamar & Mario Canonge, Gorée Afro Djembé, Awa Sangho, Zoumana Tereta, Teresa Salgueiro y Pedro Joía.
Como líder de Simentera, Mário Lúcio se concentró durante más de diez años en la exploración de las raíces de la música de Cabo Verde del siglo XX. Con Badyo (2007), su tercer álbum como solista, reconstruye los estilos musicales caboverdianos resultantes de la llegada de las poblaciones de África Occidental y Central a las islas. Kreol (2010) se centra en el encuentro musical entre los ritmos de Cabo Verde y las sonoridades del Atlántico, al que le dedica el álbum, "matrimonio de humanidad".
Y, tal y como el título indica, el disco es el espíritu puro de lo criollo, personas de orígenes diversos que no siempre comparten la misma lengua pero que se comunican valiéndose de un idioma común creado a partir de sus diferentes armonías musicales y raíces culturales. "Na Capella" es una canción a capella, el hermoso sonido de la orilla del mar. Los toques de guitarras marchan en "Kreol", las cuerdas del piano danzan sobre la luz de la luna del sonido antillano de "Egal Ego". "Mae Mother" es una preciosa canción con kora de Malí que rememora la noche maliense y el perfume de café de Brasil, y "Petit Son" suena a jazz latino de nueva trova grabado en Cuba durante una noche estrellada. Los sonidos de "Hora de Andorinha" evocan una puesta de sol desde el mar de Lisboa. "Mar di Tarrafal" es una elegía por el mar, "Santa Catarina Hossana" suena a Senegal y a samba de Brasil. "Amizade", "Tabankabé" y "Mar Azul" son paseos cinematográficos por Cabo Verde y su hermandad con otros países que nos dejan un sabor dulce de labios, "Palavra" nos lleva a Brasil, y "M´Afrika", "Come Black" y "Orfon" nos sumergen de nuevo en un viaje entre Cabo Verde y el corazón de Malí y Senegal.
En definitiva, Kreol es un disco que es toda una delicia y que recorre la interesante y rica vida musical de Mário Lúcio, un viaje en el que "Aprendi essencialmente que os Homens não são todos iguais, são semelhantes. A semelhança é o padrão que nos distingue".
Carlos Vives nació el 7 de agosto de 1961 en Santa Marta, Colombia. De pequeño cantaba en las fiestas familiares y recogía dinero para la iglesia tocando la guitarra. Cursó la carrera de publicista y en 1982 empezó a trabajar como actor de telenovelas.
La carrera musical de Carlos Vives comienza en 1988, intentando recuperar la esencia del vallenato, un estilo musical formado por la mezcla de varias culturas y que debe su nombre a la región del Valle de Upar. En 1989 Carlos Vives participó en la serie 'Escalona', lo que le sirvió para realizar la banda sonora de la serie, uno de los discos más vendidos en la historia en Colombia. Clásicos de la provincia es el quinto trabajo discográfico de Carlos Vives, el primero con la disquera Sonolux, este fue un álbum enfocado en el folclor vallenato, consistía en hacer versiones nuevas de clásicos vallenatos, pero con un sonido más comercial y fusionando el vallenato con instrumentos de la cumbia, y también del rock.
01 LA GOTA FRIA 02 AMOR SENSIBLE 03 ALICIA ADORADA 04 LA HAMACA GRANDE 05 EL CANTOR DE FONSECA 06 MATILDE LINA 07 ALTOS DEL ROSARIO 08 HONDA HERIDA 09 LA CAÑAGÜATERA 10 LIRIO ROJO 11 LA TIJERA 12 COMPAE CHIPUCO 13 PEDAZO DE ACORDEON 14 LA CELOSA 15 CONTESTACION A LA BRASILERA (FRAGMENTO)
Boureima "Vieux" Farka Touré (born 1981) is a Malian singer and guitarist born in Niafunké, Mali - son of Malian musician Ali Farka Touré. Vieux has proven in his energetic live shows that he is the heir to Ali's talent while still distinguishing himself from his famous bluesman father, Malian legend Ali Farka Touré, and has transcended the limitations of the world music genre itself. For the 2010 FIFA World Cup in Johannesburg, South Africa, Vieux performed before a billion people, and has become one of the most celebrated African guitarists in history. Vieux was the flagship artist for Modiba Productions from the date of release of his debut album, released online in Fall 2006 and in retail worldwide February 2007 - featuring Ali Farka Touré and Toumani Diabaté on several tracks. It has been acclaimed by critics worldwide. International acclaim is still pouring in from his second full-length released in May 2009 by Six Degrees Records, Fondo—one of iTunes best World Music albums of 2009, and a staple on critics' year-end pick lists as chosen by the Wall Street Journal, The New York Times, The Village Voice and the BBC among many others. In June 2010 the Vieux Farka Touré (VFT) Live album was released, affirming that Vieux has become a legend in his own right, emerging at a crucial point in history, just as the Western world is finally beginning to take notice of West African acts like Amadou & Miriam and Oumou Sangaré. Not only does the VFT Live album capture the excitement of Vieux's much-anticipated 2010 FIFA World Cup performance but it also confirms that tens of thousands of music fans all around the world already know that Vieux's live show is championship-caliber.
Artist: Vieux Farka Toure Title Of Album: Fondo Release Date: May 12, 2009 Label: Six Degrees Genre: World / Fusion / African Format: MP3 Bitrate: VBR ~235 kbps Tracks: 11 Total Time: 48:42 min Total Size: 85 MB WebSite: VieuxFarkaToure.com
Tracklist: 01. Fafa 02. Ai Haira 03. Souba Souba 04. Sarama 05. Wale 06. Slow Jam 07. Mali 08. Diaraby Magni 09. Cherie Le 10. Paradise 11. Fafa (Reprise)
Este grupo nace en el mes de Marzo del año 2006, y esta integrado por Leandro Angeli, Cristian Huillier, Juan Otero, en guitarras, y Pablo Sensottera en guitarrón criollo, todos ellos poseedores de una amplia actividad musical dentro de la música popular. “La Púa” aborda un repertorio de tangos y milongas (sumando también algunos temas de folclore) arreglados para esta clásica formación dentro del género, buscando renovar la sonoridad sin perder la esencia tanguera En este camino de rescatar y a la vez reinventar la estética de los tradicionales conjuntos de guitarras, el grupo ha incorporado a su repertorio temas que históricamente fueron interpretados por las orquestas típicas. Uno de los pilares fundamentales del grupo y a la vez una característica que lo distingue de otros conjuntos de guitarras tradicionales es la horizontalidad de su trabajo: todos sus integrantes arreglan, componen, hacen “solos” y primeras voces, rompiendo así la monotonía tímbrica y estilística que genera muchas veces el mismo solista durante todos los temas. Los arreglos poseen un tratamiento casi orquestal y de ahí que muchas veces se lo definiera como una pequeña orquesta de guitarras.
“El puazo”, además de su repertorio instrumental cuenta con la participación de grandes figuras de la música ciudadana como Lidia Borda, Walter “Chino” Laborde y Black Mendez, como cantantes invitados y del prestigioso guitarrista Rudi Flores.
Nació en el seno de una familia aficionada a la música. Entró en la “Academia Letona de Música” en 1996 para estudiar canto con Sergey Martinov. Continuó sus estudios en Viena con Irina Gavrilović, y en los Estados Unidos con Virginia Zeani. Su carrera profesional comenzó en el Südthüringisches Staatstheater de Meiningen y más tarde en la Compañía de la Ópera de Frankfurt (Opern- und Schauspielhaus Frankfurt). En 1999 ganó la Mirjam Helin Singing Competition en Helsinki, Finlandia.
Comenzó a destacar internacionalmente en 2003 en el Festival de Salzburgo (Salzburger Festspiele), donde interpretó a Annio en La clemencia de Tito, de Mozart, dirigida por Nikolaus Harnoncourt. Tras ello comenzó a recibir importantes papeles, como el de Charlotte en Werther, Dorabella en Così fan tutte para la Ópera de Viena, en 2004, y Dorabella de nuevo en París, dirigida por Patrice Chéreau (2005).
En 2006 cantó de nuevo La clemencia de Tito, esta vez en el papel de Sesto. El 12 de enero de 2008 debutó con su propia compañía en el Metropolitan Opera de Nueva York, interpretando a Rosina en El Barbero de Sevilla, de Rossini. El crítico del periódico The New York Times, Bernard Holland, escribió sobre este estreno: “La señora Garanča es una realidad (...) Las modernas técnicas de canto se adaptan con dificultad al énfasis que pone Rossini -propio de principios del XIX- en la velocidad, luminosidad y articulación atlética, y la señora Garanča era la única sobre el escenario que parecía sentirse completamente cómoda.”
El 16 de enero de 2010 llevó a cabo una memorable y apasionada interpretación de la Carmen (ópera), de Bizet, en el Metropolitan Opera House de Nueva York junto al tenor francés Roberto Alagna. Su actuación fue retransmitida en directo vía satélite y en alta definición a todo el mundo, proyectándose simultáneamente en más de 850 salas de cine en 31 países distintos.
01. "Non so piu cosa son, cosa faccio" Cherubino's aria from Le Nozze di Figaro (Wolfgang Amadeus Mozart) 02. "Voi che sapete" Cherubino's aria from Le Nozze di Figaro (Wolfgang Amadeus Mozart) 03. "Deh per questo istante" Sesto's aria from La Clemenza di Tito (Wolfgang Amadeus Mozart) 04. "Parto, parto" Sesto's aria from La Clemenza di Tito (Wolfgang Amadeus Mozart) 05. "Una voce poco fa" Rosina's cavatina from Il barbiere di Siviglia (Goachino Rossini) 06. "Nacqui all'affanno" Angelina's aria from La Cenerentola (Goachino Rossini) 07. "Se Romeo t'uccise un figlio" Romeo's aria from I Capuleti e i Montecchi (Vicenzo Bellini) 08. "Fia dunque vero... O, mio Fernando" La Leonora's aria from La Favorita (Gaetzano Donizetti) 09. "Per questa fiamma indomita" Giovanna's aria from Anna Bolena (Gaetzano Donizetti) 10. "Werther, Werther" Charlotte's aria from Werther (Jules Massenet)
Las “músicas minúsculas”, son músicas realizadas con instrumentos no convencionales, o por medio del uso no convencional de instrumentos convencionales.
Eso no quiere decir que las “músicas minúsculas” sean músicas menores o carentes de calidad. Por el contrario, las palabras más importantes de cualquier idioma: pan, madre, paz, etc., no pierden su grandeza y significado por estar escritas en minúscula.
Por eso, las “músicas minúsculas” son esas desvergonzadas que se atreven a desnudarse en público, quitándose la faja de la solemnidad de lo convencional, para acercarse al corazón de todos los oyentes por medio del humor y la ironía.
aquí os dejo este enlace de un hermosísimo disco de uno de los, sin ningún tipo de duda, mejores compositores de Europa, Rodrigo Leão. Este disco "O mundo" (1993-2006) tiene algunos temas de una belleza inconmensurable y que es imposible definir lo que uno puede sentir al escucharlos (al menos yo, y no exagero).
Como supongo muchos de vosotros sabréis, Rodrigo Leão escomenzou a su carreira ao comenzo dos anos 80 no grupo Sétima Legião para posteriormente formar parte de Madredeus ca belisima voz de Teresa Salgueiro. Precisamente Madredeus foi un grupo que marcou un cambio moi importante no panorama da música portuguesa. Neste disco "O mundo", Rodrigo Leão recolle os seus mellores temas incluíndo algúns novos como "Rúa da Atalaia ou Voltar". Rodrigo, con algunhas das súas composicións, fixo repetidas versións por intentar facelas máis fermosas. Es por ello que hizo versiones hasta estar convencido de que "esa" era la más hermosa, como es el caso de "Ave Mundi" interpretada magnificamente en este disco por la soprano Ângela Silva y que cada vez que la escucho consigue arrancarme lágrimas de felicidad.
No me digáis que no se os encoje el corazón y os falta la respiración al escuchar tan bella composición y voz!!! Es que me faltan palabras para definir tal belleza.
CD 1 1. Rua da Atalaia 2. Voltar 3. A espera de Sofia 4. Solitude 5. Noche 6. Tardes de Bolonha 7. Pasión 8. A cidade queimada 9. Rosa 10. A janela 11. A casa 12. Memórias 13. Lonely carousel 14. La Fête 15. Rosa
CD 2 1. Carpe diem 2. Amatorius 3. Alma mater 4. Ave mundi 5. A espera 6. Final 7. Imortal 8. O exercício 9. Ruínas 10. Ascensao 11. A tragédia 12. Vita brevis 13. O novo mundo
No repertório os violeiros fazem releituras de 11 grandes clássicos do rock em versão acústica e instrumental, entre as bandas estão Pink Floyd, Iron Maiden, Metallica, Bealtes, Sepultura, Megadeth, Ozzy, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, entre outras. “Moda de Rock – Viola Extrema” é um álbum que dá gosto de ouvir, possui uma qualidade finíssima, sem falar que é bom demais ouvir essas músicas de uma forma que até certo ponto soava inimaginável, mais que se tornou possível através do excelente trabalho dos violeiros Ricardo e Zé Helder.
O álbum “Moda de Rock – Viola Extrema” foi remasterizado no estúdio Abbey Road, em Londres, um dos – senão o mais famoso – estúdio do mundo, conhecido por gravar grande parte da obra dos Beatles e do Pink Floyd, além de outras bandas. Produzido por Ricardo, o álbum foi lançado pelo selo Folguedo, que é exclusivamente dedicado a música de viola “Moda Rock”.
01 - Kashimir (Led Zeppelin cover) 02 - Master of Puppets (Metallica cover) 03 - Norwegian Wood (This Bird Has Flown) (The Beatles cover) 04 - In The Flesh (Pink Floyd cover) 05 - Kaiowas (Sepultura cover) 06 - May This Be Love (Jimi Hendrix cover) 07 - Aces High (Iron Maiden cover) 08 - Mr. Crowley (Ozzy Osbourne cover) 09 - Smell Like Teen Spirit (Nirvana cover) 10 - Hangar 18 (Megadeth cover) 11 - Aqualung (Jethro Tull cover)
Todas las calles es el segundo trabajo de Toni Zenet en solitario, tras el éxito de Los Mares de China con el que fue premiado como Artista Revelación en la "XVI Edición Premios de la Música" en España. Como el mismo artista indica, con Todas las calles deja en puerto el barco que le llevó a recorrer Los Mares de China, para patear las calles de todas las ciudades del mundo. Su paseo recorre las calles de Nueva York, Lisboa, Salvador de Bahía, La Habana, Cádiz... a veces, incluso, varias de estas ciudades en una misma canción.
El disco ha sido grabado con el mismo equipo que el anterior, músicos de primerísima fila que han acompañado a Zenet en la extensa gira que ha realizado en estos dos años últimos años, y que han sido el complemento perfecto a la voz, el carisma y la pasión de Zenet sobre el escenario. Cuenta, también, con la misma exquisita producción, llena de matices y de delicadeza en momentos, y con la fuerza de un ciclón en otros.
Las letras, otro de los puntos fuertes de este artista, siguen a cargo del gran poeta Javier Laguna, que ya escribiera las del disco anterior, y la música corre a cargo del propio Zenet, José Taboada y Juan Ibáñez. Tango, bossa-nova, swing y jazz a cargo de este "crooner andaluz" que suena a música de siempre.
01. Ella era mala 02. No lo dudes 03. Amaneció sin querer 04. Todo lo que nos quisimos 05. Tu amor es tanto 06. Fue por casualidad 07. ¿Por qué no me dejas? 08. Piedras al sol 09. 30 de febrero 10. La última bala
Trabalho de pesquisa da cultura popular, onde Antúlio Madureira busca as raízes das raízes. Encontram-se o popular e o erudito, na procura por um som universal. Uma original usina de som, baseada em instrumentos como serrote, berimbau de lata, cabala, marimbau com arco, garrafone e outros apetrechos musicais. A combinação de sons com intensidade, timbre e duração diferentes transformam o trabalho em pura magia.
La cantante oaxaqueña Susana Harp ha enfocado su trabajo hacia la recopilación y difusión de la música mexicana poniendo especial atención en su Estado natal. En 1997 termina el primer disco titulado Xquenda, incluyendo canciones representativas y poco conocidas de tres de las siete regiones de Oaxaca, tanto en Español como en Zapoteco, composiciones que van desde 1850 hasta la fecha de grabación.
Dirección musical y arreglos: José Hinojosa Voz: Susana Harp Guitarra: José Hinojosa Cello: Manfredo Gracia Flauta: Ricardo Benítez Percuciones: Carlos Tovar (Popis) Piano: Omar Guzmán Realización Técnica: Bárbara Burton Master Digital: Juan Switalski
01 Canción Anónima 3:29 / Dominio Popular 02 Gugu Hiuni 3:26 / Eustaquio Jiménez Girón 03 La Martiniana 3:02 / Andrés Henestrosa 04 Ra Bacheeza 2:52 / Manuel Reyes 05 Cuando bajes a la fuente 3:13 / Letra: Juan G. Vasconcelos, Música: Gabino García Jr. 06 El Amuleto 3:50 / (D.A.R.) Álvaro Carrillo 07 El Caracol 3:52 / Gustavo López 08 La Llorona 3:29 / Dominio Popular 09 Algo me dicen tus ojos 3:29 / Andrés Henestrosa 10 Petrona de Nezaguete 3:19 / Juan Jiménez (Juan Xtubi) 11 Como de treinta 2:43 / Héctor Martel 12 Xquenda 4:01 / Manuel Reyes (Ta Rey Baxa) 13 Xquenda 2:51 / Instrumental
Quincy Jones's 1962 Brazilian jazz classic is back in print after many years, due no doubt to "Soul Bossa Nova"'s inclusion on the AUSTIN POWERS soundtrack. In addition to that show-stealer, BIG BAND BOSSA NOVA delivers Jones's takes on several samba classics, including "Desifinado" and the timeless classic, "One Note Samba." Jones teams up with Lalo Schiffrin on "Lalo Bossa Nova," and even takes on Charles Mingus's "Boogie Stop Shuffle." "A Taste of Honey" and on "On the Street Where You Live" are where Jones's talent for creative arranging really shines through. http://www.cduniverse.com/search/xx/music/pid/1177782/a/Big+Band+Bossa+Nova.htm
Personnel: Quincy Jones (trumpet, piano); Jim Hall (guitar); Jerome Richardson (flute, alto flute, woodwinds); Rahsaan Roland Kirk (flute); Phil Woods (alto saxophone); Paul Gonsalves (tenor saxophone); Clark Terry (trumpet, flugelhorn); Lalo Schifrin (piano); Rudy Collins (drums); Jose Paula, Jack Del Rio, Carlos Goméz (percussion).
01. Quincy Jones - Soul Bossa Nova 2:48 02. Quincy Jones - Boogie Stop Shuffle (issued as "Boogie Bossa Nova") 2:45 03. Quincy Jones - Desafinado 2:57 04. Quincy Jones - Manha de Carnaval (Morning of the Carnival) 2:58 05. Quincy Jones - Se E Tarde Me Pardoa (Forgive Me If I'm Late) 4:25 06. Quincy Jones - On the Street Where You Live 2:36 07. Quincy Jones - Samba de Una Nota So (One Note Samba) 2:05 08. Quincy Jones - Lalo Bossa Nova 3:13 09. Quincy Jones - Serenata 3:22 10. Quincy Jones - Chega De Saudade (No More Blues) 5:39 11. Quincy Jones - A Taste Of Honey 2:56
En este album Lisa Ono rinde homenaje al fallecido cantante y compositor brasileño Antonio Carlos Jobim ganador del premio Grammy, con quien colaboró en varias ocasiones. El álbum incluye 15 temas dedicados al músico, como Fotografia, Samba do Avião, y Demais Bonita. Lisa Ono se puede ver en la cubierta junto a su ídolo en una Foto privada, que se remonta a 1994 y les muestra durante una sesión del disco.
01. Lisa Ono - Garota de Ipanema 3:56 02. Lisa Ono - Samba de Uma Nota So 3:03 03. Lisa Ono - Brigas Nunca Mais 2:25 04. Lisa Ono - Sobia 3:31 05. Lisa Ono - Bonita Demais 4:08 06. Lisa Ono - Fotografia 2:43 07. Lisa Ono - Falando de Amor 3:41 08. Lisa Ono - A Felicidade 3:29 09. Lisa Ono - Aguas de Marco 3:21 10. Lisa Ono - Olha Pro Ceu 3:30 11. Lisa Ono - A Correnteza 2:49 12. Lisa Ono - Insensatez 3:58 13. Lisa Ono - Samba do Aviao 3:46 14. Lisa Ono - Agua de Beber 2:49 15. Lisa Ono - Two Kites 4:09
