CARLOS CARABAJAL - Y MIS SUEÑOS...[ARGENTINA]

Santiagueño nacido en Quimili, Carlos Carabajal, es uno de los más reconocidos autores del folclore Argentino, junto a compositores de la talla de Peteco, Carlos, Cuti, Kali, Walter y Musha Carabajal, Jacinto Piedra, Miguel Simón, Horacio Banegas, José y Elpidio Herrera, entre otros, ha compuesto temas que figuran en el repertorio de encumbrados artistas.
Los títulos mas conocidos son: Entra a mi Hogar, Hermano Kakuy, Para los Ojos más Bellos, Me basta con eso, La mesa, Sembremos la Chacarera, etc. Además compuso la obra integral de La Misa Santiagueña y su complemento La Navidad Sachera (del monte) junto a Horacio Banegas , Los Sin Nombre y Elpidio Herrera, dedicada a exaltar la religiosidad del pueblo santiagueño.
En su vida profesional, además de sus composiciones, trabajó como docente en escuelas Rurales, conduce en LV11, emisora de Santiago del Estero, el programa "Santiago, Guitarra y Copla", con el que ganó el "Martín Fierro" y el "Santa Clara de Asís", entre otros premios.
También es director de la revista del mismo nombre que se distribuye a nivel nacional.
Carlos Carabajal murió el 24 de agosto de 2006 tras agravarse el cuadro clínico del folclorista, señala un breve parte ofrecido por los médicos de un sanatorio de la capital santiagueña.

Temas
01 - Y mis sueños
02 - Entre a mi pago sin golpear
03 - Dije que no i' de volver
04 - Sendero de sol
05 - Mañana
06 - Algarrobo y sentimiento
07 - El gato de Carlos
08 - La del olvido
09 - Dejame que me vaya
10 - Oh mujer
11 - Chacarera del Tucu
12 - Vidala de Chuquis
13 - Alma chayuera
14 - Desde el puente carretero
15 - El gato negro

Como no encontré ningún viedo de Don Carlos Carabajal,subí éste que es de su hijo Peteco Carabajal y Omero Carabajal.



CARLOS CARABAJAL - Y MIS SUEÑOS...
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CARLOS CARABAJAL - Y MIS SUEÑOS...[ARGENTINA]

Santiagueño nacido en Quimili, Carlos Carabajal, es uno de los más reconocidos autores del folclore Argentino, junto a compositores de la talla de Peteco, Carlos, Cuti, Kali, Walter y Musha Carabajal, Jacinto Piedra, Miguel Simón, Horacio Banegas, José y Elpidio Herrera, entre otros, ha compuesto temas que figuran en el repertorio de encumbrados artistas.
Los títulos mas conocidos son: Entra a mi Hogar, Hermano Kakuy, Para los Ojos más Bellos, Me basta con eso, La mesa, Sembremos la Chacarera, etc. Además compuso la obra integral de La Misa Santiagueña y su complemento La Navidad Sachera (del monte) junto a Horacio Banegas , Los Sin Nombre y Elpidio Herrera, dedicada a exaltar la religiosidad del pueblo santiagueño.
En su vida profesional, además de sus composiciones, trabajó como docente en escuelas Rurales, conduce en LV11, emisora de Santiago del Estero, el programa "Santiago, Guitarra y Copla", con el que ganó el "Martín Fierro" y el "Santa Clara de Asís", entre otros premios.
También es director de la revista del mismo nombre que se distribuye a nivel nacional.
Carlos Carabajal murió el 24 de agosto de 2006 tras agravarse el cuadro clínico del folclorista, señala un breve parte ofrecido por los médicos de un sanatorio de la capital santiagueña.

Temas
01 - Y mis sueños
02 - Entre a mi pago sin golpear
03 - Dije que no i' de volver
04 - Sendero de sol
05 - Mañana
06 - Algarrobo y sentimiento
07 - El gato de Carlos
08 - La del olvido
09 - Dejame que me vaya
10 - Oh mujer
11 - Chacarera del Tucu
12 - Vidala de Chuquis
13 - Alma chayuera
14 - Desde el puente carretero
15 - El gato negro

Como no encontré ningún viedo de Don Carlos Carabajal,subí éste que es de su hijo Peteco Carabajal y Omero Carabajal.



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LA COLIFATA - SIEMPRE FUI LOCO [ARGENTINA]

LT22 Radio La Colifata del Borda, una radio realizada íntegramente por los internos del Hospital Neurosiquiátrico José Borda”, dice la voz de Lalo Mir, presentador oficial de la radio. La Colifata se escucha desde hace 9 años en el 100.1 FM del dial. Y la emisión se ha convertido en un ritual sabatino que comienza cerca de las tres de la tarde y se va con el comienzo de la oscuridad. Pero la radio también puede escucharse en vivo visitando el neurosiquiátrico ubicado en Ramón Castillo 375. La programación está hecha por los internos del hospital y tiene momentos poéticos, debates políticos, programas deportivos, reflexiones y contestaciones a los mensajes enviados a su e-mail.
La programación queda prolijamente anotada en una pizarra apoyada contra un árbol cada vez que alguien pide participar. Alfredo Olivera, quien oficia de operador, explica: “Cada sábado es un ritual en donde los internos construyen el espacio. Eso tiene un correlato en la psiquis de cada uno, porque es algo que construyen ellos. Y ése es nuestro laburo como profesionales, queremos rescatar el hecho de que ellos hablen en nombre propio desde la alegría y la creatividad. Y lo que a ellos les entusiasma es que en los oyentes hay una respuesta increíble”.
ESTE CD FUE GRABADO POR MANU CHAO Y OTRAS BANDAS EN HOMENAJE A LOS INTERNOS DEL HOSPITAL BORDA!!!
LA COLIFATA ES LA PRIMER RADIO EN TRANSMITIR DESDE UN HOSPITAL NEUROPSIQUIATRICO Y SUS INTERNOS SON LAS ESTRELLAS DE ESTE GRAN PROYECTO!!
" LOS HOSPITALES PSIQUIATRICOS SON PEORES QUE LAS ENFERMEDADES MENTALES" (Palabras de un interno)

Temas
01- Sativa Reggae - Musha Taladradora
02- Che Sudaka - Sin Papeles
03- Piratas Urbanos - Makach Wilma
04- Malaya - El Diablo
05- Des+Karadas - Antifascista
06- Placton - Placton
07- Gaia Stalla - Palabras
08- 50 Hz - Por 20 Duros
09- Palo Q Sea - Chande La Canoa
10- Costo Rico - Gitana
11- Alcohol Fino - Condenada
12- Golem - Sous La Pluie
13- Circo de Almas - Reggae Rambla
14- Robert Mitchum - Dinah
15- Mikilez - Poeta Pinton
16- Chiringo - Palomita Del Parque
17- Guandul - Mañanita
18- Manu Chao - Put It On
19- Golem - Salvavidas
20- 08001 - Araien
21- Audio - The Tema



LA COLIFATA - SIEMPRE FUÍ LOCO
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LA COLIFATA - SIEMPRE FUI LOCO [ARGENTINA]

LT22 Radio La Colifata del Borda, una radio realizada íntegramente por los internos del Hospital Neurosiquiátrico José Borda”, dice la voz de Lalo Mir, presentador oficial de la radio. La Colifata se escucha desde hace 9 años en el 100.1 FM del dial. Y la emisión se ha convertido en un ritual sabatino que comienza cerca de las tres de la tarde y se va con el comienzo de la oscuridad. Pero la radio también puede escucharse en vivo visitando el neurosiquiátrico ubicado en Ramón Castillo 375. La programación está hecha por los internos del hospital y tiene momentos poéticos, debates políticos, programas deportivos, reflexiones y contestaciones a los mensajes enviados a su e-mail.
La programación queda prolijamente anotada en una pizarra apoyada contra un árbol cada vez que alguien pide participar. Alfredo Olivera, quien oficia de operador, explica: “Cada sábado es un ritual en donde los internos construyen el espacio. Eso tiene un correlato en la psiquis de cada uno, porque es algo que construyen ellos. Y ése es nuestro laburo como profesionales, queremos rescatar el hecho de que ellos hablen en nombre propio desde la alegría y la creatividad. Y lo que a ellos les entusiasma es que en los oyentes hay una respuesta increíble”.
ESTE CD FUE GRABADO POR MANU CHAO Y OTRAS BANDAS EN HOMENAJE A LOS INTERNOS DEL HOSPITAL BORDA!!!
LA COLIFATA ES LA PRIMER RADIO EN TRANSMITIR DESDE UN HOSPITAL NEUROPSIQUIATRICO Y SUS INTERNOS SON LAS ESTRELLAS DE ESTE GRAN PROYECTO!!
" LOS HOSPITALES PSIQUIATRICOS SON PEORES QUE LAS ENFERMEDADES MENTALES" (Palabras de un interno)

Temas
01- Sativa Reggae - Musha Taladradora
02- Che Sudaka - Sin Papeles
03- Piratas Urbanos - Makach Wilma
04- Malaya - El Diablo
05- Des+Karadas - Antifascista
06- Placton - Placton
07- Gaia Stalla - Palabras
08- 50 Hz - Por 20 Duros
09- Palo Q Sea - Chande La Canoa
10- Costo Rico - Gitana
11- Alcohol Fino - Condenada
12- Golem - Sous La Pluie
13- Circo de Almas - Reggae Rambla
14- Robert Mitchum - Dinah
15- Mikilez - Poeta Pinton
16- Chiringo - Palomita Del Parque
17- Guandul - Mañanita
18- Manu Chao - Put It On
19- Golem - Salvavidas
20- 08001 - Araien
21- Audio - The Tema



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ANGELA TULLIDA - TRIPASCORAZON [Argentina]

Ángela Tullida se formó a principios de la década del 90, realizando shows en diferentes escenarios de Buenos Aires. Con un sonido post punk - dark con claras influencias de Joy Division & Bauhaus, llegaron en 1994 a grabar una primera producción, la cual fue realizada en forma independiente y editada en formato de cassette. Hacia 1997 la banda da un viraje a su propuesta, acercándose a un sonido mas acústico y obscuro, tomando influencias del Tango y otros estilos urbanos.

En 2000 editó, también en forma independiente, su cd homónimo "Ángela Tullida" el cual es bien recibido por el público y la crítica especializada. Ya en 2004 luego de muchos shows en Buenos Aires, Rosario y Montevideo (Uruguay) editan su segundo material "Miseria" (tambien autogestionado por la banda) el cual afianza el camino emprendido por "Los Tullidos".

Temas
1-Tumba carnero (2:31)
2-CabareT (5:31)
3-Vieja loca(4:31)
4-Clavel(6:12)
5-Aracrata(2:43)
6-...(2:41)
7-Tripas corazon(2:04)
8-Carancanfunfa(4:55)
9-Adelante y suerte(4:13)
10-Federal(4:44)
11-Percal(3:24)
12-Estagiario(5:36)



ANGELA TULLIDA - TRIPASCORAZON
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ANGELA TULLIDA - TRIPASCORAZON [Argentina]

Ángela Tullida se formó a principios de la década del 90, realizando shows en diferentes escenarios de Buenos Aires. Con un sonido post punk - dark con claras influencias de Joy Division & Bauhaus, llegaron en 1994 a grabar una primera producción, la cual fue realizada en forma independiente y editada en formato de cassette. Hacia 1997 la banda da un viraje a su propuesta, acercándose a un sonido mas acústico y obscuro, tomando influencias del Tango y otros estilos urbanos.

En 2000 editó, también en forma independiente, su cd homónimo "Ángela Tullida" el cual es bien recibido por el público y la crítica especializada. Ya en 2004 luego de muchos shows en Buenos Aires, Rosario y Montevideo (Uruguay) editan su segundo material "Miseria" (tambien autogestionado por la banda) el cual afianza el camino emprendido por "Los Tullidos".

Temas
1-Tumba carnero (2:31)
2-CabareT (5:31)
3-Vieja loca(4:31)
4-Clavel(6:12)
5-Aracrata(2:43)
6-...(2:41)
7-Tripas corazon(2:04)
8-Carancanfunfa(4:55)
9-Adelante y suerte(4:13)
10-Federal(4:44)
11-Percal(3:24)
12-Estagiario(5:36)



ANGELA TULLIDA - TRIPASCORAZON
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I.K. Dairo M.B.E. & His Blue Spots - Ashiko [Nigeria]

El líder (y uno de los creadores) del sonido juju, IK Dairo (capitán del Imperio Británico) registró Ashiko en 1992 después de encontrar un público mayoritariamente dispuesto a escuchar su música mientras estaba de gira en los EE.UU. El concepto del álbum fue la de combinar viejos éxitos con canciones nuevas. En el momento de grabar el álbum, había estado tocando constantemente durante unos 35 años, y la experiencia demuestra que en el sonido. Esta el juju en uno de sus más altos niveles. Al usar sólo el núcleo de su banda Blue Spots, Dairo fue capaz de hacer una limpieza, un sonido vigoroso en muchas de sus obras mayores. Dairo toca sus instrumentos como de costumbre, el acordeón y la guitarra, así como la dundun (reloj de arena compresión de tambor), con el que es capaz de mantener tanto rítmica y líneas melódicas. El sonido en el álbum, sobre todo con los estilos de
guitarra, se parece como un predecesor al ritmo de Nairobi que ha salido después que el de Dairo (pero antes de este álbum, por supuesto). La música es increíblemente poderosa con un mínimo de instrumentos, y la influencia que ha tenido en Dairo los demás es aparente (King Sunny Ade, por una parte). las viejas grabaciones de Dairo pueden ser mejor para el juju puro, pero la calidad del sonido es a veces floja. Otras grabaciones finales, como I Remember, pueden tener una mejor calidad de sonido de estudio que las anteriores, pero no tienen la misma
energía que Dairo ha hecho de su música. Es un buen disco para los fans del juju, o para el caso, otros subgéneros de África - Nairobi beat, Chimurenga, etc
http://www.weblo.com/music/album/Ashiko/99378/

# Chief Isaiah Kehinde Dairo M.B.E.:
Accordion, Guitar, Dundun (talking drum), Lead Vocals
# Oluranti Dairo:
Akuba (African Congo Drum)
# Segun Isaac (I.K. Junior) Okere:
Shekere (shaker) Backing Vocals
# Kayode Sake Oladimeji:
Bass Guitar, Rhythm Guitar
# Joel Oladip Olowo-Okere:
Samba Drum, Backing Vocals, Hausa, Vocals on Yamanta
# Tajudeen Amoo Adeleke:
Adamo (talking drum)
# Mohammad Shaibu:
Rhythm Guitar on Ko Wa Jo

1 Ko Wa Jo [Come and Dance]

2 Okete [The Squirrel]

3 Fona Mi Han Mi [Show Me My Path]

4 Ekun Rere [All Charged Up]

5 Yamanta [Ladies and Gentleman]

6 Salome [A Woman's Name]

7 Daluno Adama [Hello Beautiful Daughter]

8 Mo Sorire [I Have Been Blessed]

Ashiko

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I.K. Dairo M.B.E. & His Blue Spots - Ashiko [Nigeria]

El líder (y uno de los creadores) del sonido juju, IK Dairo (capitán del Imperio Británico) registró Ashiko en 1992 después de encontrar un público mayoritariamente dispuesto a escuchar su música mientras estaba de gira en los EE.UU. El concepto del álbum fue la de combinar viejos éxitos con canciones nuevas. En el momento de grabar el álbum, había estado tocando constantemente durante unos 35 años, y la experiencia demuestra que en el sonido. Esta el juju en uno de sus más altos niveles. Al usar sólo el núcleo de su banda Blue Spots, Dairo fue capaz de hacer una limpieza, un sonido vigoroso en muchas de sus obras mayores. Dairo toca sus instrumentos como de costumbre, el acordeón y la guitarra, así como la dundun (reloj de arena compresión de tambor), con el que es capaz de mantener tanto rítmica y líneas melódicas. El sonido en el álbum, sobre todo con los estilos de
guitarra, se parece como un predecesor al ritmo de Nairobi que ha salido después que el de Dairo (pero antes de este álbum, por supuesto). La música es increíblemente poderosa con un mínimo de instrumentos, y la influencia que ha tenido en Dairo los demás es aparente (King Sunny Ade, por una parte). las viejas grabaciones de Dairo pueden ser mejor para el juju puro, pero la calidad del sonido es a veces floja. Otras grabaciones finales, como I Remember, pueden tener una mejor calidad de sonido de estudio que las anteriores, pero no tienen la misma
energía que Dairo ha hecho de su música. Es un buen disco para los fans del juju, o para el caso, otros subgéneros de África - Nairobi beat, Chimurenga, etc
http://www.weblo.com/music/album/Ashiko/99378/

# Chief Isaiah Kehinde Dairo M.B.E.:
Accordion, Guitar, Dundun (talking drum), Lead Vocals
# Oluranti Dairo:
Akuba (African Congo Drum)
# Segun Isaac (I.K. Junior) Okere:
Shekere (shaker) Backing Vocals
# Kayode Sake Oladimeji:
Bass Guitar, Rhythm Guitar
# Joel Oladip Olowo-Okere:
Samba Drum, Backing Vocals, Hausa, Vocals on Yamanta
# Tajudeen Amoo Adeleke:
Adamo (talking drum)
# Mohammad Shaibu:
Rhythm Guitar on Ko Wa Jo

1 Ko Wa Jo [Come and Dance]

2 Okete [The Squirrel]

3 Fona Mi Han Mi [Show Me My Path]

4 Ekun Rere [All Charged Up]

5 Yamanta [Ladies and Gentleman]

6 Salome [A Woman's Name]

7 Daluno Adama [Hello Beautiful Daughter]

8 Mo Sorire [I Have Been Blessed]

Ashiko

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Orchestra Baobab - Bamba [african, cuban]

Subido por Marhali.

La Orchestra Baobab, una de las más grandes orquestas de baile de todos los tiempos, presentó en 1980 Mouhamadou Bamba, su álbum más legendario perteneciente al que se considera su mejor período musical. Disco objeto de coleccionistas, Mouhamadou Bamba se encuentra entre los veinticinco mejores surgidos del continente y combina, de manera única, ritmos de son cubano con variadas melodías wolof y mandinka procedentes de Gambia, Senegal y Guinea, subrayando influencias jazzísticas de West Montgomery y roqueras de Carlos Santana.

Bamba recoge tanto los temas de Mouhamadou Bamba como del álbum Sibou Odia, editado en 1981.

01. Mouhamadou Bamba
02. Boulmamine
03. Ndiawolou
04. Doomou Baaye
05. Gnawou
06. Bon Bon I
07. Autorail
08. Sou Sedhiou
09. Ndiambaane
10. Dibou Odia

Bamba

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Orchestra Baobab - Bamba [african, cuban]

La Orchestra Baobab, una de las más grandes orquestas de baile de todos los tiempos, presentó en 1980 Mouhamadou Bamba, su álbum más legendario perteneciente al que se considera su mejor período musical. Disco objeto de coleccionistas, Mouhamadou Bamba se encuentra entre los veinticinco mejores surgidos del continente y combina, de manera única, ritmos de son cubano con variadas melodías wolof y mandinka procedentes de Gambia, Senegal y Guinea, subrayando influencias jazzísticas de West Montgomery y roqueras de Carlos Santana.

Bamba recoge tanto los temas de Mouhamadou Bamba como del álbum Sibou Odia, editado en 1981.

01. Mouhamadou Bamba
02. Boulmamine
03. Ndiawolou
04. Doomou Baaye
05. Gnawou
06. Bon Bon I
07. Autorail
08. Sou Sedhiou
09. Ndiambaane
10. Dibou Odia

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Baka Beyond - Eté [Inglaterra-Camerún]

Baka Beyond refleja la visión multicultural del ex-guitarrista de Outback Martin Cradick y su esposa. Una fusión de tradiciones musicales célticas y del Oeste de Africa, la banda representa una colaboración de músicos de Europa del Norte y del Oeste de Africa.

Cradick y Hart concibieron Baka Beyond poco después de la desintegración de Outback en 1992. Viajando a la selva tropical de Camerún, la pareja vivió con los pigmeos Baka y grabó su música. Una grabación, Heart of the Forest: The music of the Baka Forest people of Southeast Cameroon, fue lanzada el año siguiente. Se unieron al Violinista breton Paddy LeMercier; Cradick y Hart grabaron dos álbumes con los músicos de la tribu de Baka: Spirit of the Forest, lanzado en 1994; y The meeting pool, lanzado en octubre de 1995. El grupo continuó desarrollándose en su conjunto al viajar con la incorporación del percussionista Sagar N'Gom, ex-miembro de Outback; Tom Green al teclado, antes del Orb; el bateria Sam Pope; el bajista Marcus Pinto; y la vocalista Kate (Budd) Hardy. El album de Baka Beyond en 1998, Journey Beyond, fue su proyecto producido más elaborado que ofrecía a musicos invitados incluyendo al percussionista de la banda ghanesa Kakasitsi. Aunque la mayoría del álbum fue grabado en Inglaterra, los vocales africanos para dos canciones -- "Migrations" y "Konti" -- fueron grabadas mientras que Cradick, Hart y su hijo viajaban a través del Senegal.

El sonido de Baka Beyond's es una combinación de la música influenciada por el pueblo Baka de ritmos africanos y melodías célticas. Generalmente sus temas contienen fuertes ritmos, estilo de canto tradicional Baka e instrumentos exóticos, incluyendo marimba, djembe, ning nong, soga, kongoma, panlogo, tama, kalabash, y kora.

Temas
1. Baka Beyond - Jali (5:18)
2. Baka Beyond - Anye Mi (6:33)
3. Baka Beyond - Bwambwa (5:01)
4. Baka Beyond - Nafoulo (6:48)
5. Baka Beyond - Eté (4:53)
6. Baka Beyond - Wasso (5:21)
7. Baka Beyond - Kapetia (9:36)
8. Baka Beyond - Fula (7:03)



BAKA BEYOND - ETÉ

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Baka Beyond - Eté [Inglaterra-Camerún]

Baka Beyond refleja la visión multicultural del ex-guitarrista de Outback Martin Cradick y su esposa. Una fusión de tradiciones musicales célticas y del Oeste de Africa, la banda representa una colaboración de músicos de Europa del Norte y del Oeste de Africa.

Cradick y Hart concibieron Baka Beyond poco después de la desintegración de Outback en 1992. Viajando a la selva tropical de Camerún, la pareja vivió con los pigmeos Baka y grabó su música. Una grabación, Heart of the Forest: The music of the Baka Forest people of Southeast Cameroon, fue lanzada el año siguiente. Se unieron al Violinista breton Paddy LeMercier; Cradick y Hart grabaron dos álbumes con los músicos de la tribu de Baka: Spirit of the Forest, lanzado en 1994; y The meeting pool, lanzado en octubre de 1995. El grupo continuó desarrollándose en su conjunto al viajar con la incorporación del percussionista Sagar N'Gom, ex-miembro de Outback; Tom Green al teclado, antes del Orb; el bateria Sam Pope; el bajista Marcus Pinto; y la vocalista Kate (Budd) Hardy. El album de Baka Beyond en 1998, Journey Beyond, fue su proyecto producido más elaborado que ofrecía a musicos invitados incluyendo al percussionista de la banda ghanesa Kakasitsi. Aunque la mayoría del álbum fue grabado en Inglaterra, los vocales africanos para dos canciones -- "Migrations" y "Konti" -- fueron grabadas mientras que Cradick, Hart y su hijo viajaban a través del Senegal.

El sonido de Baka Beyond's es una combinación de la música influenciada por el pueblo Baka de ritmos africanos y melodías célticas. Generalmente sus temas contienen fuertes ritmos, estilo de canto tradicional Baka e instrumentos exóticos, incluyendo marimba, djembe, ning nong, soga, kongoma, panlogo, tama, kalabash, y kora.

Temas
1. Baka Beyond - Jali (5:18)
2. Baka Beyond - Anye Mi (6:33)
3. Baka Beyond - Bwambwa (5:01)
4. Baka Beyond - Nafoulo (6:48)
5. Baka Beyond - Eté (4:53)
6. Baka Beyond - Wasso (5:21)
7. Baka Beyond - Kapetia (9:36)
8. Baka Beyond - Fula (7:03)



BAKA BEYOND - ETÉ

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Los Andariegos - Madre Luz Latinoamérica [ ARGENTINA]

Los Andariegos nacen en San Rafael, Mendoza en 1954. Sus fundadores fueron: Pedro Floreal Cladera (Chacho Santa Cruz), Rafael Tapia, Juan Carlos Rodriguez, Angel Ritrovano (Cacho Ritro), Abel Gonzalez y Francisco Gimenez.

Trabajaron armonías con terceras, cuartas y quintas, lo que fué una revolución, ya que en esa época (los '50), los grupos armonizaban sólo con primeras y segundas voces. A fines de 1959, se aleja Chacho y tiempo después ingresa Raul Mercado.En 1964 se aleja Abel Gonzalez y un año mas tarde Alberto Sará se incorpora en lugar de Juan Carlos Rodriguez.

Era época de largas temporadas en LR4 Radio Splendid y de largas giras por todo el país.El repertorio fué variando con el tiempo. Desde lo más tradicional y paisajístico hasta canciones de alto contenido social y testimonial, lo que trajo graves problemas a algunos de sus integrantes.Una de las últimas fomaciones conocidas fué la del '78 con Agustín Gomez, Caro Herrada, Hector Stafforini y Carlos Groisman.

La historia del silencio se vio, nuevamente derrotada, ante el surgimiento de Los Andariegos, pues este conjunto vocal, alcanzó el secreto del canto de la sirena varada, y logró incorporar al coro popular, la armonización con terceras, cuartas y quintas voces, lo que fue toda una trasgresión, dado que por entonces, la lucha contra el silencio, se libraba sólo con primeras y segundas

Un año antes de que se iniciara la gloriosa década del sesenta, aquella que cambiara el mundo, aquella en la que Berni, Cortázar, Borges, Piazzolla, y Yupanqui, le ofrecieran al universo, la acuarela de palabras y sonidos que es nuestra patria, Los Andariegos sufren una modificación importante: su fundador, Chacho Santa Cruz, se aleja del conjunto vocal


Las voces cambian, el elenco de Los Andariegos se modifica, ingresa Raúl Mercado y Alberto Sará; se alejan Abel González y Juan Carlos Rodríguez; pero más allá de estos datos enciclopédicos, cabe señalar que este conjunto vocal, logró que su canto se confundiera con la fragancia de infancia, que su canto irrumpiera en los sórdida tarde de los pabellones, en las solitarias noches de los hospitales, en ese país que somos en la melancolía

A orillas de esta Argentina llena de contradicciones, poblada de carencias, y a la vez colmada de riquezas, muchas voces unidas lograron un gran canto, el himno andariego.Luego, el repertorio del conjunto vocal adquirió un matiz testimonial, que hizo que sus integrantes fueran perseguidos por los célebres administradores del silencio

El poeta español Luis Rosales, sostenía que todo asombro profundo se convierte en milagro, Los Andariegos a fuerza de canto profundo, convirtieron al antiguo silencio de las comarcas, en el milagro de la canción popular

Este homenaje a una casta de mi pais que en epocas dificiles y peligrosas,aún arriesgando sus vidas ,no se callaron,no se vendieron y con ese mismo espiritu de lucha igual consiguieron cantar como los dioses. maria antonieta

Temas:

01 - Luna tucumana
02 - La olvidada
03 - Dos palomitas
04 - Subo
05 - Oración a la vida
06 - Madre luz Latinoamérica
07 - Sikus al viento
08 - Iberindia
09 - Canto gregoriano
10 - Las doctrinas de Yaví
11 - El despertar de la quena
12 - Hermandad en seis por ocho
13 - Madre luz Latinoamérica (final)



MADRE LUZ LATINOAMERICA
subido por maria antonieta

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Los Andariegos - Madre Luz Latinoamérica [ ARGENTINA]

Los Andariegos nacen en San Rafael, Mendoza en 1954. Sus fundadores fueron: Pedro Floreal Cladera (Chacho Santa Cruz), Rafael Tapia, Juan Carlos Rodriguez, Angel Ritrovano (Cacho Ritro), Abel Gonzalez y Francisco Gimenez.

Trabajaron armonías con terceras, cuartas y quintas, lo que fué una revolución, ya que en esa época (los '50), los grupos armonizaban sólo con primeras y segundas voces. A fines de 1959, se aleja Chacho y tiempo después ingresa Raul Mercado.En 1964 se aleja Abel Gonzalez y un año mas tarde Alberto Sará se incorpora en lugar de Juan Carlos Rodriguez.

Era época de largas temporadas en LR4 Radio Splendid y de largas giras por todo el país.El repertorio fué variando con el tiempo. Desde lo más tradicional y paisajístico hasta canciones de alto contenido social y testimonial, lo que trajo graves problemas a algunos de sus integrantes.Una de las últimas fomaciones conocidas fué la del '78 con Agustín Gomez, Caro Herrada, Hector Stafforini y Carlos Groisman.

La historia del silencio se vio, nuevamente derrotada, ante el surgimiento de Los Andariegos, pues este conjunto vocal, alcanzó el secreto del canto de la sirena varada, y logró incorporar al coro popular, la armonización con terceras, cuartas y quintas voces, lo que fue toda una trasgresión, dado que por entonces, la lucha contra el silencio, se libraba sólo con primeras y segundas

Un año antes de que se iniciara la gloriosa década del sesenta, aquella que cambiara el mundo, aquella en la que Berni, Cortázar, Borges, Piazzolla, y Yupanqui, le ofrecieran al universo, la acuarela de palabras y sonidos que es nuestra patria, Los Andariegos sufren una modificación importante: su fundador, Chacho Santa Cruz, se aleja del conjunto vocal


Las voces cambian, el elenco de Los Andariegos se modifica, ingresa Raúl Mercado y Alberto Sará; se alejan Abel González y Juan Carlos Rodríguez; pero más allá de estos datos enciclopédicos, cabe señalar que este conjunto vocal, logró que su canto se confundiera con la fragancia de infancia, que su canto irrumpiera en los sórdida tarde de los pabellones, en las solitarias noches de los hospitales, en ese país que somos en la melancolía

A orillas de esta Argentina llena de contradicciones, poblada de carencias, y a la vez colmada de riquezas, muchas voces unidas lograron un gran canto, el himno andariego.Luego, el repertorio del conjunto vocal adquirió un matiz testimonial, que hizo que sus integrantes fueran perseguidos por los célebres administradores del silencio

El poeta español Luis Rosales, sostenía que todo asombro profundo se convierte en milagro, Los Andariegos a fuerza de canto profundo, convirtieron al antiguo silencio de las comarcas, en el milagro de la canción popular

Este homenaje a una casta de mi pais que en epocas dificiles y peligrosas,aún arriesgando sus vidas ,no se callaron,no se vendieron y con ese mismo espiritu de lucha igual consiguieron cantar como los dioses. maria antonieta

Temas:

01 - Luna tucumana
02 - La olvidada
03 - Dos palomitas
04 - Subo
05 - Oración a la vida
06 - Madre luz Latinoamérica
07 - Sikus al viento
08 - Iberindia
09 - Canto gregoriano
10 - Las doctrinas de Yaví
11 - El despertar de la quena
12 - Hermandad en seis por ocho
13 - Madre luz Latinoamérica (final)



MADRE LUZ LATINOAMERICA
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Rodrigo Leão - PORTUGAL, UM RETRATO SOCIAL [Portugal]

De vuelta a las bandas sonoras, Rodrigo Leão retoma el camino de la música instrumental en un disco de escenarios variados pero siempre bellos.

"Portugal, um retrato social" es la banda sonora original compuesta por Rodrigo Leão de la serie de televisión, escrita por Antonio Baker e interpretada por Joana Pontes. Sin recurrir a canciones ni voces, el formato instrumental se explica fácilmente.

En total son dieciocho apuntes que remiten a un imaginario citadino y cosmopolita, ya que recrea la serie, pero ahora sin imágenes reales. "Portugal, um retrato social" no apela al sueño, pero sí a la capacidad de resumir la sociedad en mil y una caras.

Si 'Cinema', de 2004, mostraba ya un Rodrigo Leão vuelto a las imágenes que pasaban en su cabeza, esta banda sonora como que concretiza el deseo de musicalizar retratos con la carga dramática que se le conoce, o no sería el más importantes compositor contemporáneo nacional.

Rodrigo Leão no cambia el estilo de composición que ya le conocíamos anteriormente, pero une el alma pop a una personalidad instrumental indiscutible. En el disco, va directamente al grano sin grades rodeos lo que lo torna realmente agradable. (Traducción libre: Guayacas)

(http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?section_id=2&id_news=26667&page=0)

Pistas:

01. Gente diferente
02. Mudar
03. As cidades
04. Cidadãos 01
05. Nós e os Outros
06. A escola
07. Os portugueses
08. Cidadãos
09. Mudar 01
10. Gente diferente 01
11. O café dos imigrantes
12. As cidades 01
13. Retratos
14. Nós e os outros 01
15. Um País como os outros
16. Mudar 02
17. Retratos 01
18. Os portugueses






RODRIGO LEÃO

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Rodrigo Leão - PORTUGAL, UM RETRATO SOCIAL [Portugal]

De vuelta a las bandas sonoras, Rodrigo Leão retoma el camino de la música instrumental en un disco de escenarios variados pero siempre bellos.

"Portugal, um retrato social" es la banda sonora original compuesta por Rodrigo Leão de la serie de televisión, escrita por Antonio Baker e interpretada por Joana Pontes. Sin recurrir a canciones ni voces, el formato instrumental se explica fácilmente.

En total son dieciocho apuntes que remiten a un imaginario citadino y cosmopolita, ya que recrea la serie, pero ahora sin imágenes reales. "Portugal, um retrato social" no apela al sueño, pero sí a la capacidad de resumir la sociedad en mil y una caras.

Si 'Cinema', de 2004, mostraba ya un Rodrigo Leão vuelto a las imágenes que pasaban en su cabeza, esta banda sonora como que concretiza el deseo de musicalizar retratos con la carga dramática que se le conoce, o no sería el más importantes compositor contemporáneo nacional.

Rodrigo Leão no cambia el estilo de composición que ya le conocíamos anteriormente, pero une el alma pop a una personalidad instrumental indiscutible. En el disco, va directamente al grano sin grades rodeos lo que lo torna realmente agradable. (Traducción libre: Guayacas)

(http://diariodigital.sapo.pt/disco_digital/news.asp?section_id=2&id_news=26667&page=0)

Pistas:

01. Gente diferente
02. Mudar
03. As cidades
04. Cidadãos 01
05. Nós e os Outros
06. A escola
07. Os portugueses
08. Cidadãos
09. Mudar 01
10. Gente diferente 01
11. O café dos imigrantes
12. As cidades 01
13. Retratos
14. Nós e os outros 01
15. Um País como os outros
16. Mudar 02
17. Retratos 01
18. Os portugueses






RODRIGO LEÃO

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NESTOR GARNICA - AVES DE LIBERTAD [ARGENTINA]

Néstor Garnica (n. en La Banda, Santiago del Estero, en 1973) es un reconocido violinista y cantante argentino de folclore.

Comienza a tocar el violín a la edad de 12 años, luego gana como solista instrumental en el Festival de La Cumbre (provincia de Córdoba), y más tarde viaja a Buenos Aires, donde graba con Los Manseros Santiagueños, Cuti y Roberto Carabajal, y Peteco Carabajal, entre otros.

En el año 1990 gana como solista instrumental en el Festival de Cosquín, esta vez con su grupo. Con esta formación recorre Chile, Bolivia, Uruguay, Paraguay, Brasil, México y Perú pregonando la música de su país, hasta el año 1993 que viaja a Europa para seguir sus estudios y realizar presentaciones en distintos países, especialmente en Alemania y Holanda.

En 2004 presenta su espectáculo "La Fiesta del violinero" en el escenario mayor del Festival de Cosquín, donde fue distinguido con el premio Relevación, y el Festival del Malambo de Laborde.
Comenzó sus estudios de la mano de Fernando Matos, aprendiendo a leer la música que había interpretaba como autodidacta con amigos, familiares, como generalmente pasa en una provincia como Santiago del Estero, escuchando a los guitarreros del lugar. Esto le permitió llegar a la Universidad de Tucumán donde tomó clases con Carlos Del Lungo, hoy concertino de la orquesta que depende de dicha Universidad. Dicha orquesta lo convoca a integrarse, y poco tiempo después gana una beca para realizar estudios en Alemania en la Universidad de Colonia. Después logra el pase para seguir estudiando en el conservatorio de Rotterdam en Holanda, donde reside durante cinco años, formando parte de la Filarmónica de esta ciudad por dos años, realizando giras por toda Europa.

Temas:
01 - Aves de libertad
02 - De sueños y de dueños
03 - El burro
04 - La 7 de abril
05 - La carbonera
06 - La carbonera 2
07 - La pastorcita del sol
08 - Por eso camino
09 - Porque estas aqui
10 - El remolino
11 - En la ceniza de una flor
12 - La banda
13 - Si vuelves
14 - Solo tu voz



NESTOR GARNICA - AVES DE LIBERTAD

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NESTOR GARNICA - AVES DE LIBERTAD [ARGENTINA]

Néstor Garnica (n. en La Banda, Santiago del Estero, en 1973) es un reconocido violinista y cantante argentino de folclore.

Comienza a tocar el violín a la edad de 12 años, luego gana como solista instrumental en el Festival de La Cumbre (provincia de Córdoba), y más tarde viaja a Buenos Aires, donde graba con Los Manseros Santiagueños, Cuti y Roberto Carabajal, y Peteco Carabajal, entre otros.

En el año 1990 gana como solista instrumental en el Festival de Cosquín, esta vez con su grupo. Con esta formación recorre Chile, Bolivia, Uruguay, Paraguay, Brasil, México y Perú pregonando la música de su país, hasta el año 1993 que viaja a Europa para seguir sus estudios y realizar presentaciones en distintos países, especialmente en Alemania y Holanda.

En 2004 presenta su espectáculo "La Fiesta del violinero" en el escenario mayor del Festival de Cosquín, donde fue distinguido con el premio Relevación, y el Festival del Malambo de Laborde.
Comenzó sus estudios de la mano de Fernando Matos, aprendiendo a leer la música que había interpretaba como autodidacta con amigos, familiares, como generalmente pasa en una provincia como Santiago del Estero, escuchando a los guitarreros del lugar. Esto le permitió llegar a la Universidad de Tucumán donde tomó clases con Carlos Del Lungo, hoy concertino de la orquesta que depende de dicha Universidad. Dicha orquesta lo convoca a integrarse, y poco tiempo después gana una beca para realizar estudios en Alemania en la Universidad de Colonia. Después logra el pase para seguir estudiando en el conservatorio de Rotterdam en Holanda, donde reside durante cinco años, formando parte de la Filarmónica de esta ciudad por dos años, realizando giras por toda Europa.

Temas:
01 - Aves de libertad
02 - De sueños y de dueños
03 - El burro
04 - La 7 de abril
05 - La carbonera
06 - La carbonera 2
07 - La pastorcita del sol
08 - Por eso camino
09 - Porque estas aqui
10 - El remolino
11 - En la ceniza de una flor
12 - La banda
13 - Si vuelves
14 - Solo tu voz



NESTOR GARNICA - AVES DE LIBERTAD

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La Milpa - En la Peña [México]

La Milpa es un grupo de música tradicional mexicana creado en 1992 en la Ciudad de México. Su principal propósito a lo largo de su carrera ha sido promover y difundir los diversos géneros de la música tradicional mexicana. Sus integrantes son docentes de música y danza en instituciones de la Secretaría de Educación Pública y del Gobierno del Distrito Federal.

Entre los estímulos que ha obtenido destacan la beca del Programa de Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias (1999) y los reconocimientos otorgados por la Casa de la Cultura de Tamaulipas, A.C., el Ayuntamiento de Yecapixtla, Morelos, y el Ayuntamiento de Tixtla, Guerrero (todos en 2001).

La Milpa ha asesorado y musicalizado el trabajo de diferentes compañías de danza folclórica en la UNAM, UAM, INBA y la Escuela Nacional de Maestros. El grupo también ha participado en festivales internacionales de folclor en varios países del mundo como son: Perú, Estados Unidos, Canadá, Turquía, Francia, Escocia, Hungría, Bélgica, Italia, Grecia y España.

Ha participado en Radio ABC Internacional, Radio Educación, Radio UNAM, XEB, Radio Ciudadana y XEW; en Televisa, EDUSART, Canal 3 de televisión Francesa y canal 6 de Grecia. Con apoyo de CONACULTA presenta desde 2004 el Programa ¡Nuestro México Sonoro! para el Programa Alas y Raíces a los Niños.

Ha grabado los discos Raíces musicales de México I (1996), Música tradicional de Durango (1999), Boda nayarita (2001), Raíces musicales de México II (2002) y La Milpa en la peña.

Aviso:
Este disco es una muestra de música tradicional y cien por ciento mexicana, por lo que algunas letras incluyen dobles sentidos (albures) o palabras altisonantes, siendo parte importante de nuestra cultura.

Integrantes
Román Rodríguez Bejarano
Gonzalo Rodríguez Bejarano
Mauricio Estrada Hernández
Juan Manuel Sánchez Juárez
Isabel López Aguilar
Raúl Bedolla Reyes
Javier Rocha Ávalos

Correo Electrónico
grupolamilpa@hotmail.com

Temas

Tierra Mestiza - 3:56
Serenata Huasteca y Cielito Lindo - 4:33
La Bruja - 3:09
El Querreque - 4:08
Serenata sin Luna - 3:28
El Sube y Baja - 2:36
La Bamba - 3:30
El Burro - 2:36
La Equivocación - 3:56
La Malagueña - 3:52
Échale un Quinto al Piano - 3:28
El Tren - 3:28



La Milpa - En la Peña

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La Milpa - En la Peña [México]

La Milpa es un grupo de música tradicional mexicana creado en 1992 en la Ciudad de México. Su principal propósito a lo largo de su carrera ha sido promover y difundir los diversos géneros de la música tradicional mexicana. Sus integrantes son docentes de música y danza en instituciones de la Secretaría de Educación Pública y del Gobierno del Distrito Federal.

Entre los estímulos que ha obtenido destacan la beca del Programa de Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias (1999) y los reconocimientos otorgados por la Casa de la Cultura de Tamaulipas, A.C., el Ayuntamiento de Yecapixtla, Morelos, y el Ayuntamiento de Tixtla, Guerrero (todos en 2001).

La Milpa ha asesorado y musicalizado el trabajo de diferentes compañías de danza folclórica en la UNAM, UAM, INBA y la Escuela Nacional de Maestros. El grupo también ha participado en festivales internacionales de folclor en varios países del mundo como son: Perú, Estados Unidos, Canadá, Turquía, Francia, Escocia, Hungría, Bélgica, Italia, Grecia y España.

Ha participado en Radio ABC Internacional, Radio Educación, Radio UNAM, XEB, Radio Ciudadana y XEW; en Televisa, EDUSART, Canal 3 de televisión Francesa y canal 6 de Grecia. Con apoyo de CONACULTA presenta desde 2004 el Programa ¡Nuestro México Sonoro! para el Programa Alas y Raíces a los Niños.

Ha grabado los discos Raíces musicales de México I (1996), Música tradicional de Durango (1999), Boda nayarita (2001), Raíces musicales de México II (2002) y La Milpa en la peña.

Aviso:
Este disco es una muestra de música tradicional y cien por ciento mexicana, por lo que algunas letras incluyen dobles sentidos (albures) o palabras altisonantes, siendo parte importante de nuestra cultura.

Integrantes
Román Rodríguez Bejarano
Gonzalo Rodríguez Bejarano
Mauricio Estrada Hernández
Juan Manuel Sánchez Juárez
Isabel López Aguilar
Raúl Bedolla Reyes
Javier Rocha Ávalos

Correo Electrónico
grupolamilpa@hotmail.com

Temas

Tierra Mestiza - 3:56
Serenata Huasteca y Cielito Lindo - 4:33
La Bruja - 3:09
El Querreque - 4:08
Serenata sin Luna - 3:28
El Sube y Baja - 2:36
La Bamba - 3:30
El Burro - 2:36
La Equivocación - 3:56
La Malagueña - 3:52
Échale un Quinto al Piano - 3:28
El Tren - 3:28



La Milpa - En la Peña

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Rodrigo y Gabriela - 11:11 [México]

Rodrigo (Sánchez) y Gabriela (Quintero) son dos guitarristas mexicanos establecidos en Dublín poseedores de un sonido único creado en sus guitarras acústicas. Su música es difícil de definir; involucrando rock and roll, mezclándose con influencias clásicas y españolas. El fuego interior viene de una pasión de toda la vida por la música metalera. Esta primavera; el álbum “Rodrigo y Gabriela” desbancó a los Arctic Monkeys y a Johnny Cash del primer lugar en las listas de popularidad en Irlanda.

Rodrigo es un hábil requintista que se puede desplazar de una gran velocidad a un sensual movimiento en un solo traste, mientras que Gabriela emplea rápidas técnicas rítmicas. Sus percusiones en las cuerdas y en la caja de la guitarra nos lleva inevitablemente a la comparación con el flamenco – el cuál lo reconocen como una influencia únicamente. El repertorio del dúo va más allá de los estilos folkóricos latinos debido al nexo con el metal: no se debe uno perder sus covers “Stariway to Heaven” de Led Zepellin y “Orion” de Metallica, y en “Ixtapa” , la presencia del ardiente violinista gitano Roby Lakatos es deleitable.

Rodrigo y Gabriela se conocieron de adolescentes en la Casa de la Cultura en la Ciudad de México en donde el hermano de Rodrigo era el Director. Rodrigo tocaba la batería – algo que nunca le dijo a Gabriela, y formaron Tierra Ácida , donde ella se les unió en la guitarra. Se identificaron al instante; ambos adolescentes reprobaron el examen del Conservatorio y empezaron a tocar rock. Antes de unirse a Tierra Ácida, Gabriela estuvo en tres grupos de chicas: “Las Brujas”, “Subterráneo” y “Las Hormigas” al mismo tiempo, “Tierra Ácida” tenía una ética de trabajo disciplinado: “ Era mental, “ recuerda, “ ensayábamos cinco horas diarias todos los días con descansos muy cortos y casi sin hablar.”

“Tierra Ácida” tocaba en los antros más escabrosos de la Ciudad de México y vivían de trabajos diurnos (Gabriela enseñaba tonadas de Metallica a vecinos y Rodrigo hacía música para programas de un canal de TV). Grabaron un disco pero no pudieron firmar el contrato, así que se concentraron en aprender más estilos. De hecho, solían vagar con amigos y sobrevivían tocando bossa novas en bares de hoteles. “Entonces fue cuando decidimos viajar a Europa.”

Su primer punto de llegada fue Dublín , Irlanda. “Era el lugar más desconocido para nosotros”, explica Gabriela, la más comunicativa. “ Una chica mexicana nos ofreció su casa allá.” Llegaron a Dublín de noche, sin hablar nada de inglés y entre los 2 tenían 1,000 dlls. En la puerta de la chica encontraron una nota que decía que lo sentía pero que no se podían quedar ahí, así que tomaron un taxi que los llevó durante toda la noche de hotel a hotel.

Finalmente rentaron un lugar y el dinero pronto se acabó. “Así que tuvimos que tocar en las calles.”

Era 1999:”Eramos unos especímenes muy exóticos!”. Se hicieron pronto de reputación y trabajaban en fiestas familiares, bodas y en galerías; tocando covers y composiciones propias, “ Todavía queríamos componer música metalera, pero todo lo que llegaba era latino!”

Entonces Dublín estaba en auge con festivales de música y galerías y con una floreciente escena para el rock; y los dos mexicanos se codeaban con músicos locales en los bares. En invierno se mudaron a Dinamarca y comenzaron de nuevo – esta vez tocando en las calles a -3 grados! La breve experiencia en Copenhagen fue la inspiración para dos piezas del álbum: “Diablo Rojo” una temible montaña rusa de la ciudad, y “Viking Man”, el apodo de un vagabundo de quien se hicieron amigos y quien los impulsó a tocar en las calles heladas.

Después llegaron a Barcelona, pero en esta ocasión los dueños del club asumieron que tocaban música de mariachi y no les permitieron tocar en su estilo único, así que Rodrigo y Gabriela terminaron en la calle principal Las Ramblas causando un gran alboroto con la policía catalana. Justo a tiempo llegó una llamada de Irlanda pidiéndoles que regresaran y tocaran en el recién abierto Sugar Club. Damián Rice, un amigo que entonces también tocaba en las calles, los invitó a abrir sus shows, y en 2003 grabaron “Re-Foc”, y un año después “Live Manchester and Dublin” , los cuáles los llevaron a entrar al circuito musical mundial – y más allá.

Pistas:

01. Hanuman (de Carlos Santana)
02. Buster Voodoo (de Jimi Hendrix)
03. Triveni (de Le Trio Joubran)
04. Logos (de Al Di Meola)
05. Santo Domingo (de Michel Camilo)
06. Master Maqui (de Paco De Lucia, con Strunz & Farah)
07. Savitri (de John McLaughlin y Zakir Hussian)
08. Hora Zero (de Astor Piazzola, virtuoso argento del bandoneón)
09. Chac Mool (de Jorge Reyes, compositor mexicano que combinó la música tradicional instrumental mexicana con nuevas tecnologías, murió en febrero de 2009)
10. Atman (con Alex Scolnick, tributo a Dimebag Darrell)
11. 11: 11 (de Pink Floyd)






RODRIGO Y GABRIELA

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Rodrigo y Gabriela - 11:11 [México]

Rodrigo (Sánchez) y Gabriela (Quintero) son dos guitarristas mexicanos establecidos en Dublín poseedores de un sonido único creado en sus guitarras acústicas. Su música es difícil de definir; involucrando rock and roll, mezclándose con influencias clásicas y españolas. El fuego interior viene de una pasión de toda la vida por la música metalera. Esta primavera; el álbum “Rodrigo y Gabriela” desbancó a los Arctic Monkeys y a Johnny Cash del primer lugar en las listas de popularidad en Irlanda.

Rodrigo es un hábil requintista que se puede desplazar de una gran velocidad a un sensual movimiento en un solo traste, mientras que Gabriela emplea rápidas técnicas rítmicas. Sus percusiones en las cuerdas y en la caja de la guitarra nos lleva inevitablemente a la comparación con el flamenco – el cuál lo reconocen como una influencia únicamente. El repertorio del dúo va más allá de los estilos folkóricos latinos debido al nexo con el metal: no se debe uno perder sus covers “Stariway to Heaven” de Led Zepellin y “Orion” de Metallica, y en “Ixtapa” , la presencia del ardiente violinista gitano Roby Lakatos es deleitable.

Rodrigo y Gabriela se conocieron de adolescentes en la Casa de la Cultura en la Ciudad de México en donde el hermano de Rodrigo era el Director. Rodrigo tocaba la batería – algo que nunca le dijo a Gabriela, y formaron Tierra Ácida , donde ella se les unió en la guitarra. Se identificaron al instante; ambos adolescentes reprobaron el examen del Conservatorio y empezaron a tocar rock. Antes de unirse a Tierra Ácida, Gabriela estuvo en tres grupos de chicas: “Las Brujas”, “Subterráneo” y “Las Hormigas” al mismo tiempo, “Tierra Ácida” tenía una ética de trabajo disciplinado: “ Era mental, “ recuerda, “ ensayábamos cinco horas diarias todos los días con descansos muy cortos y casi sin hablar.”

“Tierra Ácida” tocaba en los antros más escabrosos de la Ciudad de México y vivían de trabajos diurnos (Gabriela enseñaba tonadas de Metallica a vecinos y Rodrigo hacía música para programas de un canal de TV). Grabaron un disco pero no pudieron firmar el contrato, así que se concentraron en aprender más estilos. De hecho, solían vagar con amigos y sobrevivían tocando bossa novas en bares de hoteles. “Entonces fue cuando decidimos viajar a Europa.”

Su primer punto de llegada fue Dublín , Irlanda. “Era el lugar más desconocido para nosotros”, explica Gabriela, la más comunicativa. “ Una chica mexicana nos ofreció su casa allá.” Llegaron a Dublín de noche, sin hablar nada de inglés y entre los 2 tenían 1,000 dlls. En la puerta de la chica encontraron una nota que decía que lo sentía pero que no se podían quedar ahí, así que tomaron un taxi que los llevó durante toda la noche de hotel a hotel.

Finalmente rentaron un lugar y el dinero pronto se acabó. “Así que tuvimos que tocar en las calles.”

Era 1999:”Eramos unos especímenes muy exóticos!”. Se hicieron pronto de reputación y trabajaban en fiestas familiares, bodas y en galerías; tocando covers y composiciones propias, “ Todavía queríamos componer música metalera, pero todo lo que llegaba era latino!”

Entonces Dublín estaba en auge con festivales de música y galerías y con una floreciente escena para el rock; y los dos mexicanos se codeaban con músicos locales en los bares. En invierno se mudaron a Dinamarca y comenzaron de nuevo – esta vez tocando en las calles a -3 grados! La breve experiencia en Copenhagen fue la inspiración para dos piezas del álbum: “Diablo Rojo” una temible montaña rusa de la ciudad, y “Viking Man”, el apodo de un vagabundo de quien se hicieron amigos y quien los impulsó a tocar en las calles heladas.

Después llegaron a Barcelona, pero en esta ocasión los dueños del club asumieron que tocaban música de mariachi y no les permitieron tocar en su estilo único, así que Rodrigo y Gabriela terminaron en la calle principal Las Ramblas causando un gran alboroto con la policía catalana. Justo a tiempo llegó una llamada de Irlanda pidiéndoles que regresaran y tocaran en el recién abierto Sugar Club. Damián Rice, un amigo que entonces también tocaba en las calles, los invitó a abrir sus shows, y en 2003 grabaron “Re-Foc”, y un año después “Live Manchester and Dublin” , los cuáles los llevaron a entrar al circuito musical mundial – y más allá.

Pistas:

01. Hanuman (de Carlos Santana)
02. Buster Voodoo (de Jimi Hendrix)
03. Triveni (de Le Trio Joubran)
04. Logos (de Al Di Meola)
05. Santo Domingo (de Michel Camilo)
06. Master Maqui (de Paco De Lucia, con Strunz & Farah)
07. Savitri (de John McLaughlin y Zakir Hussian)
08. Hora Zero (de Astor Piazzola, virtuoso argento del bandoneón)
09. Chac Mool (de Jorge Reyes, compositor mexicano que combinó la música tradicional instrumental mexicana con nuevas tecnologías, murió en febrero de 2009)
10. Atman (con Alex Scolnick, tributo a Dimebag Darrell)
11. 11: 11 (de Pink Floyd)






RODRIGO Y GABRIELA

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Balkan Beat Box - BLUE EYED BLACK BOY [Israel]

Balkan Beat Box es un grupo israelí fundado por el ex- miembro de Gogol Bordello, Tamir Muskat , Ori Kaplan de Firewater y Big Lazy, y Tomer Yosef (MC, voz, perc, sampler).

Balkan Beat Box es un grupo de artistas residentes en Nueva York, con sus raíces ligadas a Europa del Este y Medio Oriente. Su música tiene todos los elementos característicos de la música medio-oriental y mucho de la música gitana, que hace recordar a Kusturica y a Bregovic, matizados con elementos de música electrónica que, si bien son notorios, están lejos de ser groseros.

BBB funciona con un corazón de 6 músicos, que colaboran con artistas de Bulgaria, Marruecos, España, Israel, y Turquía. Utilizando una increíble mezcla de estilos musicales "judío, gitano, árabe y balcánico", bajo el tamiz electrónico. Una armonía musical y política en perfecta simbiosis. Cualidad que les ha otorgado la reseña como "grupo revelación" en la prestigiosa revista "Songlines". Ese nuevo sonido y su original discurso cultural y social, son lo que les hacen merecedores de este respeto internacional.

Pistas:

01-Intro
02-Move it
03-BLue eyed black boy
04-Marcha de la vida
05-Dancing with the moon
06-Kabulectro
07-My baby
08-Balcumbia
09-Look them act
10-Smatron
11-Lijepa mare
12-Why
13-Buhala
14-War again






BALKAN BEAT BOX

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Balkan Beat Box - BLUE EYED BLACK BOY [Israel]

Balkan Beat Box es un grupo israelí fundado por el ex- miembro de Gogol Bordello, Tamir Muskat , Ori Kaplan de Firewater y Big Lazy, y Tomer Yosef (MC, voz, perc, sampler).

Balkan Beat Box es un grupo de artistas residentes en Nueva York, con sus raíces ligadas a Europa del Este y Medio Oriente. Su música tiene todos los elementos característicos de la música medio-oriental y mucho de la música gitana, que hace recordar a Kusturica y a Bregovic, matizados con elementos de música electrónica que, si bien son notorios, están lejos de ser groseros.

BBB funciona con un corazón de 6 músicos, que colaboran con artistas de Bulgaria, Marruecos, España, Israel, y Turquía. Utilizando una increíble mezcla de estilos musicales "judío, gitano, árabe y balcánico", bajo el tamiz electrónico. Una armonía musical y política en perfecta simbiosis. Cualidad que les ha otorgado la reseña como "grupo revelación" en la prestigiosa revista "Songlines". Ese nuevo sonido y su original discurso cultural y social, son lo que les hacen merecedores de este respeto internacional.

Pistas:

01-Intro
02-Move it
03-BLue eyed black boy
04-Marcha de la vida
05-Dancing with the moon
06-Kabulectro
07-My baby
08-Balcumbia
09-Look them act
10-Smatron
11-Lijepa mare
12-Why
13-Buhala
14-War again






BALKAN BEAT BOX

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Alejandro Balbis - EL GRAN PEZ [Uruguay]

Alejandro Balbis dio sus primeros pasos en la música desde joven, tomando clases de guitarra con Jorge Lazaroff y luego cantando y dirigiendo la murga de niños Firulete (La cual paso a llamarse Contrafarsa y a competir en el carnaval mayor al cabo de los años. Con el paso del tiempo, Balbis empezó a crecer como artistas y a juntar músicos jóvenes y principiantes que conoció en talleres de canto que él daba en Buenos Aires. Sus principales influencias son Alfredo Zitarrosa, Carlos Gardel y Atahualpa Yupanqui entre otros.

Desde joven, empezó a demostrar un gran gusto por el carnaval, más específicamente por las murgas, y de más grande, llegó a salir en murgas como Contrafarsa, Saltimbanquis, A Contramano, Asaltantes con Patente, etc.

Después de muchos años de experimentar con sonidos y músicos distintos, "Ale" Balbis logró grabar su primer álbum oficial, titulado "El Gran Pez" (haciendo referencia a una película muy significativa en la vida de éste músico). El álbum ganó gran aceptación de los críticos de las revistas Bilboard y Rolling Stone logrando cuatro estrellas en la última. El CD fue presentado en el Club Niceto con localidades agotadas con alrededor de 400 personas.

Lista de temas:

01- Gran pez
02- La correntada
03- Quien
04- El lugar
05- De la existencia
06- Muero en este verano
07- Raquel
08- Piedras y Carlos Calvo
09- Como la brisa
10- Tu partida
11- Fiera enjaulada
12- Lo que espero de ti
13- Ansiedad
14- Nebulosamente





EL GRAN PEZ

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Alejandro Balbis - EL GRAN PEZ [Uruguay]

Alejandro Balbis dio sus primeros pasos en la música desde joven, tomando clases de guitarra con Jorge Lazaroff y luego cantando y dirigiendo la murga de niños Firulete (La cual paso a llamarse Contrafarsa y a competir en el carnaval mayor al cabo de los años. Con el paso del tiempo, Balbis empezó a crecer como artistas y a juntar músicos jóvenes y principiantes que conoció en talleres de canto que él daba en Buenos Aires. Sus principales influencias son Alfredo Zitarrosa, Carlos Gardel y Atahualpa Yupanqui entre otros.

Desde joven, empezó a demostrar un gran gusto por el carnaval, más específicamente por las murgas, y de más grande, llegó a salir en murgas como Contrafarsa, Saltimbanquis, A Contramano, Asaltantes con Patente, etc.

Después de muchos años de experimentar con sonidos y músicos distintos, "Ale" Balbis logró grabar su primer álbum oficial, titulado "El Gran Pez" (haciendo referencia a una película muy significativa en la vida de éste músico). El álbum ganó gran aceptación de los críticos de las revistas Bilboard y Rolling Stone logrando cuatro estrellas en la última. El CD fue presentado en el Club Niceto con localidades agotadas con alrededor de 400 personas.

Lista de temas:

01- Gran pez
02- La correntada
03- Quien
04- El lugar
05- De la existencia
06- Muero en este verano
07- Raquel
08- Piedras y Carlos Calvo
09- Como la brisa
10- Tu partida
11- Fiera enjaulada
12- Lo que espero de ti
13- Ansiedad
14- Nebulosamente





EL GRAN PEZ

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DUO COPLANACU - TAQUETUYOJ [Argentina]

Dúo folclórico compuesto por Roberto Cantos y Julio Paz formado en 1985 en Córdoba (Argentina), aunque los dos son oriundos de la provincia de Santiago del Estero. Se destacan en sus comienzos por la escacez de sus instrumentos, sólo un bombo tocado por Julio y una guitarra por Roberto. A principios de los '90, Andrea Leguizamón (cordobesa) quien estudiaba violín en el conservatorio se incorpora al Dúo Coplanacu.
En 1987 participan en el Congreso Mundial de Juventudes Musicales, realizado en Córdoba (Argentina).

A finales de los '80 forman parte del movimiento Alternativa Musical Argentina realizando giras por todo el país con músicos como Miguel A. Estrella, Lito Vitale, León Gieco, Juan Falú, entre otros.

En 1995 participan en el VI Festival Internacional del Folclore Universitario realizado en México.

En 1998 participan en los festejos por el Aniversario de la Fundación en la Ciudad de La Paz (Bolivia).

En 1999 reciben el premio de folclore de la Unesco por el disco “Desde Adentro”.

En 2000 ganan el Premio Consagración en el Festival Nacional de Folclore de Cosquín.

En 2009 ganan el Premio Gardel a la Música por Mejor Álbum Grupo de Folklore por el disco Taquetuyoj.

También el Dúo Coplanacu ha sido ternado para el Premio Gardel de la Música en las ediciones 2000, 2001 y 2002.

Lista de Temas:

01-Desmonte
02-La causaleña
03-Velay no se
04-Don Fermin
05-Taquetuyoj
06-A Don Ponciano Luna
07-Volver a los 17
08-MIrando lejos
09-Si yo fuera rio
10-Zamba de los mineros
11-Donde alguien me espera
12-Yo soy de aqui
13-Escondido de los bombos
14-Zamba alegre





DUO COPLANACU - TAQUETUYOJ

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