Djivan Gasparyan (1928, Armenia) es un músico y compositor. Es ejecutante del duduk, un instrumento de viento de doble lengüeta relacionado al oboe.
Ha realizado giras a nivel mundial tocando música folclórica armenia. Ha colaborado con varios artistas, como Erkan Ogur, Sting, Peter Gabriel, Brian May, Lionel Richie, Derek Sherinian, Ludovico Einaudi, David Sylvian, Hans Zimmer and Andreas Vollenweider.
Duduk & Orchestra World Music CD1 01. Chiresured 02. Guttapercha 03. Holy of Holies 04. Holy of Holies 2 05. Hush My Heart 06. Kaput Manushak 07. Lamentum 08. Qele,Lao 09. Take My Heart 10. To Zucchabar
Duduk - Love Music Cd2 01. Dun en G'lkhen 02. Eshkhemed 03. Hair Sourb 04. Hovern Yelan 05. Komitas 06. Lousniak Gisher 07. Machkal 08. Menak Tchampord em 09. Ojakhum 10. Siretsi,Yaris Taran 11. Sourb Sasani 12. Sourb,Sourb
Duduk - Soul Music CD3 01. Yes en Tsaghikn em 02. Anoush Garoun 03. Ashkharoums 04. Du Norits Yekel es 05. Duduk Quartet 06. Pesi Par 07. Harsi Par 08. Hov'vi Yerg 09. Lorik 10. Sari Aghjik 11. Taran,Taran
Corvus Corax es una banda Alemana conocida por tocar música medieval usando una gran variedad de instrumentos autóctonos.Su nombre deriva del nombre científico del Cuervo Común.
La banda fue formada en 1989 por Castus Rabensang, Wim (Venustus) y Meister Selbfried ("Master Selfpeace"). Usualmente usan gaitas como instrumento principal. Sus atractivas presentaciones (características por el look de sus músicos) tienen reminicencias antiguas Mitos Griegos: medio desnudos, vestidos con ropas inusuales, vestuario con diferentes decoraciones antiguas y a veces tatuados. Hoy la banda la componen 8 Miembros: Ardor vom Venushügel ("Ardor en el monte de Venus"), Castus Rabensang, Patrick der Kalauer ("Patrick el gruñón"), Harmann der Drescher ("Harmann the thrasher"), Hatz ("hunt"), Jordon Finus, Teufel y Wim (Venustus). En mayo de 2005 Meister Selbfried, uno de los fundadores de Corvus Corax e investigador de música medieval, decidió dejar su actividad como músico y dedicarse principalmente a la administración del sello propio de Corvus Corax, Pica Records. Su lugar fue ocupado por Jordon Finus en 2006 La banda publica su música a través de Pica Records en Europa y de Noir Records en los EE.UU.. Los proyectos de Cantus Buranos hasta la fecha han sido lanzados en Europa por Roadrunner Europe
01. Orwitzel 02. Ougenweyde 03. Serbokroatisches 04. Veris Dulcis 05. Rotes Haar 06. Engelsstampf 07. Rabenballade 08. Spielmannstanz 09. Für Minne 10. Albanisches 11. Totentanz 12. Vor vollen Schüsseln
Excelente representante de la nueva generación de artistas de Brasil, la compositora e intérprete Ana Cañas presenta Hein? dos años después de su excelente debut en el mundo discográfico con Amor e Caos (2008), trabajos que toman elementos de la música popular de Brasil (MPB) remezclándolos con toques electrónicos y jazz.
Ana Cañas comenzó su carrera en la escena de jazz de su ciudad natal, graduándose previamente en Arte en la Universidad de San Pablo antes de darse a conocer como cantante. Ana cita como sus principales influencias musicales a Ella Fitzgerald y Antônio Carlos Jobim, además de Cypress Hill, Beck, Ed Motta, Rita Lee y Marisa Monte.
Una vez recibido el reconocimiento del público y de artistas como Chico Buarque y Toquinho, fue cuando inició su camino hacia los estudios de grabación. El resultado no decepcionó. Amor e Caos es un placentero disco cuya canción "Coração vagabundo", de Caetano Veloso, integró la banda sonora de la novela "Beleza Pura", de la Red Globo. Fue un éxito en internet con hits como "Super mulher", "Devolve moço" y "Cadê você?". La revista "Rolling Stone" de ese país calificó su primer single "Devolve, moço" como "una iluminada canción neopop brasileña con una trompeta bebop que recuerda el trabajo de nuevas voces de jazz inglés como Amy Winehouse y Joss Stone".
En 2009 presenta Hein?, producido por Liminha y en el que cuenta con la colaboración de Arnaldo Antunes, donde plasma en canciones como "Na multidão" y "Escondirejo" su gran talento y genialidad, esta última formando parte de la banda sonora de "Viver a Vida". Abanderada de la libertad artística, Ana nos trae un trabajo redondo, con su irresistible mezcla de MPB, rock y pop, lleno de melodías y alardes vocales, de canciones increíbles que harán las delicias de cualquier oyente.
01. Na multidão 02. Coçando 03. Na medida do impossível 04. Escondirejo 05. Sempre com você 06. Chucky Berry fields forever 07. Gira 08. Problema tudo bem 09. Aquário 10. A menina e o cachorro 11. Não quero mais 12. O amor é mesmo estranho
Otra grabación exclusiva que llega hasta aquí gracias a los músicos de la banda. Sonido muy claro (aspecto fundamental de la banda, aún cuando a veces la guitarra suena "sucia"), es un vivo "crudo", sin mezcla ni retoques, se escucha todo, hasta alguna pifiada. Estas son algunas notas al margen que nos entrega Luis Colucci (bajista y compositor de Tanger) sobre la grabación del bootleg:
“Pasacalle” está incompleta porque los primeros compases no se grabaron. “Ferrocarril” incluye, durante la improvisación, algunas citas a la base de “Más Allá De La Noche” “Horizons” es una de las pocas versiones de este tema que se hicieron en concierto dentro de los ya raros casos en que Tanger hizo covers. La guitarra, en este caso, está tomada sólo por línea, ya que se cerraron los micrófonos para evitar ruidos, por eso el sonido es diferente al resto de los temas y por ese mismo motivo tampoco se escuchan aplausos al final. “Cortada” está tocada con una melódica cuya (precaria) afinación estaba un poco corrida con respecto al 440 habitual. La banda trató de compensar esa diferencia modificando la afinación, pero el resultado no fue satisfactorio. “Bourrée” es el único cover que Tanger ha tocado con una cierta frecuencia, habitualmente (éste es el caso) como bis. Esta versión se hizo prácticamente sin ensayo. Por un error, la sección final tiene una vuelta menos que la de Jethro Tull en “Stand Up”
Y para ambientarlos, les dejo algunos videos de algunso temas tocados en vivo:
Line Up: Luis Colucci: Bajo Damián Lois: Flauta Eduardo Ferreyra: Guitarras Ignacio Martínez: Batería Invitado: Santiago Martínez: Melódica en “Cortada”
* 4 remasters de La otra cara (segundo álbum del grupo) * Versión 2009 de Notre Dame (original del primer álbum) * 2 temas de ensayos 1997/1998 sin publicar
Enjoy!
Track list: 1- Notre Dame 2- Paréntesis 3- Rock Und Rolle 4- Trío 5- Chacales 6- Tierra Desconocida 7- El Filo De La Eternidad
Track 1: New version, recorded in 2009, of a track originally released on Tanger´s debut album, Tanger (1999) Tracks 2 to 5: Remixes and remasters of tracks from Tanger´s second album La Otra Cara (2002) Track 6: Raw rehearsal version, recorded in 1997, of a track from the first album Track 7: Raw rehearsal version, recorded in 1998, of a track from the first album
Line Up: Luis Colucci: Bass, Synth, Sampler Ignacio Lois: Electric & Nylon Guitar (Tracks 2 to 7) Julián De Ambrosio: Drums (Tracks 2 to 7) Damián Lois: Flute (Tracks 1 & 2) Daniel Algieri: Flute (Tracks 6 & 7) Ignacio Martínez: Drums, Percussion, Glockenspiel (Track 1) Eduardo Ferreyra: Electric Guitar (Track 1) Nahuel Briones: Electric Guitar (Track 1) Francisco Huici: Alto Sax (Track 3)
La grabación es de noviembre de 1999, el repertorio se basa en el primer cd más dos temas del segundo. No es el concierto completo, algunos temas no se grabaron, pero son unos 44 minutos de música en vivo. La grabación está tomada de la consola directa, no tiene mezcla posterior ni sobregrabaciones, es como un pirata de consola, pero suena bastante bien, más allá de que algunos planos no son los adecuados. El sonido es muy crudo, como se solía tocar en esa época. Luis adjuntó un texto en word (en inglés) donde da algunos detalles: “En realidad la grabación la hicimos de casualidad, porque un amigo llevó un mini-disc portátil (pensaba grabarlo de aire) y decidimos sacar el audio de la consola. Nunca lo editamos, aunque vendimos algunas copias en cdr y, durante un tiempo, se podía conseguir en un sitio de internet (creo que era mp3.com) que lo vendía a pedido por correo.”
Espero les agrade...
Line Up: Daniel Algieri: flauta y saxo tenor Luis Colucci: bajo y teclados Julian de Ambrosio: bateria y percusion Ignacio Lois: guitarras
Track List: 1- Nova Lisboa 2- Más Allá De La Noche 3- Zobeida 4- Camino Circular 5- Una Tristeza Nocturna 6- Espejos 7- Laberinto 8- El Juego Posible 9- El Sueño De Los Mares Lejanos 10- Rock Und Rolle
Bellísimo álbum, que junto con "Mundos Paralelos" es lo que más me gustó de Tanger. Como comentario copio lo escrito por César Mendoza para "La Caja de Müsica":
Tanger demuestra con su tercer disco “Ciudad” que es una banda capaz de superarse a sí misma a la par de mantener intacta su sólida esencia artística. La lealtad a su visión musical tan fácil de notar se complementa con los matices renovadores de forma natural y fluida en estas nueve nuevas composiciones de Luis Colucci. Las cualidades más robustas de este disco son su agilidad y su colorido – también es de notar una mayor dosis de protagonismo de la flauta en comparación con los dos discos precedentes, aunque lo cierto es que Tanger opera como un ensamble en el sentido más puro de la palabra. ‘Avenida’ comienza con ruidos callejeros y repetidos bocinazos que marcan el compás del motivo inicial del tema: una pieza rockera muy enraizada en el sonido Tanger y que permite abrir el álbum con un atrapante gancho. El tercer tema, ‘Entorno’, también muestra el prototipo rockero del grupo, con un acento jazzero más pronunciado, eso sí: es el primer tema del disco en el que el nuevo guitarrista Eduardo Ferreira hace acto de presencia, y ciertamente su aporte resulta tan ingenioso como eficaz dentro del sonido grupal. Las cosas pasan a una serenidad de ensueño y melancolía en ‘Luna Urbana’, una serenidad solo tenuemente alterada por la presencia de unos breves riffs y líneas de guitarra eléctrica: es principalmente la flauta la que lleva adelante la melodía inicial. Mención especial también para la sección rítmica, que sabe aportar matices oportunos para el ambiente de esta pieza. Con ‘Plaza Mayor’ entra el interés de parte de Tanger por introducir lo tanguero dentro de su propuesta, dentro de un contexto de jazz-rock ejecutado con sobriedad y convicción. ‘Cortada’ también ofrece un aura tanguera bastante coqueta, con un gancho que se apoya en la candidez del motivo básico, emitido de forma muy dinámica por la flauta y la guitarra acústica en una complementación bastante fluida: la presencia de la melódica añade retazos de color en el contorno de las líneas de flauta. Sus menos de 3 minutos y medio de duración se me hacen muy cortos, en lo personal, pues me parece una pieza sumamente bella. Con un lánguido goteo comienza el sexto tema, una vez más, a modo de marcado del compás básico, con un motivo que se extiende como un retrato de sutilezas introspectivas por tres minutos y tres cuartos; la presencia de una corriente caudaloso marca el inicio de la segunda parte – o sea, la Fugazzetta –, haciendo una elaboración breve, ligeramente más intensa del ambiente inicial, que aterriza en el inicio de una tormenta. Una vez más tenemos aquí una pieza que se siente muy corta, debido al aura de misterio que realza su atractivo. ‘Máscaras’ es mi favorita de todas las piezas eminentemente rockeras de este álbum: todo suena muy sólido aquí, tanto el aporte de cada instrumento individual como el bien afiatado bloque grupal. A pesar de portar el prototipo del Tánger rockero, se siente bastante fresca y refulgente. Con un distante ruido de ferrocarriles comienza el tema precisamente titulado ‘Ferrocarril’, un número en el que el grupo aprovecha para dar rienda suelta a su faceta jazzera con mayor soltura que en cualquier lugar del repertorio precedente. Por su carácter patentemente intimista, parece como si la inspiración del tema estuviera más enfocado en la connotación evocativa de un viaje que en el frenesí mecánico de un ferrocarril en pleno trayecto. Manteniendo el clima intimista pero subiendo ligeramente la intensidad, ‘Ochava’ emerge para cerrar el disco reiterando lo jazzero y añadiendo matices tangueros que ya se habían hecho presentes en otras piezas del disco. En conclusión, tenemos en “Ciudad” a uno de los discos más interesantes de la escena rockera sudamericana para este año 2006, un disco que mantiene a Tanger como un grupo con valía y voz propias dentro del género progresivo y afines.
César Mendoza
En fin, no se lo pierdan...
Track List: 1. Avenida 2. Luna Urbana 3. Entorno 4. Plaza Mayor 5. Cortada 6. Pasacalle y Fugazzetta [ a. Pasacalle b. Fugazzetta ] 7. Máscaras 8. Ferrocarril 9. Ochava
Este es el cuarto álbum de este grupo, y es como un resumen de sus trabajos previos: exploran el rock, la música urbana (que en el review César Mendoza define como "fusionesco criollo") y el jazz, resultando una mezcla entre King Crimson, Jethro Tull, Naikaku, Procol Harum pero con un marcado aire argentino en determinados tramos. Sin buscar el virtuosismo, la calidad de los arreglos está bien presente (y bien claros debido también a la limpieza del sonido) y podrán difrutar de los exquisitos toques de batería, buenos jugueteos de la guitarra y una flauta siempre inquieta adornando todo el álbum. La verdad es que, personalmente, el álbum me sorprendió, luego de escuchar el álbum recordé las palabras de César Mendoza.: "con cada nuevo disco, el grupo ha logrado incorporar ideas nuevas para reforzar las que han estado madurándose durante toda su trayectoria. Este camino de ascenso hacia un creciente vigor sonoro se sigue cumpliendo con “Mundos Paralelos”, uno de los discos más hermosos de la vanguardia progresiva latinoamericana para este 2008." Extraigo el comentario de César Mendoza referido a este álbum:
El cuarteto instrumental argentino Tánger sigue en su punto. A dos años de lanzado su álbum precedente “Ciudad”, ahora en la antesala de la mitad del año 2008 nos ofrece “Mundos Paralelos”. Siempre de la mano de la creatividad compositiva de Luis Colucci y los aportes del ensamble en los arreglos, Tánger sigue estableciendo una evolución sostenida en la generación de mayores niveles de robustez expresiva y colorido musical a la par que conserva intacto su esquema esencial, un esquema sólidamente instaurado desde su disco debut (hace ya casi una década de eso). Esto de la robustez puede no ser tan evidente con las primeras escuchas debido a que los pasajes relajados y/o meditativos son más numerosos en este repertorio que en los que conformaban los álbumes precedentes, pero las interacciones entre los músicos y la amalgama general sí muestran una cohesión más completa que nunca antes, y ello es un indicio articular de energía sonora. Unas cortinas de teclado, acompañadas por adornos percusivos a través de sus climas sobriamente sombríos, dan inicio al impresionante tema de entrada ‘Ansiedad’. Por el guitarreo, los colores saltarines de la flauta y el dinamismo específicamente definido de la dupla rítmica, no cabe duda que tenemos aquí una muestra de la esencia tópica de Tánger: pero también se nota una dosis de explícito candor en el desarrollo instrumental que tiene lugar, un indicio patente de la robustez incrementada que se mencionó en el primer párrafo. El solo de guitarra desarrollado a lo largo de todo el cuarto minuto es simplemente estupendo. ‘Círculos Concéntricos’ se enfoca en la faceta más juguetona de la banda, manifestando vivacidad en su más pura expresión en un uspacio un poco menor de 4 minutos: la base melódica está bien aprovechada, pero en lo personal no me hubiese importado que esta pieza en particular hubiese gozado de un poco más de tiempo, pues la magia grácil de los coquetos dibujos trazados por la flauta y las ocasionales alusiones al Crimson ochentero vertidas por la guitarra hacen que el tiempo de la pieza pasen como volando. ‘Mundos Paralelos’ cambia de registro hacia ambientes más solemnes, basados principalmente en los sobrios fraseos de flauta y la bien estructurada base rítmica: el tenor general de la pieza tiene un acento inconfundiblemente criollo, lo cual, mezclado con la garra controlada de algunas partes de guitarra, crea un ambiente especial. El aura ensoñadora de esta pieza me hace desear, una vez más, que fuese un poco más larga que lo registrado en el disco. El aire fusionesco criollo que ya se había redondeado bien en el tema homónimo se reitera en ‘Siete Pulsos’, aunque esta vez la cosa se pone un poco más extrovertida y sofisticada merced a las variaciones de ambiente y motivo que tienen lugar en el interludio: las alusiones a Jethro Tull y Focus no se harán esperar en la mente del oyente atento, pero a estas alturas ya nos damos cuenta de lo que es Tánger en sí mismo en tanto ensamble. ‘El Castillo’, construido sobre un tempo de 9/8, añade una delicada tensión a la atmósfera general del disco con sus extrañas (aunque delicadamente armadas) progresiones de acordes - las capas sobregrabadas de flauta ayudan a preservar el lirismo en algunos momentos en los cuales prevalece una mayor sutileza general de parte del ensamble. ‘Metamorfosis’ es un medio tiempo jazz-rock donde la guitarra se despacha a su gusto en un solo texturial y rico en evocaciones emotivas: Damián Lois se encarga de los teclados y el bongó en este tema. La base Latin-jazz de la pieza es evidente, con algo de las atmósferas del Weather Report más intimista como fuente de influencia. El ambiente criollo vuelve a imponerse en ‘Dos Dimensiones’, esta vez con un espíritu más ligero y una arquitectura más férreamente definida. ‘Insomnia’ es un rock muy a lo Tánger en su faceta tulliana: la dosis conveniente de sofisticación progresiva y un cuidado especial permiten generar agilidad y mantenerla en una constante equilibrada, más algunos toques de jazz que dan polenta a ciertos adornos. ‘Marquesinas’ también permanece en la prioridad de los linderos más rockeros del grupo: compás de 5/4, florituras impresionantes a cargo del flautista, un solo casi frippiano de guitarra, cortinas de teclado que añaden sutileza al bloque sonoro general,… todo un paraíso para el melómano progresivo. Una nueva versión de ‘Nova Lisboa’ (original del disco debut), con una mayor acentuación crimsoniana y un arreglo más pulido, cierra el disco con una muy oportuna calidez. Tánger ofrece una propuesta musical abierta a la expresión de ideas y emociones de manera muy lúcida a través del arte del ruido: con cada nuevo disco, el grupo ha logrado incorporar ideas nuevas para reforzar las que han estado madurándose durante toda su trayectoria. Este camino de ascenso hacia un creciente vigor sonoro se sigue cumpliendo con “Mundos Paralelos”, uno de los discos más hermosos de la vanguardia progresiva latinoamericana para este 2008.
César Mendoza
Track List: 1. Ansiedad 2. Círculos Concéntricos 3. Mundos Paralelos 4. Siete Pulsos 5. El Castillo 6. Metamorfosis 7. Dos Dimensiones 8. Insomnia 9. Marquesinas 10. Nova Lisboa [nueva versión]
Line Up: - Luis Colucci: bajos, sintetizadores - Eduardo Ferreira: guitarras eléctricas y acústicas - Damián Lois: flauta, teclados y bongó en 6 - Ignacio Martínez: batería, percusión Música invitada: Florencia Genera (cello en 10)
El percusionista de origen cubano Pancho Quinto, mas conocido en los Estados Unidos como el baterista de la mano poderosa, es un artista dedicado a la tradición y la innovación. Él es maestro de los ritmos de la rumba afrocubana, por su estilo guarapachangeo único, que combina el cajón en forma de caja y los tambores batá, En este CD, que se llama Rumba sin fronteras, Quinto está acompañado por una impresionante lista de músicos cubanos y norteamericanos, con el pianista Omar Sosa, el percusionista del área de la Bahía, John Santos, el cantante Octavio Rodríguez, el saxofonista Enrique Hernández, y los vocalistas Lázaro Rizo y Guillermo "El Negro" Triana. Crean una grabación espléndida y sincopada como antiguos himnos ancestrales de la Madre África y la América moderna como el hip-hop del siglo 21. los mejores temas como "La Gorra" y la kalimba "Sosa En El País De Las Maravillas" que representan la electro-fusión folclórica, mientras que el "Bolero En Medio Del Carnaval", "A Esos señores", y "Aspirina" el mejor ritmo síncopado secular y sagrado de Cuba. Con entusiasmo y visión, Pancho Quinto demuestra que la extensión de África en las Américas ofrece una fuente inagotable de inspiración y de invención.
La música de Pancho Quinto es un crisol único de elementos rítmicos y armónicos rara vez se escuchan en la música contemporánea las innovaciones en las características de la percusión de la rumba cubana. Rumba Sin Fronteras pone de relieve el espíritu de la improvisación que hace Pancho como una fuerza importante en el desarrollo de la música cubana es uno de los grandes innovadores del mundo de la percusión. En esta grabación, varias generaciones de músicos colaboran en una asombrosa mezcla de las tradiciones afro-cubanas y afro-americanas, con la creación de una "rumba sin fronteras".
Fuente: Amazon
Personal:
Pancho Quinto (quinto, bata, percussion);
Guillermo "El Negro" Triana, Lazaro Rizo (vocals);
Ry Cooder siempre ha creído en la "reciprocidad en la música", y esto no puede ser más evidente en su carrera que con su quinto álbum, Chicken Skin Music (un coloquialismo de Hawai, sinónimo de la piel de gallina). Incluso más de lo habitual, Cooder se niega a reconocer las fronteras geográficas o musicales la presentación de "Stand By Me" como una canción de gospel con un arreglo norteño, o el clásico de Jim Reeves country-pop, "He'll Have to Go," con el ritmo de un bolero, la interacción del acordeón de Flaco Jiménez y el saxo alto de Pat Rizzo. En otros temas, dos de los grandes guitarrista y cantantes de Hawai Gabby Pahinui y el maestro de la guitarra Atta Isaacs en el éxito de Hank Snow "Yellow Roses" y el hermoso instrumental "Chloe". Si el enfoque de Cooder para la música es estilísticamente diverso, su elección de material sin duda sigue su ejemplo. Sustentada por un par de composiciones de Leadbelly, La musica de Chicken Skin Music es una colección de canciones que van desde los temas antes mencionados como un juglar antiguo muestra el medicinal "I Got Mine" y el sincopado R & B "Smack Dab in the Middle". También participa el compositor ciego de los Apalaches Alfred Reed en "Always Lift Him Up", Con una melodía del evangelio de Hawai, "kanaka Wai Wai" entretejidos en la sección instrumental. Como él mismo explica en las notas del álbum, Cooder entiende la conexión entre estos estilos aparentemente dispares. Esto no es más que el eclecticismo por su propio bien. La música de Chicken Skin Music es probablemente la grabacion más excéntrica de Ry Cooder desde su principio, pero es también una de las más divertidas.
Maravillense con el grandioso Flaco Jimenez al acordeon
Personal
* Ry Cooder – Bajo Sexto, mandola, bottleneck guitar, French accordion, electric guitar, slack-key guitar, tiple, Hawaiian guitar, vocals
* George Bohannon – horn and baritone arrangement
* Oscar Brashear – cornet
* Red Callender – upright bass, tuba
* Chris Ethridge – bass
* Terry Evans – vocals
* Cliff Givens – vocals
* Laurence Fishburne - vocals
* Hugo Gonzales – banjo
* Chet Himes – engineer
* Milt Holland – percussion, drums
* John Ingle – engineer
* Atta Isaacs – slack-key and acoustic guitar
* Fred Jackson, Jr. – tenor saxophone
* Flaco Jiménez – accordion
* Herman E. Johnson – vocals
* Jim Keltner – drums
* Bobby King – vocals
* Henry Ojeda – bass
* Gabby Pahinui – steel guitar, vocals
* Benny Powell – trombone
* Pat Rizzo – alto saxophone
* Russ Titelman – banjo, bass, vocals, producer
Tracks
1. "The Bourgeois Blues" (Leadbelly) – 3:22
2. "I Got Mine" (Traditional) – 4:28
3. "Always Lift Him Up/Kanaka Wai Wai" (Traditional) – 6:01
4. "He'll Have to Go" (Joe Allison, Audrey Allison) – 5:07
5. "Smack Dab in the Middle" (Chuck Calhoun) – 3:18
6. "Stand by Me" (Ben E. King, Jerry Leiber, Mike Stoller) – 3:38
7. "Yellow Roses" (Ken Devine, Sam Nichols) – 6:11
8. "Chloe" (Gus Kahn, Neil Moret) – 3:00
9. "Goodnight Irene" (Leadbelly, John Lomax) – 4:32
T with the Maggies are Tríona & Maighread Ní Dhomhnaill, Mairéad Ní Mhaonaigh & Moya Brennan
In May 2007, a remarkable gathering of traditional Irish musicians and singers came together at Vicar Street in Dublin to celebrate the life and music of Mícheál Ó Domhnaill, who, with Skara Brae and The Bothy Band, had been a pioneering force in Irish music.
Among the many artists and groups coming together that evening was an evocative performance by four of Ireland’s finest female singers. Tríona and Maighread Ní Dhomhnaill (Míchaél’s two sisters, concert organisers and co-members of Skara Brae and The Bothy Band) were joined by Mairéad Ní Mhaonaigh of Altan and Moya Brennan of Clannad.
And so was born one of the most inspirational and heartening collaborations in traditional Irish music.
Tríona, Maighread, Mairéad and Moya, T with the Maggies, all come from the same corner of County Donegal (with Gaelic as their first language) and all have illustrious career histories. Each individual brings a unique and varied interpretation of their musical heritage but the result is one of the finest ever amalgamations of Irish female voices. They are real Celtic women!
Their first show in January 2009, at the Temple Bar Tradfest in Dublin, sold out immediately and they went on to perform at last year’s Irish Global Economic summit. A new recording of their repertoire favourite, Two Sisters, was commissioned by Sam Shepard, for his play, ‘Ages of the Moon’.
On the stage the ‘Maggies bubble with a mixture of instinctive tone, harmony and a generous helping of laughs. Each bring their choice of songs but mould them into the group with a unique soundscape of voice, piano, fiddle and harp. You can tell that they are the best of friends.
T with the Maggies’ debut album ‘T with the Maggies‘, in Ireland, October 29th 2010.
T with the Maggies is the group’s first album, combining over four decades of musical experience. With subtle arrangements, the album brings to the fore four voices that have shaped Irish traditional, folk and celtic music today.
Tríona Ní Dhomhnaill: Vocals, Piano, Keyboards, Accordion, Whistle Maighread Ní Dhomhnaill: Vocals, Yardstick Mairéad Ní Mhaonaigh: Vocals, Fiddle, Hardanger Fiddle, Low Octave Fiddle Moya Brennan: Vocals, Harp, Djembe Manus Lunny: Guitar, Bouzouki, Programming Jim Higgins: Addictional Percussion (Low Octave Fiddle courtesy of Ciarán Ó Maonaigh)
1.Wedding Dress 2.Domhnach na Fola 3.Thugamar Fhéin an Samhradh Linn 4.Bíodh Orm Anocht 5.Mother Song 6.Ógánaigh Uasail 7.Cuach mo Londubh Buí 8.Ceol an Phíobaire 9.A Stór A Stór A Ghrá 10.Farewell Farewell 11.An Mhaighdeán Mhara
La cantante, compositora y productora Malika Zarra salta sin esfuerzos, como si de una palanca de cambios se tratara, entre lenguas y tradiciones aparentemente inconexas, uniéndolas y utilizándolas para enriquecimiento mutuo, realizando una infusión entre la música de su cultura nativa con el jazz. On The Ebony Road, su primer álbum autoeditado, mezcla ritmos chaábi, bereber y gnawa con improvisación de jazz y su aterciopelada y sinuosa voz mezzosoprano.
Nacida en el sur de Marruecos y emigrada a Paris con su familia, Malika cita toda una variedad de influencias en su formación: Chiha Hamdaouia, el virtuoso del oud libanés Farid el Atrache y la cantante argelina Warda Al-Jazairia, absorviendo, también, la música de Ella Fitzgerald, Bobby McFerrin, Thelonious Monk, Stevie Wonder y Aretha Franklin. Se interesa, principalmente, por el jazz atraida por lo que tiene de improvisación, que es su principal conexión con la música árabe. Por otra parte, Malika recibe formación en conservatorios y academias de jazz en Tours y Marsella, estudiando con Sarah Lazarus y Françoise Galais. Es en su etapa de intérprete en numerosos eventos y clubs de la escena de Paris (incluyendo el Festival L'esprit Jazz de St Germain, Sunside, Baiser Sale, Hot Brass, Espace Julien, Pelle Mele y la Cite de la Musique) cuando empieza a cantar en su propia lengua y a escribir letras para jazz, recibiendo del público una magnífica acogida.
En 2004 Malika se traslada a Nueva York, elaborando todo un repertorio en el que incorpora sus herencias bereber, gnawa y shaabi, la elegancia del pop francés y su bagaje por el jazz. Su reputación como solista comienza a crecer, la versatilidad vocal de Malika le lleva a participar en una amplia variedad de proyectos, incluyendo house, dance, gospel, funk y música africana. Graba con una amplísima variedad de artistas e interviene en multitud de reputadas escenas como the Carnegie Hall, the London Jazz Festival, the Festival du Monde Arabe, the Duke Ellington Jazz Festival, Brooklyn Academy of Music y un largo etcétera.
En On The Ebony Road se revela un firme conocimiento de su rica diversidad de referencias, la fusión de Oriente y Occidente en un ejercicio vivo, sensual, fresco y profundo de inclusión. La fusión de instrumentos como el oud y las percusiones tradicionales del magreb con la batería y el bajo, y su extraordinaria técnica vocal sobrevuelan los temas incluidos en el álbum. Interpretando en francés, inglés y su natal árabe marroquí, a la vez que dibuja su canto sobre el bereber y los sonitos y ritmos gnawa, Malika se revela como una cantante y compositora que ya puede estar dentro de la élite de las músicas del mundo y del jazz.
Lágrimas Negras (2003), producido por Fernando Trueba y Javier Limón, recoge el extraordinario encuentro del cantante de flamento Diego "El Cigala" y el legendario pianista y arreglista cubano Bebo Valdés, en una compenetración absoluta donde cada uno estimula en el otro lo mejor de su arte. Un viaje a la esencia de la canción de amor iberoamericana, con escalas en Cuba, Centro y Sur América y España.
El álbum Lágrimas Negras es un proyecto de Calle 54 Records, con Fernando Trueba al frente, lo que significa que es una historia de sentimientos apasionados, especialmente de Trueba hacia la música latina y el jazz (de hecho, dirigió el filme "Calle 54" y acaba de presentar, con Javier Mariscal, "Chico & Rita"). El flechazo de Diego "El Cigala" con Bebo Valdés y la canción "Lágrimas Negras" lo cuenta el cineasta en su particular "diario de sesiones" de la grabación (que viene en el libreto del disco). Enriquece el texto la preciosa introducción escrita por el poeta Ángel González: "…el resultado es una extraordinaria amalgama en la que la canción antillana suena a cante, y al revés".
El resultado es el disco de un pianista cubano de 84 años, que contaba en aquella época, y un cantaor español cincuenta años más joven. El álbum contiene nueve canciones que son clásicos, con la participación de músicos de primerísima fila: el contrabajista Javier Colina y el percusionista Israel Porrina "Piraña" dejan su sello en casi todas las canciones. Pero también aparecen el saxo de Paquito D´Rivera, las congas de Tata Güines, los timbales de Changuito y el shekere de Pancho Terry en el tema "Lágrimas Negras". También hay boleros como "Inolvidable", "Se me olvidó que te olvidé" o el "Corazón loco" que popularizó en su día Antonio Machín y en el que participa El Niño Josele a la guitarra flamenca.
El brasileño Caetano Veloso recita "Coraçao vagabundo" (una de sus primeras canciones) en "Eu sei que vou te amar", adaptada por el propio Veloso a partir de la música de Antônio Carlos Jobim y la letra de Vinícius de Moraes. Del repertorio iberoamericano se incorpora una copla como "La bien pagá" con coros cubanos (Pedrito Martínez, Orlando "Puntilla" Ríos y Milton Cardona), y también hay homenajes a Bola de Nieve ("Vete de mí") y recuerdos a Argentina ("Nieblas del riachuelo") con el violín del uruguayo Federico Britos. Y siempre el piano de Bebo y la voz de Diego.
Dos grandes con invitados de lujo que aportan pinceladas magistrales a esta reunión de múltiples etnias llena de sencillez y pureza. Mestizaje de primera, sin etiquetas, una joya, que consigue en 2004 un Grammy, tres Premios de la Música, un Premio Ondas y cinco Premios Amigo en España.
01. Inolvidable 02. Veinte años 03. Lágrimas Negras 04. Nieblas del riachuelo 05. Corazón loco 06. Se me olvidó que te olvidé 07. Vete de mí 08. La bien pagá 09. Eu sei que vou te amar
El Binomio de Oro es, sin duda alguna, la agrupación de vallenato más importante de Colombia. “La Universidad del vallenato” como ha sido catalogada por expertos, lleva 30 años marcando con éxitos la historia de este género. El gran acordeonero Israel “El Pollo Irra” Romero, de la mano de Rafael Orozco conformaron en 1976 este conjunto que con el tiempo se convirtió en una institución.
El Conjunto nació en una parranda organizada por un grupo de amigos en Barranquilla, Rafael Orozco venía de grabar exitosamente con Emilio Oviedo e Israel Romero había debutado con triunfo al lado de Daniel Celedón, pero fue en esta fiesta donde decidieron unir su talento y conformar el grupo vallenato Binomio de Oro.
En 1976 fueron contratados por el sello “Costeño”, perteneciente a Codiscos, allí grabaron su primer álbum que se tituló “El Binomio de Oro” y de donde salieron los súper éxitos “La gustadera”, “Momentos de amor” y “La creciente”.
Para 1977 el grupo recibió su primer “Congo de Oro” en el Festival de Orquestas de Barranquilla, Colombia. En Octubre de 1981 se presentó por primera vez en el “Madison Square Garden” en Nueva York en donde miles de banderas colombianas adornaron el recinto.
Este concierto se transmitió para todo los Estados Unidos y fue la primera de dos presentaciones en es magno escenario.Luego: más Discos de Oro, galardones internacionales, Congos de Oro, en fin, todo lo posible para los grandes músicos estaba a las manos de Rafael e Israel.
Pero depronto, parecería que la vida deseara cambiar el rumbo de todo esto para ellos... La fiesta y la tragedia se mezclaron para Rafael Orozco el 11 de junio de 1992, día en que fue asesinado a las afueras de su casa en Barranquilla cuando, durante la celebración de los 15 años a su hija mayor Kelly Johana, dos hombres de José Reinaldo Fiallo Jacome le dispararon en múltiples ocasiones, primero en la región occipital luego el rostro y finalmente tras voltearlo con el pié los sicarios dispararon por la espalda y en la región glútea acabando con su vida en el acto.Su muerte conmocionó al país, al mundo vallenato, sobre todo a la hermana república de Venezuela y America Latina.
Con su muerte, Israel Romero, continuó con el grupo agregando nuevas caras y nuevas voces con mucho éxito, pero sin poder reemplazar lo que una vez causó el Binomio con Rafael Orozco. En lugar de ello empieza una nueva era en el grupo con el entonces joven y desconocido talento Jean Carlo Centeno formando El Binomio de Oro de America
01 - La negra (Alberto Beto Murgas) 02 - Decidí cambiar (Deimer Marín) 03 - Aquella guitarra (Gustavo Gutiérrez) 04 - Para adorarte más (Roberto Calderón) 05 - Que vale más (Efrén Calderón) 06 - Mañana sale el sol (José Vásquez Quevaz) 07 - Colombia (Gustavo Gutiérrez) 08 - Cómo te quiero (Hernán Urbina) 09 - Gordita bonita (Romualdo Brito) 10 - A dos voces (Rosendo Romero)
Durante 1991-92, o clarinetista Eddie Daniels e o vibrafonista Gary Burton juntaram-se em uma excursão, realizando uma homenagem a Benny Goodman e Lionel Hampton. Não importa que eles soam nada parecido com seus antecessores. O grupo tem seu som próprio, com leituras modernas de clássicos atemporais. Eddie Daniels faz sua leitura adequada da B.G. e Gary Burton, tem seu próprio estilo, evitando ser apenas uma excelente cópia de L.H. Este CD é o caminho para quem quer uma nova interpretação e não quer comparar os desempenhos artistas ou estilos. No CD, que resultou da colaboração, a dupla usa acompanhamentos virtuosos: um pianista, um baixista e um baterista, todos eles com os ouvidos abertos para criar uma versão moderna, e não fazer apenas uma boa interpretação (ou boa cópia) para as 11 canções associadas com o Rei do Swing, mais uma de Bix Beiderbecke: "In a Mist." O destaque é "Knockin 'on Wood"(Red Norvo), que nada tem a ver com Goodman ou Hampton e apresenta Burton brincando em um xilofone. Algumas revistas especializadas classificam o som do grupo como "Hard-Bop", ou "Post-Bop".
MÚSICAS
1. Sing, Sing, Sing 3:39 2. Stompin' at the Savoy 5:40 3. Moonglow 4:09 4. Air Mail Special 3:47 5. Let's Dance 5:09 6. Slipped Disc 4:04 7. Memories of You 5:25 8. Avalon 2:57 9. In a Mist 5:17 10. Grand Slam 4:52 11. After You've Gone 3:28 12. Goodbye 5:44 13. Knockin' on Wood 3:37
O vídeo a seguir é de uma exibição da dupla em 1992, embora nos créditos apareça apenas o nome de Eddie Daniels.
MÚSICOS: Eddie Daniels - Clarinete; Gary Burton - Vibrafones e xilofone; Mulgrew Miller - Piano; Mark Johnson - Baixo; Peter Erskine - Bateria.
Twelve centuries of Ireland's vocal tradition are explored by the chorale ensemble, Anuna. Best-known for their performance in Riverdance, the group combines songs in middle English, Scots Gaelic, Irish, Breton, Medieval Irish, Latin, and Greek in their examination of ancient and contemporary Irish music. In addition to performing and recording on their own, the group has worked with Sinéad O'Connor, the Chieftains, Sting, Maire Brennan, and Elvis Costello. According to the Belfast Times, "Anuna's live performances of medieval Celtic music have to be seen to be believed.....breathtaking...magnificent." Le Monde observed that "using crystal-clear and thunderous sounds, playing with shadows and light, the ensemble creates an atmosphere of fervent richness."
Originally named An Uaithne, Anuna was formed by Dublin-based composer Michael McGlynn in 1987. Initially concentrating on performing at choral festivals and churches, they released their self-titled debut album shortly after assuming their current name and began to incorporate movement and special staging effects in 1992. Although more than 100 singers have performed with the group, Anuna usually features a lineup of ten to 17 young Irish singers. Anuna received a National Endowment award in the classical music category in 1994. The group's third album, Omnis, was released only in Ireland the following year. The album was completely re-recorded and bonus tracks added for international release in 1997. Anuna's greatest success has come through their involvement with Riverdance. In May 1994, they released Riverdance -- The Single. Recorded with the RTE Concert Orchestra, the single spent 18 weeks at the top of the Irish music charts and became a Top Ten hit in the U.K. The group was featured on four tracks of Riverdance -- The Album. Released in 1995, the album sold over a million copies and received a Grammy award in 1997. The band took time between projects, letting the intense exposure they had experience dissipate. 2000's Cynara was their first record in four years, a return that delivered more of their distinct Irish choral magic. Two years later, the holiday themed Winter Songs was released. by Craig Harris
01. The Rising of the Sun 02. Siuil A Ruin 03. Gaudete 04. Our Wedding Day 05. Pie Jesu 06. Ceann Dubh Dilis 07. August 08. Sanctus 09. Kells 10. Greensleeves 11. Scarborough Fair 12. I Dreamt I Dwelt in Marble Halls 13. Fionnghuala 14. The Flower of Maherally 15. Aisling 16. If All She Has is You 17. Du'lama'n 18. Si Do Mhaimeo I' 19. Annie's Song
Archipiélago es una serie de televisión, una gran creación donde los griegos y los turcos contribuyen juntos por la buena relación entre las personas y una mejor amistad. Cuando nuestros gobiernos permanecen fuera la vida y el esfuerzo comun hacen milagros. El álbum Archipiélago contiene 16 obras para orquesta con un centro el "héroe" del violín el músico de renombre internacional Nikos Hatzopoulos viajará a un archipiélago de la melodía.
01. Africa 02. Beginning 03. Belalim (Sweet Trouble) 04. Brachera (Lugger) 05. Calmness 06. Cry Of The Angels 07. Indigo 08. Kaniki 09. Levante 10. Ravel 11. River 12. Santa Marina 13. Soon 14. Theme 15. Vai 16. Water Dance
El milagro de Candeal tiene su origen en una historia real: la de Carlinhos Brown, que nació y creció en un barrio de Salvador de Bahía, y que hoy es una estrella internacional de la música. El artista ha invertido su tiempo y su dinero en intentar erradicar la pobreza y la violencia de Candeal. Con la ayuda de la música ha conseguido extraordinarios avances en estos aspectos, desarrollando proyectos comunitarios para mejorar la calidad de vida de la comunidad, entre otros, la Escuela de Música Popular Pracatum (que proporciona a la gente joven del barrio una salida profesional). Carlinhos y la Asociación Pracatum han convertido a Candeal en la comunidad más desarrollada y pacífica de Brasil.
Han sido necesarios veinte años de esfuerzos para conseguir que Candeal sea un lugar humano y habitable, tranquilo y sin armas. Dos décadas para rehabilitar el barrio, poner alcantarillado, pintar las casas, reducir al mínimo las enfermedades y eliminar la mortalidad infantil. Por esta labor, Carlinhos Brown fue premiado por la UNESCO en 2002.
Por su parte, el director de cine Fernando Trueba rodó una película inspirada en la historia de Carlinhos Brown y la comunidad de Candeal titulada "El milagro de Candeal". Junto a Carlinhos Brown, participan en el filme el cantante y compositor Gilberto Gil, Caetano Veloso (creador con Gil del movimiento tropicalista que revolucionó la música brasilera), Marisa Monte (de Tribalistas) y el gran Bebo Valdés, que se encuentra con la música hermana de Salvador de Bahía y que es donde cree que se ha conservado, de manera más pura, la música, la cultura y la religión de sus ancestros africanos. Hoy, Candeal es una célula activa de creatividad y agitación musical. La relación de centros educativos, músicos, grupos y auditorios que hoy se reúnen en Candeal es intensísima.
Según Carlinhos Brown, "La revolución destruye, la evolución construye. Candeal es la construcción del sentido, de la gentileza, de la bondad. No queremos paternalismo, queremos emergencia social. ¿Comida o aprender a plantar? Aprender y pasar los conocimientos para que todos los aprovechen. La humanidad necesita bailar junta, bailar para siempre". Fernando Trueba plantea que Carlinhos tiene muy desarrollado el sentido de la responsabilidad hacia su comunidad. Sabe que es un ejemplo para muchos chicos e intenta repartir esa responsabilidad para que Candeal no sea sólo él. Niñas y niños son, también, protagonistas esenciales de El milagro de Candeal, siempre presentes en las aulas de música, en las calles tocando percusión, en las charlas en las que Carlinhos Brown les enseña que la percusión está en el origen de la vida y que hasta lo más pequeño, lo más insignificante sirve para hacer y vivir la música.
Trueba cree que cuando uno ve la infancia de Candeal, hay algo dentro de ti que te cambia. El cineasta español opina que "la gente del Candeal es más rica que la de muchos otros sitios. Me gustaría que El milagro de Candeal contribuyera a dar publicidad a una comunidad que me parece ejemplar. Por la manera de enfrentarse a los problemas y por lo que ya han conseguido. Porque nos enseña con el ejemplo que el mundo es mejorable".
También la vecindad de Candeal nos enseñan esa perfecta convivencia entre las tradiciones ancestrales y la modernidad que se da en la favela de Bahía. El milagro de Candeal es la demostración visual de que a través de la música se puede vencer a la violencia y a la pobreza. Candeal es el ejemplo vivo y actual de esta posibilidad. Pero, sobre todo, es un canto a la esperanza y a la música como posibilidad de mejorar la vida de las personas. A la creación, la generosidad y la ilusión como alternativa a la destrucción, el egoísmo y el desencanto. El milagro de Candeal nos descubre que aún es posible confiar en un mundo más solidario y mejor. Que hay personas que luchan por su paraíso ahora. (Fuente: Revista Pensar Iberoamérica)
01. Silêncio D´Allah (Bilú do Paraíso) 02. Aldeia (Carlinhos Brown) 03. Blen blen blen (Carlinhos Brown y la Banda del Camarote Andante / Bebo Valdés) 04. Carlito marrón (Carlinhos Brown) 05. Zambie mameto (Carlinhos Brown / Mateus) 06. Candeal de Santo Antônio (Carlinhos Brown) 07. Músico (Carlinhos Brown / Marisa Monte / Bebo Valdés) 08. Faixa de cetim (Caetano Veloso) 09. Agogô Valdés (Carlinhos Brown y Bebo Valdés) 10. Serenata ao Luar (Carlinhos Brown y la Banda del Camarote Andante) 11. Misericórdia (Mateus) 12. Ashansu (Carlinhos Brown y Banda Timbalada) 13. Pintado e sua gente (Carlinhos Brown) 14. Sal de Yemanjá (Hip Hop Roots) 15. Carnaval medley: Blen blen blen / Carnavália / Faraó / Toda paz / Serpente e serpentina (Carlinhos Brown y la Banda del Camarote Andante)
Segundo disco hasta la fecha de esta jovencísima y talentosa canadiense. Que lo disfruten,saludos.
01. Take The "A" Train 02. Never Make It On Time 03. I Got Rhythm 04. For Another Day 05. God Bless The Child 06. Cool My Heels 3:23 07. You'll Have To Swing It (Mr. Paganini) 08. Bienvenue Dans Ma Vie 09. First Lady 3:06 10. On The Sunny Side Of The Street/Fool In The Rain 11. Grey Skies 3:22 12. Try Try Try 3:11 13. Over The Rainbow
Su nombre es Nikki Yanofsky y se hizo famosa a partir de su debut en el Festival Internacional de Jazz de Montreal, en 2006, cuando sólo tenía doce inviernos de edad (nació el 8 de febrero de 1994, en Montreal, Canadá), para ser la artista más joven que se haya presentado en dicho festival a lo largo de su ya añeja historia.
Su primera grabación la hizo para Verve Records, con una participación en el álbum We All Love Ella: Celebrating the First Lady of Song (2007), con la canción “Airmail Special”. Con ello, se convirtió en la cantante más joven en haber grabado para esa prestigiada marca disquera, una de las más importantes del jazz.
“Cuando tenía cinco años, me enamoré de los Beatles, Stevie Wonder y Aretha Franklin”, cuenta Nikki en una reciente entrevista. “Empecé a escuchar jazz hasta que cumplí los doce. Me obsesioné con Ella Fitzgerald, después bajé muchísimas de sus canciones de iTunes. Ella me introdujo al jazz y realmente me enseñó a cantar. Tenía la técnica más impresionante. Su tiempo y su tono eran perfectos. Nunca tuvo una nota equivocada en sus presentaciones. ¡Cantaba con tanta emoción y tanto sentimiento!”.
Fue tal su amor por Ella que cuando Nikki Yanofsky fue invitada de nuevo al Festival de Jazz de Montreal, en 2007, decidió dedicar el set completo a la cantante. Una versión de esa presentación fue grabada en un CD/DVD titulado Ella… Of Thee I Swing, grabado en el Place des Arts de Montreal, en octubre del mismo año, disco que fue nominado para dos premios Juno, la versión canadiense del Grammy. Su primer álbum en estudio es Nikki (Decca Records, mayo de 2010) y fue producido por Phil Ramone, con nuevos y frescos arreglos a canciones clásicas del jazz (“Take the ‘A’ Train”, “I Got Rhythm”, “God Bless the Child”, “Over the Rainbow”) y algunas originales de la propia Nikki, incluidas varias colaboraciones autorales con Ron Sexsmith y Jesse Harris. También viene un tema de Feists (“Try Try Try”), escrito específicamente para la joven vocalista y una luminosa versión a “Fool in the Rain”, nada menos que de Led Zeppelin.
La voz de Nikki Yanofsky es sorprendentemente madura para su edad. Llena de color, de calor, de intensidad, de fuerza y alcance, su forma de interpretar le permite atacar lo mismo al jazz clásico que al más moderno y estilizado, como el que representan cantantes del corte de Norah Jones, Diana Krall o la singular Nellie McKay. Incluso me atrevo a decir que la Yanofsky es al jazz lo que Joss Stone es al soul, valga la comparación. Dos jóvenes vocalistas llenas de amor por la música anterior incluso a la que escuchaban sus padres y que saben interpretarlas como maravillosas almas viejas llenas de sabiduría y de feelin’. Por Rosa Olivia Hellion Tovar
01. Lullaby of Birdland 02. It Don't Mean A Thing (If it Ain't Got That Swing) 03. Swingin' on the Moon 04. You've Changed 05. Flyin' Home 06. Relax Max 07. Old MacDonald 08. Hear Me Talkin' to Ya 09. Ain't Got Nothin' But the Blues 10. At Last 11. The Way You Look Tonight 12. A Tisket, a Tasket 13. Somewhere Over the Rainbow 14. Deed I Do 15. Vote for Mr. Rhythm 16. Evil Gal Blues 17. With a Little Help From My Friends
Dadawa es el nombre de la artista Zhu Zheqin, una cantante y compositora independiente, que es bien conocida por su vocalización. Ella nació en Guangzhou, Guangdong, China. Dadawa a veces se la conoce como la "Enya China" por los fans. habida cuenta de sus incursiones en el mundo musical ecléctico incluyendo una grabación y una gira con The Chieftains de Irlanda. Ella colaboró con el compositor y productor He Xuntian en todos sus discos. He Xuntian es un profesor de música de Shangai. En 1994, él y Dadawa viajaron al Tíbet para investigar la cultura tibetana y sus creencias. El resultado fue, el album Sister Drum (1995), fue un éxito internacional. A continuación, Voices From The Sky fue lanzado en 1997. Dadawa es el primer músico chino contemporáneo que lanzo su música en todo el mundo, por la que ha recibido un premio MTV de Asia por su contribución a la música asiática.
En los últimos años Dadawa ha consolidado su reputación como una viajera y aventurera, visitando muchos países y sumergiéndose en una variedad de culturas de todo el mundo. También ha trabajado en el periodismo de televisión, en particular, su celebración de un documental de la televisión china importante, "Into África", que introdujo ese continente a cientos de millones de espectadores. Fuente Wikipedia
Máximo Francisco Repilado Muñoz, más conocido como Compay Segundo, músico y compositor cubano de amplia trayectoria, es uno de los intérpretes más conocidos y queridos entre el público amante de la música cubana. En su juventud formó parte del quinteto Cuban Stars de Ñico Saquito, fue vocalista del conjunto de Miguel Matamoros y, en 1948 fundó, junto a Lorenzo Hierrezuelo, el legendario dúo Los Compadres como voz segunda e intérprete de tres.
Inventor del armónico (un híbrido de siete cuerdas entre la guitarra española y el tres cubano), deja de lado su faceta artística a principios de los años 60 cuando triunfa la revolución castrista y se cierran los célebres cabarets de la Habana. Pero con los 70 años ya cumplidos Compay retoma su verdadera vocación y empieza a tocar para turistas en La Habana y realiza pequeños conciertos en Estados Unidos y en España. El éxito internacional le llega ya mayor: Santiago Auserón le redescubre en su estupenda recopilación de son cubano Semilla del Son, y en 1996 graba Yo vengo aquí con Dro East West Spain, que le promociona de forma importante especialmente a partir de 1998 con el lanzamiento del disco Lo mejor de la vida.
En 1997, con 90 años, participa en Buena Vista Social Club (ganador un Grammy), todo un fenómeno internacional que resucita el interés por la música tradicional cubana. Junto con las grandes figuras Eliades Ochoa, Ibrahim Ferrer, Rubén González, Orlando "Cachaito" López y Omara Portuondo vive una segunda época dorada, iniciando giras por los escenarios más importantes a nivel mundial. En los últimos años actuó ante millones de espectadores y grabó nueve discos. No pudo cumplir su sueño de llegar a la edad a la que llegó su abuela, que fue una esclava que murió libre a los 106 años. Pero podemos disfrutar de su deliciosa ancianidad, su puro, su ron y su armónico en Yo vengo aquí, una estupenda recopilación de grandes temas compuestos e interpretados por Compay a lo largo de su entrañable carrera.
01. Yo vengo aquí (son) 02. Sabroso (son) 03. Chicharrones (son) 04. Macusa (son) 05. Ahora me da pena (son) 06. Mi calderito (son) 07. Silencio (bolero) 08. Hey Caramba (regina oriental) 09. Quien te bautizó (Vicenta) (son) 10. Se secó el arroyito (guajira) 11. Orgullecida (bolero-blues) 12. Clarabella (bolero-son) 13. Sarandonga (son) 14. Virgen del Pino (bolero) 15. Chan Chan (son)
Urubamba, mejor conocido como Los Incas, es un grupo de folklore andino fundado en 1956 por el argentino Jorge Milchberg en Francia. El nombre Urubamba hace referencia al río Urubamba, el que rodeaba a la ciudad prohibida de los incas. Jorge Milchberg y Los Incas introducieron a Paul Simon en la música andina, y años después participaron en la grabación de El Condor Pasa (If I Could) que se convirtió en un exito mundial. La canción apareció en el album Bridge over Troubled Water de Simon and Garfunkel en 1970. La música de Urubamba esta principalmente influenciada por la música del folklore del altiplano de Perú, Argentina, Bolivia, Ecuador y Chile
Estudió contrabajo con su padre, integró la orquesta de Arcaño y sus Maravillas, fue miembro de la banda de jazz Riverside en 1954 y en 1960 formó parte de la Orquesta Sinfónica Nacional. En 1966 tocó con la Orquesta Cubana de Música Moderna y en 1996 fue elegido para el Buena Vista Social Club con otros relevantes intérpretes, varios ya fallecidos, como el cantante Ibrahim Ferrer, el trovador Compay Segundo, el cantante Pío Leyva y el pianista Rubén González.
Disco: Cachaíto (9 abril 2001, World Circuit Records, featuring Manuel 'Angá' Diaz (congas), Pee Wee Ellis (horns), Bigga Morrison (Hammond), Manuel Galban (guitarra), Amadito Valdés (timbales), and Hugh Masekela (flugelhorn)
01 - Siempre Con Swing (Intro) 02 - Redención 03 - Mis Dos Pequenas 04 - A Gozar El Tumbao 05 - Cachaito In Laboratory 06 - Tumbao No. 5 (Para Charlie Mingus) 07 - Conversación 08 - Tumbanga 09 - Oración Lucumi 10 - Wahira 11 - Anais 12 - La negra
Triana fue un grupo musical español de rock andaluz de los años 1970 y principios de los 1980, formado por Jesús de la Rosa Luque (Sevilla) (Voz y teclados), Eduardo Rodríguez Rodway (Sevilla) (Voz y guitarra) y Juan José Palacios "Tele" (El Puerto de Santa María, Cádiz) (Batería y percusión).
Muchos recordamos todavía a este conjunto andaluz que sorprendió con un disco que revolucionó el rock llamado «con raíces», y de paso algunas convenciones sobre la llamada «música moderna». Después de El Patio (1975), ya nada fue igual para el rock que se hacía por estos pagos. Incluso se acuñaron términos, definiciones y palabras para poder explicar el nuevo sonido a medias entre el canto del muecín y el cante jondo; entre la guitarra flamenca y el rock al uso de los King Crimson y compañía.
La prematura muerte de Jesús de la Rosa, alma mater del grupo, interrumpió trágicamente el lento languidecer de una música que había nacido del y para el corazón y que supo conmover el espíritu colectivo de la sociedad española, que andaba en ese tiempo buscando alternativas a la negrura de 40 años de opresión cultural, social y política.
Preguntarse ahora sobre si hubiera sido posible Triana en otro caldo de cultivo social, resulta, quizás, ocioso, aunque muchos pensemos que es la sociedad la que determina en gran parte al artista, y no al revés; sin embargo, algo tuvo que ver, seguramente, la generosidad de sentimientos y el deseo de búsqueda de la libertad personal y colectiva presente en tantas personas durante esta década prodigiosa y atropellada, en la respuesta arrolladora a los discos de Triana. http://www.margencero.com
01. Tu frialdad 02. A través del aire 03. Cae fina la lluvia 04. Un nido en mi ventana 05. Aroma fresco 06. Un extraño más 07. Encuentro fugaz 08. Caudaloso río 09. Fin
Bachir Attar (nacido en Jajouka, Marruecos en 1964) es el líder de Master Musicians of Jajouka. Él es el hijo de Hadj Abdesalam Attar, quien dirigió el grupo de músicos de Master Musicians of Jajouka en el momento de su álbum mas innovador producido por Brian Jones.
Bachir Attar lleva en las tradiciones de su padre de la familia Attar con una nueva generación de músicos Maestros descendientes de los miembros del grupo de su padre. Ellos incluyen a sus hermanos Mostapha Attar, Abdellah Attar, y el hijo del famoso maestro del tambor, Mohammed "Berdous" Attar, Otros miembros del grupo son Abderrzak El Attar, Jaghdal Mokhtar, y Mohamed Attar, moqqadem del santuario de Sidi Ahmed Sheikh, y Abdellah Bokhzar todos ellos tocaron con el padre de Bachir.
Un buen ejemplo de la "new-world fusion" The Next Dream podría ser bautizado como el jazz pan-cultural. Las músicas indígenas de Marruecos, Senegal, y las tierras del Medio Oriente el trabajo de sus sensibilidades en un tejido sonoro tan finamente sintonizado como el jazz.
The Next Dream fue producido por Bill Laswell, que trae un poco del urbanismo y la robustez guturales a las grabaciones. El álbum muestra no sólo un trabajo conjunto de la percusión más espléndida, tambien destaca el trabajo de Attar con el instrumento de viento llamado ghaita, un instrumento como el laúd llamado gimbri, la lira, y otros dispositivos varios. la destreza notable de Attar y la profundidad de la emoción se extiende más allá de las aplicaciones tan exquisitamente dispuestas en The Next Dream.
The Next Dream es un himno rico en detalles una historia exótica y una experiencia auditiva maravillosa.
