Carlos Zapata - Imagenes (1997) [Perù]

subido por Amaru

Carlos Zapata es un compostor peruano de musica andina, sus trabajos son muy versatiles, aunque su distintivo es la instrumentalizaciòn melodica. Compuso este disco para una serie de documentales de corte cultural, pero la excelente fusiòn de ritmos y la aplicaciòn de sonidos sinfonicos, saxo, violin y arreglos electronicos, hicieron que el album fuera màs alla que un simple soundtrack.

De formación autodidacta, la ejecución y el dominio de los instrumentos de viento como "quena y zampona" fue en el, un hecho natural. Aunque pronto, la composición y creación musical le abrirían nuevos horizontes.
Forjador de un arte libre y honesto, su paso trashumante lo llevo por calles y plazas aprendiendo el cómo y el porqué de los artistas comprometidos.

Este album es su obra personal que marcaría un punto de inflexión en su carrera artística, congregando a músicos de renombre en la Republica de Alemania, tales como: Sergio Boré, Joe Cremóne, Omar Rodríguez Calvo y Mauricio Calquin; este fue un hecho de enorme trascendencia en la música instrumental ocurrido el año 1995 en Hamburgo-Alemania.

A travez de imagenes viajamos hacia la dimensión de los sueños, música finamente inspirada en la cordillera andina, pero también, en los espíritus urbanos que rondan el alma fecunda de este prolífico creador. En IMAGENES participaron además: Kozue Aita y Manuel Callahui.

Carlos Zapata, el músico contemporáneo, que reconcilia al mundo en atmósferas de futuro, y que sin embargo nos deja en cada tema el ansiado dulzor de la nostalgia . De mirada limpia y sonrisa serena, sensibilidad exquisita y espíritu explorador, así es Carlos Zapata, premunido de un siku o una quena, convirtiéndose en un universal tocador de almas.




Lista de canciones:

APUÑAHUI
FLORES DE ABRIL
IMAGENES
INOCENCIA
LEJANIA
NOSTALGIA
PAISAJE NOCTURNO
PAMPAS
PUEBLO JOVEN
QUERENCIA
RECUERDO DE NIÑO
VICTORIA
ZAMPOÑERO DE LA CIUDAD

Carlos Zapata - Imagenes

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Mory Kante - N'Diarabi [Guinea]

Como dicta la tradición, el jali debe ser iniciado antes de su nacimiento y Mory Kanté ya lo era cuando nació en Kissoudougou (Guinea), en 1950. Cuando todavía no había cumplido su primer año de vida, Kanté ya había empezado a cantar algunas palabras, y a los tres se entusiasmó con los instrumentos de su padre, en especial con el bala (el xilófono africano). Al terminar la primaria, dejó su ciudad natal y se radicó en Bamako, la capital de Malí, en donde aprendió a tocar la guitarra y la tradición oral del jali.
Los comienzos de su carrera profesional se remontan a los primeros años de la década del ´70. Por aquel entonces, Kanté se había unido a la banda Apollos, una de las más populares de Bamako. Pero su forma de tocar y su dominio de la guitarra llamaron la atención del líder de otra agrupación, la Rail Band, quien le pidió que se les uniera al grupo, que incluía en su formación al cantante Salif Keita. Con el tiempo, esta banda se convirtió en legendaria e influyente, ya que fue una de las pioneras en integrar influencias afro-cubanas y en incorporarle sonidos eléctricos a la música mandinga.

Tras la partida de Keita, Mory Kanté tomó su lugar. Además de tocar la guitarra y el bala (más tarde aprendió a tocar también la kora), el guineano pasó a ser el cantante principal de la banda. Con esta formación, la Rail Band tocó en distintos países africanos como Malí, Níger, Nigeria y Costa de Marfil. Precisamente, en la capital de este último, Kanté se radicó con el propósito de continuar su carrera profesional. Se reunió con algunos intérpretes de instrumentos tradicionales (el bala, el djembé, el bolon) y junto a ellos grabó su primer disco, lanzado por el sello americano Ebony Records. En Abidjan, el guineano también creó un grupo de danza en el Centro Cultural Francés, reuniendo a más de 75 artistas entre músicos y bailarines.

Tras el éxito del primer álbum, Mory decidió mudarse a París. Allí continuó grabando y sus discos fueron muy bien recibidos por la crítica. En 1987, publicó el exitoso "Akwaba Beach" que incluía el tema "Yéké Yéké". A éste le siguieron "Touma" (1990), "N´diarabi" (1993) y "Tatebola" (1996).
A comienzos de los noventa, Kanté y su grupo realizaron su primera gira mundial, llegando a tocar en el Central Park de Nueva York ante decenas de miles de neoyorquinos, que quedaron fascinados con el irresistible ritmo de la banda.
Durante esta década, Mory Kanté se dedicó a construir un complejo cultural en Conakry, la capital de Guinea, con el propósito de impulsar y generar nuevos espacios para la difusión de las tradiciones de su pueblo.
http://www.estaciontierra.com/artistas/artista.php?id=135



01. Intro 2:04
02. Courougnegne 6:12
03. Mariama 7:18
04. Intermede 1:14
05. Bankiero 5:42
06. N'Diarabi 5:32
07. Mariage 6:43
08. Finale 1:18
09. C'est la fin 0:05



N'Diarabi

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Bill Douglas, Ty Durhoe, Kai Eckhardt & Steve Smith - Sky [Usa - New Age]

Sky es una inspirada y atrevida mezcla de la fusión de Musicas del mundo con elementos de jazz, música clásica y el funk. En esta grabación única, la voz conmovedora de la tabla india mezcla a la perfección con las melodías del piano edificante y el sonido profundo de bajo y batería. Desde baladas líricas para disfrutar del mundo de J.S. Bach, esta colaboración única atraviesa un paisaje sonoro diverso que toca el espíritu de la creatividad.
Sky cuenta con la música del compositor y pianista Bill Douglas, junto con la tabla de Ty Burhoe. A ellos se suman el bajo brillantes de Kai Eckhardt y el genio de Steve Smith en batería.
Fuente Amazon.



01. Full Moon
02. Jubilation
03. Rio
04. Vocal Rhythm Etude Medley
05. Tara
06. Earth Dance
07. Freedom Jazz Dance
08. Autumn
09. Courante
10. Torch
11. Entering the Dream
12. Funk for Spain
13. Night Song

Sky

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Bill Douglas - Eternity's Sunrise [Usa - New Age]

Eternity's Sunrise is a good place to start if you're unfamiliar with the soothing and spiritual nature of composer/multi-instrumentalist Bill Douglas. Encompassing his several releases on the Hearts of Space label, Douglas' compositions prominently feature his bassoon and piano playing often backed by the Ars Nova Singers, with lyrical content borrowed from the poetry of Shakespeare, Tennyson, Yeats, Traherne, and Shelly. ~ Al Campbell



Personnel includes:

Bill Douglas (bassoon, piano, synthesizer);

Thomas Morgan (conductor);

The Ars Nova Singers (vocals);

Stephanie Arado (violin);

Brett Wallace, Judith Glyde, David Lockington (cello);

Anne Stackpole-Cuellar (flute);

Bil Jackson (clarinet);

Peter Cooper, Lisa Iottini (oboe);

Geoff Johns (tabla, percussion);

Chris Lee, John Galm (percussion).

1. Heaven In A Wild Flower

2. The Hills Of Glencar

3. Into the Twilight

4. Flow Gently, Sweet Afton

5. Farther Than The Stars

6. My Love Is Like A Red Red Rose

7. Return To Inishmore

8. I Shall Not Live In Vain

9. Karuna

10. Earth Prayer

11. Elegy

12. Tara

13. O Earth, O Earth, Return

14. Deep Peace (Choral Versi

Eternity's Sunrise

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Bill Douglas - A Place Called Morning [Usa-New Age]

La búsqueda de lo divino al amanecer con la luz del alba, el pianista y teclista Bill Douglas utiliza su octava grabación para crear un canto suave a la belleza natural de la mañana, la pureza y la promesa intangibles que flotan en el primeros rayos de sol del amanecer. Una vez más acompañado de los talentos entusiastas con sede en Denver, los cantantes de la Ars Nova, Douglas compone un programa conducido con calma reverencial para los pasajes corales del grupo (que figuran en siete de los 13 temas del disco). Las obras instrumentales de Douglas (con invitados especiales en el violín, cello, oboe, clarinete, percusión, flauta, la luz, y su propio fagot) para crear un sonido de meditación, con tintes de jazz de cámara. En última instancia, estas piezas sirven como interludios modestos entre las secciones corales más fascinantes. el contenido de las letras viene de una variedad de versos (WB Yeats, Emily Dickinson, la canción de la Biblia de Salomón) y ensalza la tranquilidad y la calidad mágica de la madrugada, aunque las palabras (irreconocibles sin la hoja de letra) son secundarias a la resonancia de catedral que el grupo pone en adelante. Destacan la canción de apertura, celestial, murmullo sin palabras de "Tara", la adoración / celebración en "Lovely Is the Rose", y la canción, que da titulo un cautivador verso de Dickinson. - Terry Wood

Bill Douglas (bassoon, piano, synthesizer);

Ars Nova Singers (vocals);

Yumi Hwang (violin);

Judith Glyde (cello);

Anne Stackpole-Cuellar (flute);

Bil Jackson (clarinet);

Peter Cooper (oboe);

Ty Burhoe (drums, tabla);

Timothy Quigley (cymbals).

1. Lake Isle Of Innisfree

2. Emerald Dawn

3. Forest Hymn

4. Morning Song

5. Tara (Choral Version)

6. Lovely Is The Rose

7. Golden Rain

8. Wings Of The Wind

9. Spectrum Of Violet

10. A Place Called Morning

11. Intermezzo

12. Sadness Of The Moon

13. Rise Up, My Love

A Place Called Morning

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Marisa Monte - MM ao vivo (1988) [Brasil]

subido por Zadig

Hola a tod@s,

os presento a Marisa Monte, una muy conocida voz brasileira.
Iba para cantante de ópera pero, afortunadamente, se quedó en eso :-)
Su potente y desgarrada voz (cuando quiere hacerla desgarrada) no os dejará indiferentes.
Nacida en el '67 en Rio de Janeiro, su padre era entre otras director de una escuela de samba.
Ya a corta edad quiso ser cantante de ópera y con 19-20 años se fué a Italia para estudiar el bel canto. Cosa que no cuajó, regresando al poco tiempo a Brasil para intentar abrirse camino como cantante de música pop.
Sus actuaciones fueron bien recibidas, siendo este disco "MM" su primera edición.
Este disco contiene adaptaciones o versiones de temas conocidos para algunos, como "comida", "bem que se quis", "chocolate", "gato negro" y un clásico de la Motown "i heard it through the grapevine" que todos hemos escuchado alguna vez en voz del maravilloso Marvin Gaye.

En fin, os aseguro que este disco NO tiene desperdicio.
Siendo sincero, cuando lo adquirí, no conocía a Marisa Monte. Bueno, miento, la escuché una vez en "EL PROGRAMA" de Ramón Trecet, pero ni me acordaba de quien era ni lo que cantaba. Sólo sabía que era brasileña. Pues bien, fué escuchar el disco y quedarme literalmente asombrado (y fué cuando me dí cuenta de que esa voz me era conocida). Y todavía hoy cuando lo escucho le encuentro algún detalle.




01 - Comida
02 - Bem que se quis
03 - Chocolate
04 - Ando meio desligado
05 - Preciso me encontrar
06 - O xote das meninas
07 - Negro gato
08 - Lenda das sereias - Rainha do mar
09 - South american way
10 - I heard it through the grapevine
11 - Bess, you is my woman now
12 - Speak low

Marisa Monte - MM ao vivo

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Yawar - Te amo (1999) [Perù]

subido por Amaru
Yawar es una de las mejores agrupaciones andino-peruanas (por no decir la mejor), con un distintivo musical ùnico. Formado a finales de los 80's por los hermanos Ramirez; tienen una gran trayectoria consagrandose con este disco: "Te amo", lanzado en 1999, una gran revelacion para la epoca. Con sonidos pop andinos, y una sazòn de Jazz, este disco es una joya que merece la pena ser escuchado en su totalidad.

Se puede encontrar sonidos frescos y dulces, acompañados elegantemente por el saxo. Destacan de este album temas como: El adios (instrumental), Huracàn, Pastoruri, Junto a la luna, entre otros. Actualmente el grupo realiza giras por toda Europa, aunque ya no se encuentra con la formaciòn original. Son el mejor referente de la fusiòn peruana.

La versatilidad en sus interpretaciones, tonos melodicos, sonidos lùdicos, hacen de Yawar una agrupaciòn unica en su gènero. Simplemente el disco se resume a cada una de las canciones. Tienen en su haber 6 albums. Aquì les dejo el mejor de todos, subire los demas pronto.




Artista: Yawar
Paìs: Perù
Genero: Andean - Jazz - Ethnofusiòn
Album: Te amo
Año: 1999

Lista de canciones:

MAYUMARKA
JUNTO A LA LUNA
AÑORANZAS
TE AMO
CORAZON DE FUEGO - Tuntuna del negro
EL ADIOS - Version instrumental
QUISE DESCUBRIRTE
VUELVE A TUS CAMPOS
DULCE ANDINA
EL ADIOS
HURACAN
SAYA EN EL VALLE - Saya Brutal
BUSCANDO
PASTORURI

Yawar - Te amo

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William Gray - Living fossils (2006) [Argentina]

En principio, dudé de postear un álbum de rock sinfónico cantado en inglés (aunque sea un conjunto argentino) pero resulta ser que tanto la intención del grupo William Gray como su música tienen que ver con el tango: en muchas de sus presentaciones en vivo la banda se presenta con una orquesta de tango, y además en el álbum se pueden escuchar varios arreglos tangueros, más un tema instrumental en formato tango, más otra canción instrumental convertida en chacarera. Todo ello me predispuso a publicarlo aquí para que lo pueda disfrutar el que así lo desee.

William Gray es un grupo argentino de neo progresivo sinfónico, con grandes arreglos orquestales y corales, liderado por Sebastián Medina (voces, guitarras y composición), se formó en el 2005, a partir de "Living fossils", una ópera-rock audiovisual con elementos de tango y ritmos autóctonos argentinos. Cantada en inglés, cuenta con arreglos para bandoneón, acordeón, cuerdas, flauta, coros polifónicos y bombo legüero.

"Living fossils" es un álbum conceptual, una ciudad de Buenos Aires con personajes maquinistas de subte, ascensoristas, acomodadores de cine, que pasan a un nuevo plano de realidad. El protagonista es “Virgilio” cuya esposa e hijo son atropellados por una ambulancia y esta acción rompe una vida feliz sumergiéndolo en una realidad gris y oscura, se vuelve un personaje cargado de ira, que lo lleva a matar y convertirse en otra persona.

Las máximas inspiraciones para este trabajo parecen ser Pink Floyd, algo de Par Lindh y Flower Kings. Desde la “Intro” se preanuncia lo imponente de la obra, que da paso un anticipo de lo que vendrá en la suite “Darkest Side”, con grandes arreglos corales y órgano de iglesia, mientras que en “Prossession I” y “Fading Points” donde destaca la expresiva voz de Sebastián, luego guitarras acústicas, un cello exquisito y delicadas voces conforman la hermosa y emotiva “Broken Ministrel”, que da paso a la pieza de piano solo “Introspection” para desembocar en la potente “Urban Battle I” (recuerda a Spocks Beard) con abundantes cortes y un destacado órgano Hammond . Posteriormente, en “Because” y “I Want You” se ingresa a otra oscura zona (de acuerdo a la temática que le sucede al protagonista), en “Eye in the Hole” Sebastián impone su voz emotiva y el increscendo de la banda le da un marco épico, para volver a caer en climas oscuros adonde se luce un casi imperceptible acordeón que la da un aire misterioso y sugerente. La acústica y melódica “Sadness” con hermosas guitarras sobre las cuales el cello y flauta dibujan hermosos pasajes, dan paso a una versión en forma de rock sinfónico (“Urban Battle II”) de la chacarera “Campo Afuera” de Carlos Di Fulvio, un “Interludio” de cuerdas es el pasaje a “Urban Battle III” desarrollo en forma de hard progresivo que le da realce dramático a la obra. Luego: “Prossession II” es un tema vocal que protagoniza la soprano Carolina Azcune, desembocando en el final del trabajo, con la conmovedora “Awareness” termina de cerrar el clima oscuro y épico de Living Fossils, una cuasi novela musicalizada que promete continuar.
Un párrafo aparte para la lograda versión en forma de tango de “Urban Battle I” (bastante piazzolesca) con un profundo sentido de pertenencia.

Estupenda y emotiva música, grandes composiciones y ejecuciones, para mí uno de los mejores trabajos de rock progresivo argentino desde Crucis a esta parte. Lo único que tengo para objetarle (ya sé, es algo personal, paro yo hago el review!) es escuchar las secciones de tango y chacarera en inglés, creo que pierden todo lo original (y reginal) en este punto... pero quizás esos sea tema de otras discusiones.




Track list:
1. Darkest Side 7:33
2. Prossession-I 1:52
3. Fading Points 7:20
4. Broken Minstrel 5:07
5. Introspection 2:33
6. Urban Battle-I 5:18
7. Eye In the Hole 6:29
8. Dragonfly 4:34
9. Sadness 2:42
10. Urban Battle-II 7:34
11. Interlude 2:24
12. Urban Battle-III 4:27
13. Prossession-II 2:05
14. Awareness 5:52
15. Urban Battle-IV 3:35

Músicos:
Sebastián Medina: voz, guitarras eléctricas y acústicas
Juan Manuel Tavella: organo Hammond, piano, acordeón
Diego Munin: piano, teclados
Federico Ferme: guitarras eléctricas y acústicas
Eduardio Graña: bajo
Mauro Graziano: bateria
Nicolas Basualdo: cello
Carolina Azcune: coros
Cecilia Damato: coros
Joan Moreno: coros
Gabriel Safronchik - contrabajo
Ricardo Luna - flauta
Ivana Luna - violin
Alejandro Sganga - violin
Fernando Estrup - viola
Marcela Muollo - cello
Daniela Berenstein - cello

William Gray - Living fossils
subido por Moebius8

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Arbolito - Cuando salga el sol (2007) [Argentina]

Arbolito es un grupo musical argentino compuesto por egresados de la colegio de música de Avellaneda. y se caracteriza por su estilo profundamente ecléctico que fusiona ritmos folclóricos de la argentina (chacarera, huayno, saya, zamba, candombe, entre otros) con ritmos de amplia divulgación (principalmente el rock bien arreglado de grupos como Jethro Tull, y reggae). La banda destaca por su maestría multi-instrumentística, y por sus letras con férreo contenido social. Ha tocado tanto en festivales de rock, como en festivales de folcklore argentino, como fue en 2009 con el festival folclórico de Cosquin.
En un análisis empírico pueden definirse como un grupo multigénero, muestra un paso más allá en la producción de esa música con base en el rock y el folklore que le entra a la cumbia, el candombe, el reggae, la cueca, la chacarera, el huayno y el tinku sin drama, a veces desde la efusividad punk, otras desde la introspección psicodélica, siempre con letras que patentan un modo de entender el mundo y ofrecen otra forma de leer los hechos que en él ocurren.




Track List:
01 - Sobran.
02 - Chacarera de las cloacas (cuando salga el sol).
03 - La recuperada.
04 - La costumbre.
05 - Niña mapuche.
06 - Saya del yuyo.
07 - Como una luz.
08 - Jipitur.
09 - Mi pueblo chico.
10 - Promo II.
11 - El bichito.
12 - Amérika bonita.
13 - América bonita (parte II).
14 - Osvaldo.

Músicos:
Ezequiel Jusid: Voz, guitarra acústica, guitarra eléctrica
Agustín "tatín" Ronconi: Voz, flauta traversa, quena, charango, violín, guitarra
Andrés Fariña: Bajo eléctrico, coros
Pedro Borgobello: Clarinete, quena, sicu, guitarra eléctrica (algunos temas), coros
Diego Fariza: Batería, bombo legüero
Sebastián Demenstri: Percusión, accesorios

Arbolito - Cuando salga el sol
subido por Moebius8

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Sergio Godinho - O Irmao do Meio (2003) [Portugal]

Sérgio Godinho, 30 anos de carreira, 20 discos (16 álbuns de originais) é, sem dúvida, um dos artistas mais importantes na cena musical portuguesa. Actor com múltiplas participações em filmes, peças teatrais, séries e peças televisivas e ainda autor de textos para teatro e de canções para séries televisivas e ocasionalmente realizador, entre muitas outras actividades.

"É uma coisa que, em mim foi sempre natural, já que a minha formação também foi de actor, e só não faço mais teatro porque me ocupa demasiado tempo e tem que haver escolhas."

Sérgio Godinho nasceu em 1945 no Porto. Partiu de Portugal com 20 anos, recusando assim fazer a guerra colonial. Viveu durante nove anos em Genéve, Paris, onde integrou o elenco da comédia musical "Hair", Amesterdão, Brasil, onde se juntou ao grupo de vanguarda “Living Theater” e Vancouver. O seu primeiro LP "Os Sobreviventes" foi gravado em França, em 1971, com músicos franceses e a colaboração de alguns portugueses então radicados em França. Gravou também no exílio o álbum "Pré-Histórias". Estes dois discos, premiados pela Casa da Imprensa, foram sucessivamente proíbidos e autorizados pela censura de então.

Tendo regressado a Portugal após a revolução democrática do 25 de Abril de 1974, Sérgio Godinho tornou-se autor de algumas das canções mais unânimemente aclamadas da música portuguesa - "Com Um Brilhozinho Nos Olhos", "O Primeiro Dia", "É Terça-Feira", apenas para citar três. Em 1983, no seu álbum "Coincidências", incluiu temas compostos em parceria com alguns dos mais reputados músicos brasileiros - nomes como Chico Buarque, Ivan Lins ou Milton Nascimento - algo até então inédito na produção musical portuguesa.

Nos seis anos que se seguiram, Sérgio Godinho gravou mais três álbuns de originais - "Salão de Festas", "Na Vida Real" e "Aos Amores" tendo entre outras actividades realizado centenas de espectáculos pelo país e no estrangeiro, actuando em algumas das mais famosas salas de espectáculos portuguesas.

Em 1990 voltou à música com o espectáculo "Sérgio Godinho, Escritor de Canções", onde revisitou as suas músicas sob uma nova perspectiva - apenas dois músicos acompanhantes e num auditório mais pequeno, neste caso o Instituto Franco-Português, onde fez 20 espectáculos de grande êxito. Desses espectáculos saíu o álbum ao vivo "Escritor de Canções".

Foi autor da série "Luz na Sombra", seis programas sobre intervenientes importantes das profissões menos conhecidas do mundo da música: letristas, técnicos de som, produtores, etc.; série essa exibida na RTP 2 no verão de 1991. Em Janeiro de 1992, realizou três filmes de ficção, de meia hora cada, com argumento e música igualmente seus. Estes filmes, com o título genérico de "Ultimactos", foram produzidos para a RTP, que os exibiu em 1994.

Escreveu ainda "O Pequeno Livro dos Medos", obra infanto-juvenil, que também ilustrou.

Voltou à música em 1993 com o disco "Tinta Permanente" e o espectáculo "A Face Visível", ambos merecedores dos maiores elogios da crítica e do público.

Em Novembro de 1995 é editado o disco "Noites Passadas" que foi gravado ao vivo em três espectáculos realizados no Teatro S. Luiz em Novembro de 1993 e no Coliseu de Lisboa em Novembro de 1994. Foram espectáculos que alcançaram grande êxito, tendo o Coliseu sido considerado um dos melhores espectáculos de sempre da carreira de Sérgio Godinho, alcançando um enorme sucesso de crítica e público.

(…)


(…)

Em Junho de 1997 é editado o disco "Domingo no Mundo", disco que conta com a participação de músicos e arranjadores de diferentes áreas musicais: (Pop, Rock, Popular, Erudita, Jazz).

Este disco foi apresentado com enorme êxito no teatro Rivoli do Porto e no Coliseu de Lisboa, nos espectáculos de nome "Godinho no mundo".

Em 1998 foi editado o álbum "Rivolitz", gravado ao vivo nos espectáculos do Teatro Rivoli e no Ritz Clube, em Lisboa, com uma formação de 10 músicos no primeiro de 3 no segundo.

Recebeu inúmeros prémios pelos seus discos, pela sua poesia, pela sua música, pelos seus espectáculos.

Em 2000 Sérgio Godinho volta com o seu mais recente disco “Lupa”, com dez canções originais e produção de Helder Gonçalves e Nuno Rafael. “Dancemos no Mundo” e “Bem-vindo Sr. Presidente” fazem já parte da lista das melhores de sempre. O disco é apresentado ao vivo, em Novembro desse ano, com dois espectáculos em Lisboa, no Centro Cultural de Belém, e um no Coliseu do Porto, tendo os três concertos obtido um grande sucesso. 2001 é o ano dos 30 anos de carreira. O aniversário é marcado pela edição três CDs. Dois dos discos são lançados em 2001 (“Biografias do Amor”, uma colectânea de canções de amor e “Afinidades”, uma gravação do espectáculo em conjunto com os Clã) e o terceiro, com lançamento para 2003, um CD onde Sérgio Godinho junta alguns amigos com quem partilha 14 canções. Entre muitos outros artistas participam neste disco Camané, Da Weasel, Jorge Palma, Teresa Salgueiro, Xutos e Pontapés e alguns grandes nomes da música popular brasileira.

Discografia:

1971 – Os Sobreviventes
1972 – Pré-Histórias
1974 – À Queima-Roupa
1976 – De Pequenino Se Torce O Destino
1978 – Pano Cru
1979 – Campolide
1980 – Canto da Boca
1980 – Kilas o Mau da Fita
1983 – Coincidências
1984 – Salão de Festas
1985 – Era Uma Vez Um Rapaz
1987 – Na Vida Real
1988 – Sérgio Godinho Canta com Os Amigos do Gaspar (Infantil)
1989 – Aos Amores
1990 – Escritor de Canções (ao vivo)
1993 – Tinta Permanente
1995 – Noites Passadas (ao vivo)
1997 – Domingo no Mundo
1998 – Rivolitz (ao vivo)
2000 – Lupa
2001 – Afinidades
2001 – Biografias do Amor
2003 – Irmão do meio

Tem ainda editados a banda sonora do filme "Kilas, O Mau da Fita" (1980), e várias colectâneas das quais se destaca "Era Uma Vez Um Rapaz" (1985) e o álbum para crianças "Sérgio Godinho Canta com os Amigos do Gaspar" (1988).

Departamento de Promoção da EMI – Valentim de Carvalho / Abril de 2003

Tracks
1 Pode Alguém Ser Quem Não é 4:18
2 Lisboa que Amanhece 5:05
3 Mudemos de Assunto 5:11
4 Isto Anda Tudo Ligado 3:36
5 Antes o Poço da Morte 4:30
6 O Galo é o Dono dos Ovos 2:51
7 Barnabé 3:26
8 Coro das Velhas 4:33
9 Balada da Rita 3:20
10 Fotos do Fogo 4:03
11 Enfim S.O.S. 3:01
12 Quatro Quadras Soltas 4:21
13 Chuvas de Cabo Verde 4:36
14 Que Força é Essa 3:15
15 Dancemos no Mundo 5:02

Credits
Design – Jorge Colombo
Directed By [Artistic Direction] – Sérgio Godinho
Executive Producer – Paulo Pulido Valente
Executive Producer [Assistant] – Joana Arouca, Vera Gomes, Ângela Rebelo
Mastered By – Jorge Cervantes
Mixed By – Artur David (tracks: 2), Fábio Henriques (tracks: Except 2, 15), João Martins (tracks: 2), Mário Barreiros (tracks: 15)
Music By, Lyrics By – Sérgio Godinho
Photography – João Francisco Vilhena
Recorded By – Tó Pinheiro Da Silva* (tracks: 1, 14), Cajó (tracks: 5), Jorge Cervantes (tracks: 2, 3, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13), João Martins (tracks: 4), Mário Barreiros (tracks: 15), Nuno Roque (tracks: 2, 3, 6, 7, 8, 9, 10, 11, 12, 13)
Recorded By [Caetano Veloso Voice] – Flávio Sousa* (tracks: 2)
Recorded By [Milton Nascimento Voice] – Fábio Henriques (tracks: 11)
Recorded By [Rui Veloso Voice] – Rui Guerreiro (tracks: 6)
Notes
Digipack case.

Recorded between September 2001 and October 2002 at Praça das Flores studio, except Rui Veloso voice recorded at Vale de Lobos studio, Milton Nascimento voice recorded at Discover Studio (Rio De Janeiro), Caetano Veloso voice recorded at Ilha dos Sapos studio (São Salvador da Bahia) and "Dancemos No Mundo" recorded at MB Studios, Vila Nova de Gaia.

Mixed at Praça das Flores studio, November 2002, except "Dancemos No Mundo" mixed at MB Studios, Vila Nova de Gaia, October 2002, and "Lisboa Que Amanhece" mixed at Praça das Flores, February 2003.

Mastered at Praça das Flores studio, February 2003.

Sergio Godinho - O Irmao do Meio

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Marta Gómez-Afri-Spaans (2010) [Colombia]

Graduada con honores de la prestigiosa Berklee College of Music luego de recibir la beca "Best Achievement", la canta-autora colombiana Marta Gómez, ha desarollado una carrera artística que la posiciona como una de las compositoras e intérpretes más destacadas de la actual escena musical internacional. Marta Fué nominada en el 2005 a los premios Billboard de la música latina en la categoría Jazz Latino junto a Paco De Lucía, Gonzalo Rubalcaba y Néstor Torres y ha sido calificada por la prensa como una cantante con una "voz exquisita". El diario "Los Angeles Times" la describió recientemente como "un talento excepcional con unavoz sublime".

Marta Gómez empezó su carrera musical a la edad de 4 años cantando en el coro del Liceo Benalcázar, en la ciudad de Cali, Colombia. En el verano de 1999 Marta viajó a Boston para ingresar a Berklee donde más tarde recibió el premio de composición Alex Ulanowsky por su bambuco “Confesión” antes de graduarse Magna cum laude en el 2002.
En el año 2003, Marta fué escogida por la famosa cantante de blues norteamericana Bonnie Raitt para abrir su concierto al lado del joven ganador del Grammy, John Mayer y más tarde Marta fué la invitada especial en el concierto de la gran cantora argentina Mercedes Sosa.

A principios del 2004, la joven canta-autora fue incluída por el sello Putumayo World Music en su recopilación de cantantes femeninas latinoamericanas, donde aparecen también cantantes de la talla de la peruana Susana Baca, Totó la Momposina y Tania Libertad entre otras.Siendo la composición su centro de enfoque y con más de 70 canciones compuestas, Marta ha ganado muchos concursos en
este campo, el más prestigioso es el The SIBL Project, de EE.UU., que escogió su canción “Paula Ausente” como la mejor canción inspirada por un escritor latinoamericano. Paula Ausente es una canción dedicada a la escritora chilena Isabel Allende y Marta tuvo la opotunidad de cantarsela a Allende en Noviembre del 2004, en California. Esta misma canción fue incluída en otro album de Putumayo llamado "mujeres del mundo acústico" (2007) y hace parte de la banda sonora de la serie "Capadocia" producida por HBO LatinoAmerica.

Marta fué escogida por la revista Colombiana Fucsia como una de las cinco Colombianas más representativas del año 2005. Más adeante, Marta grabó una canción llamada “The circle” (El círculo) compuesta por el canta-autor Norteamericano "Kris Kristofferson" dedicada a los desaparecidos en Argentina. Marta “llevó la canción a un nivel muy alto, a donde realmente pertenece” según las palabras del mismo Kristofferson. El escritor John Sandford, hizo referencia a esta interpretación en su más reciente novela “Dark of the moon” (la oscuridad de la luna).

Su producción "Entre Cada Palabra" (2005 chesky records) la hizo merecedora del título a "Mejor Acto Nacional de World- Music" del año 2006 por el diario Boston Phoenix. En una entrevista realizada por la Radio Pública Nacional de los Estados Unidos, el periodista Steve Inskeep dijo que admiraba la capacidad de la cantante de "convertir la dura historia de su país en música dulce". Su más reciente producción "Musiquita" hizo entrar a Marta una vez más en la lista de los diez mejores discos del género "World Music" de los European World Music Charts por varias semanas consecutivas.

Actualmente, Marta se encuentra promocionando este trabajo ofreciendo conciertos en países tan diversos como Estados Unidos, Paises Bajos, España, Suecia, Suiza y en Israel , donde también colabora frecuentemente con el ícono de la música de ese país, Idan Raichel..
Marta se nutre de lo cotidiano, y de esa nostalgia surgen canciones con un profundo contenido social y humano.

Canción de Marta

"Marta nació cantando.
En su cuna componía
y cantaba los ruidos que la rodeaban,
para llamar el sueño.

Marta compone para conjurar la nostalgia
y espantar las tristezas, las suyas y las ajenas.
Aprendió a cantarle al alma y el alma aprendió a oírla.

En su voz canta el viento, a veces se ríe un río
y hasta se escuchan los murmullos de la tierra.

Con su guitarra, su voz y llena de ganas sigue componiendo
los cantos que la rodean
y las voces que le dictan las ausencias, para arrullar el
silencio."

Nicolás Buenaventura Vidal (Realizador de cine, guionista y cuentero)




O1.Una cancion para ti (Jannie du Toit)
02.Si es que aín piensas en mí (Deutscher - Loose - Toerien)
03.Victoriabaai (Lucas Maree)
04.Toma mi canción (Peter Maffay - Michael Kunze)
05.Tus ojos de gitano (Anna Davel - Koos Kombuis)
06.Para ti (Christa Steyn)
07.Para siempre, Africa (Johannes Kerkorrel)
08.Atrapa el sol (Valiant Swart)
09.Ami (Lize Beekman)
10.Esta sangre (Theuns Jordaan)
11.En el medio de los trenes (Richard Van Der Westhuizen - Lochner De Kock)
12.Si puedes seguirme (Koos Du Plessis)
13.Vyfster (Lloyd Ross)
14.Nkosi (Popular sudafricana)

Marta Gómez-Afri-Spaans
subido por El Papa Luna

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Lucho Quequezana - Kuntur [Perú]

Lucho Quequezana es un talentoso músico peruano que ha logrado, mediante sus composiciones, fusionar y evolucionar ritmos, tanto andinos como costeños, permitiendo una actualización y revitalización de las raíces musicales del Perú.
Autodidacta, aprendió a tocar diversos instrumentos como la antara, quena y charango durante su etapa adolescente, en Huancayo.
La versatilidad o el dominio de varios instrumentos es importante para un compositor (así puede crear los arreglos de cada uno). Lucho empezó a componer a los 15 años y ya ha grabado su primer disco, Kuntur (cóndor), en el que él mismo interpreta cada uno de los instrumentos que se escuchan.
En el 2006, UNESCO-Aschberg eligió a Lucho Quequezana para realizar una convivencia musical en la que pudo compartir con otros artistas del mundo los ritmos peruanos. Se juntaron dos canadienses, un chino, un vietnamita, un venezolano, un turco y un peruano (Lucho) para producir ese intercambio que no pudo terminar de mejor manera que haciendo brotar Sonidos Vivos.




Lista de canciones:

WHY YESTERDAY
LANDO
ROAD TO THE CARNIVAL
KUNTUR
SINGUI
THE MAXIMA
SEAGULLS
ENCOUNTERS




Lucho Quequezana - Kuntur
subido por Amaru

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Hüsnü Şenlendirici ve Trio Chios – Ege´nin İki Yanı

Subido por Marhali.

Ege´nin İki Yanı (Los dos lados del Egeo, 2010) es el nuevo trabajo del turco Hüsnü Şenlendirici junto al grupo griego Trio Chios, un disco excepcional y de factura impecable interpretado por artistas que viven en orillas opuestas y que se unen en este proyecto para entrecruzar sus músicas como una recitación de amistad y fraternidad.

Hüsnü Şenlendirici es uno de los mejores clarinetistas del etno-jazz y el más destacado de su país. Considerado uno de los embajadores del clarinete turco, Şenlendirici ha tocado con casi todas las leyendas de la historia de la música popular turca y con reconocidas estrellas internacionales.

Originario de la ciudad de Bergama (Pergamos), cerca de la costa del Mar Egeo, toca el clarinete desde los cinco años por tradición familiar. A los dieciséis años se incorporó a la Magnetic Band junto al que hoy es famosísimo percusionista Okay Temiz. A finales de los años 90 fundó su propia banda, Laço Tayfa que, junto con The Brooklyn Funk Essentials, grabaron In the Buzzbag (1998), un álbum consistente en la interpretación de melodías tradicionales turcas con enfoque de funk y acid jazz. Con la realización de Bergama Gaydisi (2000) y Hicaz Dolap (2002), consolidan su estilo musical intenso y balcánico sin paliativos, combinando tradición, jazz y sonidos orientales. En 2005 Husnu Şenlendirici lanzó su primer álbum en solitario, Hüsn-Ü Klarnet (The Joy of Clarinet), una joya que instantáneamente se convirtió en un clásico, un récord de primera para un álbum instrumental.

De 2007 es el proyecto Taksim Trio, un sublime trabajo con dos maestros de la música turca, İsmail Tunçbilek sobre la bağlama y Aytaç Doğan sobre el kanun. Y ahora nos llega un flamante y precioso disco, Ege´nin İki Yanı, con excelentes músicos (Aytaç Doğan de nuevo con el kanun) y la formación Trio Chios (cuyo nombre evoca la isla griega) con Markellos Poupalos a la guitarra, laud y voz, Manolis Stathis al buzuki y Stamatis Poupalos al violín.

En Ege´nin İki Yanı Şenlendirici nos sorprende con dieciséis magníficos temas que, unos instrumentales y otros cantados en griego por Stamatis Poupalos o en turco por Merve Özvey, rezuman belleza y nos transportan al azul intenso del Mar Egeo, a sus vivaces colores y a sus puestas de sol idílicas. Pero, sobre todo, nos invitan a creer en la posibilidad de un puente, en una pasarela por la cual ambos pueblos, el griego y el turco, pudieran caminar hasta encontrarse, reconociéndose en las coincidencias (que son infinitas) y en la riqueza de sus culturas. De nuevo, la música al servicio del diálogo cultural.

01. Mini Mini Nihavend Peşrev
02. Gel Gel Kayıkçı
03. Pare Ta Hnaria Mou (Klarnet Edit)
04. Şeftalisi Ala Benziyor
05. Bkledim de Gelmedin
06. İzmir´in Kavakları
07. Ta Ziliarika Sou Matia
08. Ada Sahilleri
09. Buzuki Taksim
10. Iroini Ke Mavraki
11. Bergama Zeybeği
12. Kanun Taksim
13. Kadifeden Kesesi
14. Pare Ta Hnaria Mou
15. I Lahanades
16. Bekledim de Gelmedin (bonus track)

Ege´nin İki Yanı

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Rodolfo Mederos y Generación Cero - De Todas Maneras (1977) [Argentina]

Hermosísimo álbum, que combina el tango, el rock psicodélico y el jazz de manera increíble, melodiosa, nostálgica.
Otro álbum inconseguible, disfrútenlo...

"En sus comienzos, Mederos estaba hechizado por Astor Piazzolla y sin embargo quería escaparse de esa influencia, pretendía más. Pese a haber tocado con Á. Piazzolla e integrado varios años la orquesta del otro genio del tango: Osvaldo Pugliese -junto con otros jóvenes músicos de su generación que participaban de una similar idea musical- buscaba su propio destino.
La irrupción con su grupo Generación Cero fue poco convencional e irreverente. Su sonido intentaba un triple fusión entre el jazz, el rock y la canción de Buenos Aires. Lucía rebuscados arreglos con reminiscencias impresionistas. Era una ruptura intencional, una búsqueda juvenil que quería transitar un nuevo camino en la música.
El hecho que el conjunto contara con un bandoneón no significa que esta música rara y experimental conformara una variante del género tango, más allá que tocaran algún tango, porque no tenían ni "el yeite" (destreza, virtuosismo), ni el ritmo y los arreglos modificaban la melodía, hasta tal punto, de hacerla irreconocible. No obstante, poco a poco fueron ganando un sector intelectual, ávido de novedades.
En 1976 aparece el primer larga duración "Fuera de broma ", que inaugura toda una serie exhultante de este estilo inconformista y audaz. Lo siguen: "De todas maneras" (1977), "Todo hoy" (1978), "Buenas noches, Paula" (1983), "Verdades y mentiras" (1984) y "Reencuentros" (1989).
No obstante sus características, su propuesta fue adquiriendo trascendencia y su personalidad artística se fue consolidando, logrando el reconocimiento del público, especialmente en el extranjero.
Su especial ductilidad para fusionar con aire de tango diferentes ritmos y géneros, tiene su manifestación más evidente, en la serie de recitales que participó, invitado por músicos del folclore, el pop y el rock. También se destacan sus colaboraciones en discos de Mercedes Sosa y Luis Alberto Spinetta, y con el catalán Joan Manuel Serrat en su disco titulado "Cansiones".
No obstante sus características, su propuesta fue adquiriendo trascendencia y su personalidad artística se fue consolidando, logrando el reconocimiento del público, especialmente en el extranjero"

Leo en estos momentos: "En todas las épocas, artistas de tango interesados en otros géneros musicales, y artistas de otros géneros musicales atraídos por el tango, borraron fronteras que el purismo pretendía nítidas e infranqueables. El tango electrónico es apenas la muestra más reciente de este afán de exploración e intercambio."




Track list:
01-De todas maneras
02-El lugar donde vivo (nuestros hijos)
03-Triste diciembre
04-El largo adiós
05-Cada día, cada noche
06-Verano 1976
07-Mas vale cien volando
08-Todo ayer

Line Up:
Rodolfo Mederos: bandoneón
Tomas Gubitsch: guitarra
Gustavo Fedel: teclados
Eduardo Criscuolo: bajo
Rodolfo Messina: bateria

Rodolfo Mederos y Generación Cero - De Todas Maneras
subido por Moebius8

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Rodolfo Mederos y Generación Cero - Fuera de broma (1976) [Argentina]

Paso a presentar: Rodolfo Mederos es un bandoneonista, director, docente, compositor y arreglador.
Formó sus primeros conjuntos a partir de 1960. Su Octeto Guardia Nueva trascendió hasta tal punto, que el propio Astor Pizzolla al escucharlo en una de sus giras, le propuso que viajara a Buenos Aires. Cuando pocos años después Piazzolla lo invita a Mederos a participar en sus recitales.
En 1965 graba su primer disco "Buenos Aires, al rojo".
Luego de viajar por Cuba y París, en 1969 se integra a la nueva orquesta de Osvaldo Pugliese, allí comparte la fila de bandoneones con Arturo Penón, Daniel Binelli (quien grabó el último álbum del gripo Alas) y Juan José Mosalini. En 1972, es arreglador del "Quinteto Guardia Nueva", que tiene a Mosalini y Binelli en bandoneones.
En 1976 forma un nuevo conjunto, "de culto" para algunos: Generación Cero.
Este es un álbum muy interesante (recomendados para todos los que gusten de Alas, Piazzolla o similares), aquí les dejo una reseña sobre Rodolfo Mederos de un señor llamado Ricardo García Blaya, que sin razón alguna repite todo el mundo incluido Wikipedia:
""Rodolfo Mederos En 1976 forma un nuevo conjunto, "de culto" para algunos: Generación Cero. La irrupción con su grupo Generación Cero fue poco convencional e irreverente. Su sonido intentaba un triple fusión entre el jazz, el rock y la canción de Buenos Aires. Lucía rebuscados arreglos con reminiscencias impresionistas. Era una ruptura intencional, una búsqueda juvenil que quería transitar un nuevo camino en la música.
El hecho que el conjunto contara con un bandoneón no significa que esta música rara y experimental conformara una variante del género tango, más allá que tocaran algún tango, porque no tenían ni "el yeite", ni el ritmo y los arreglos modificaban la melodía, hasta tal punto, de hacerla irreconocible. No obstante, poco a poco fueron ganando un sector intelectual, ávido de novedades.""

No hace falta explicar los méritos del disco. Solo basta escucharlo. Pero si de todas maneras fuese necesario, lo hace el propio Mederos: "...En algún punto el arte debe irritar y provocar sospechas. El arte es auténtico cuando no es complaciente".

"La irrupción con su grupo Generación Cero fue poco convencional e irreverente. Su sonido intentaba un triple fusión entre el jazz, el rock y la canción de Buenos Aires. Lucía rebuscados arreglos con reminiscencias impresionistas. Era una ruptura intencional, una búsqueda juvenil que quería transitar un nuevo camino en la música.
El hecho que el conjunto contara con un bandoneón no significa que esta música rara y experimental conformara una variante del género tango, más allá que tocaran algún tango, porque no tenían ni "el yeite" (destreza, virtuosismo), ni el ritmo y los arreglos modificaban la melodía, hasta tal punto, de hacerla irreconocible. No obstante, poco a poco fueron ganando un sector intelectual, ávido de novedades.
En 1976 aparece el primer larga duración "Fuera de broma ", que inaugura toda una serie exhultante de este estilo inconformista y audaz. Lo siguen: "De todas maneras" (1977), "Todo hoy" (1978), "Buenas noches, Paula" (1983), "Verdades y mentiras" (1984) y "Reencuentros" (1989).
No obstante sus características, su propuesta fue adquiriendo trascendencia y su personalidad artística se fue consolidando, logrando el reconocimiento del público, especialmente en el extranjero.
Su especial ductilidad para fusionar con aire de tango diferentes ritmos y géneros, tiene su manifestación más evidente, en la serie de recitales que participó, invitado por músicos del folclore, el pop y el rock. También se destacan sus colaboraciones en discos de Mercedes Sosa y Luis Alberto Spinetta, y más recientemente con el catalán Joan Manuel Serrat en su disco titulado "Cansiones""





Trak list:
01. Fuera de broma
02. Generación cero
03. Shuata
04. Balada para generación cero
05. Fuera de mí
06. Conspiración
07. Poco que perder
08. Al diablo con el diablo
09. Paula viene
10. Homo sapiens

Line up:
Daniel Binelli, Juan José Mosalini y Rodolfo Mederos: bandoneón
Arturo Schneider: vientos
Ricardo Salas: bajo
Jorge Pocho Lapouble: batería

Rodolfo Mederos y Generación Cero - Fuera de broma
subido por Moebius8

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PACHACAMAC - Colores (1985) [America, Francia]

Si bien el conjunto es francés, incluyo este álbum en lo que es denominado como "músicas de américa" justamente porque es una recopilación de sonidos regionales de toda américa latina.
Estos franceses se animaron (y muy bien) a arriesgarse a desarrollar una música instrumental compleja, con múltiples instrumentos, y completamente ajena a sus raíces. El resultado es un álbum donde se disfruta ritmos propios de Argentina, Paraguay, Bolivia, etc, tocados principalmente con instrumentos andinos, pero donde intervienen desde zapateos gauchos hasta boleadoras (y un sinfín de instrumentos). Muy bien interpretado y arreglado, melodías preciosas con algún que otro toque sinfónico y algún que otro sintetizador que aportan un poco más de perplejidad a esta obra desconocida y perdida en el tiempo, pero que creo no nos podía faltar en el Laberinto por su calidad musical.
Espero que lo disfruten como yo.




Track List:
01. Canela - (huayno) Bluteau, J.
02. Turucupita - (merengue) Bluteau, J.
03. Metal amarillo - (cueca) Bluteau, P.
04. Preludio criollo - (preludio) Riera, R.
05. Siembra y cosecha - (sanjuanito) Guoffroy, G.
06. Arco iris - Folk.
07. Sin azúcar - Bluteau, J.
08. Panamericana - Bulot, S.
09. Flor de muralla - Bluteau, J.
10. De madera y plata - (chacarera trunca) Bluteau, J.
11. Vino el viento - Bluteau, J.
12. Como campanas antes del alba - Bluteau, J.

Line Up:
Jean-Pierre Bluteau, Pierre Bluteau, Serge Bulot et Gérard Geoffroy
Guest:
Eric Duval: Percussion

Instrumentos:
Sikus, kenas, kenacho, tarka, pinkillo, charangos, chillador, triple colombiano, cuatro, mandolinas peruanas, bandolín, guitarra clásica, guitarra 12 cuerdas, violín, violoncello, alto, violon, bajo, bombos (boliviano, argentino, legüero), caisse claire, grosse caisse, timbales, tumbas, cuica, tomes, talking drums, balafon, vibrafono, chajchas, cascabeles, boleadoras, zapateo, palmas, campanas, güiro, castañetes, vibra slap, shaker, triángulo, cimbales, caja china, cabassa, árbol de campanas, crotales, teclados.

PACHACAMAC - Colores
subido por Moebius8

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Nusrat Fateh Ali Khan, Qwall & Party - Shahen-Shah

Subido por Marhali.

Nusrat Fateh Ali Khan, paquistaní de origen afganés, ha sido uno de los cantantes más importantes de la música religiosa sufí. Sus poderosas dotes vocales le han valido la consideración de mejor intérprete asiático de qawwali. Su discografía es inmensa e incluye varias aproximaciones, en la década de los noventa, a los ritmos étnicos de fusión más electrónicos.

Considerado “el emperador del qawwali”, la dedicación a la música qawwali le vino de una inquebrantable tradición familiar de más de 600 años. Su padre, Ustad Fateh Ali Khan, tenía un grupo junto a su tío, Ustad Mubarak Ali Khan, dedicado a transmitir la música qawwali. A la muerte de su padre y de su tío, Nusrat Fateh asumió la dirección del grupo, denominándole Party. Los antepasados familiares de Nusrat Fateh eran de Afganistán, en donde la familia Ali Khan ahonda sus raíces en el siglo XII. De allí emigraron siguiendo a Sheikh Hazrath, un asceta moje sufí que predicaba el tariqa o concepto sufí de amor místico. La posterior evolución dio lugar al qawwali, sendero que conduce al conocimiento a través del trance musical y el éxtasis. La canción no es una forma en sí, sino sólo un vehículo para alcanzar lo divino.

En los años 60 del siglo XX empezó a ser conocido masivamente gracias a Radio Pakistán. Comenzó a actuar por diversos países y en la década de los ochenta visitó regularmente Europa y los Estados Unidos. Radio France grabó alguno de sus conciertos en París, como el del 6 de noviembre de 1986, y los editó después en disco a través del sello Ocora, dedicado a la música tradicional, discos considerados objeto de coleccionistas.

Sus formas acústicas y tradicionales sufrieron una revolución cuando Peter Gabriel le contrató para los primeros festivales WOMAD. La poderosa energía de Nusrat Fateh cautivó al público británico, extendiéndose la atención por todo el mundo. Peter Gabriel le invita a participar en Passion, la banda sonora de “La última tentación de Cristo” y, posteriormente, le propone que el canadiense vanguardista Michael Brook produjera un nuevo trabajo de Nusrat Fateh para su sello Real World. El resultado fue Mustt Mustt, una obra sorprendente en la que el qawwali tradicional sufí se mezcló con alta tecnología y ritmos bailables. Posteriormente, Ali Khan combina la edición de discos basados en formas ancestrales junto con discos en los que se fusionan cantos tradicionales con sonidos electrónicos.

Shahen-Shah (1989) fue el primer trabajo que realizó para Real World. Una muestra excepcional de qawwali, una oportunidad única para introducirse en ese canto de tipo repetitivo, hipnótico, bello y místico.

01. Shamas-Ud-Doha, Badar-Ud-Doja
02. Allah, Mohammed, Char, Yaar
03. Kali Kali Zulfon Ke Phande Nah Dalo
04. Meri Ankhon Ko Bakhshe Hain Aansoo
05. Nit Khair Mansan Sohnia Main Teri
06. Kehna Ghalat Ghalat To Chhupana Sahi Sahi

Shahen-Shah

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Sorma - Mirage of the East [Japon]

El segundo álbum de Sorma Mirage of The East entrega más de su mezcla única de música electrónica y músicas del mundo. India, mongol, tibetano, y los cantos y canciones Balineses forman la columna vertebral de canciones como "Gumbalo", "Aouma", y "Ki-Zu-Na". "Sari Satie" combina una melodía cadenciosa, inspirada en Eric Satie  con voces indígenas, y "Mirage (Mantra Mix)", añade otra capa de profundidad a una canción que apareció en el álbum debut de Sorma, Ilusión. Koto, shakuhachi, sitar, tabla, arpa, guitarra, sintetizadores y ritmos de baile son sólo algunos de los componentes instrumentales que Sorma utiliza en su marca impresionante de la fusión global.



Padma, Nergui, Telesa, Nergui, Eri Sugai,(vocals);
Eijiro Shimada (guitar);
Emiko Miyazaki (koto);
Tadahiro Wakayayashi (sitar);
Eiji Satoh (syakuhachi);
Takumi Shinya (fue);
Rikiya Yamashita (piano)

Audio Mixers: Keico Yoda; Sorma; Tomohiro Sato

1.    Gumbalo
2.    Aouma
3.    Miyabi
4.    Legend of the Spring
5.    Satie's Sari: Original    
6.    Mirage: Mantra Mix     
7.    Holy Mountain
8.    Ki-Zu-Na: Orchestra Mix
9.    Bagus Flyer: Southern
10.    Ten Thousand Sheep

Mirage of the East

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Valentin del Valle Góngora [Guatemala]

Esta es otra de las grabaciones de Valentin del Valle Gongora en donde da a conocer algunas de las composiciones que forman parte del repertorio de musica tradicional petenero y varias de sus composiciones. Con respecto a esta grabación se debe indicar que la misma es la digitalización de algunas grabaciones realizadas en cinta y que fueron presentadas por del Valle Góngora en un programa de radio llamado Charlando con Valentín que se transmitia en una radio local petenera, por lo mismo no se le conoce alguna caratula Biografía: http://www.facebook.com/photo.php?fbid=437535334751&set=a.437535244751.226063.217325484751&type=1&theater Datos Biográficos: Valentín del Valle Góngora nació en la cabecera municipal de La Libertad, Petén, el 16 de Diciembre de 1921. Es autor de la melodía La Linda Morena como La Vida, Mi Linda Guatemala, Cabellera de Azabache, entre otras. Ocupó el cargo de Alcalde Municipal de Flores, Petén entre 1948-1949, Asesor Jurídico del extinto Banco de la Vivienda y de la Empresa de Fomento y Desarrollo de El Petén -FYDEP-, Juez de Primera Instancia Departamental. Además ocupó varios cargos como directivo-fundador de la Asociación de Peteneros residentes en la Ciudad Capital de Guatemala -ASOPET-, director de la Asociación Guatemalteca de Autores y Compositores -AGAYC-, miembro permanente del Consejo Consultivo de la Universidad Popular de Guatemala, entre otros. Entre los reconocimientos recibidos esta la Orden Modesto Méndez Guerra otorgada por la Gobernación Departamental de El Petén en 1964. http://elchilamitza.blogspot.com/2010/09/en-una-fecha-como-hoy-10-de-septiembre.html Solo he podido encontrar estas versiones de la canción "Linda Morena" esta instrumental
y esta con letra
Valentin del Valle Góngora Tracks 01) Ay Peten (Valentin del Valle) 02) Cabellera de Azabache (Valentin del Valle) 03) El Chejé (Juan Nicolao) 04) Es en Vano (Valentin del Valle) 05) Eternamente (Valentin del Valle) 06) La Mas Hermosa - El Torbellino - (Agustin Urdapilleta) 07) La Vida (Valentin del Valle) 08) Las Ilusiones (Tradicional) 09) Linda Morena (Valentin del Valle) 10) Mi Bella Guatemala (Valentin del Valle) 11) Oir Gemir, Oir Llorar (Valentin del Valle) 12) Perlas de Oriente (Tradicional) 13) Todo puede suceder (Valentin del Valle) Guitarra y Voz: Valentin del Valle Góngora Marimba: Anibal Delgado Requena versión de "Linda Morena" por el grupo "El Tambor de la Tribu"
Valentin del Valle Góngora subido por henry

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Hüsnü Şenlendirici - Hüsn-Ü Klarnet

Subido por Marhali.

Hüsn-Ü Klarnet (The Joy of Clarinet) es el primer álbum en solitario de Hüsnü Şenlendirici, virtuoso del clarinete turco y reconocido a nivel internacional por sus trabajos con el grupo Laço Tayfa y por el magistral proyecto Taksim Trio (2007).

Hüsn-Ü Klarnet (2005) está abocado a convertirse en un clásico. En él, el clarinete es la voz de uno de sus mejores representantes, y podemos admirar su técnica como instrumentista y alabar sin reservas su gusto a la hora de interpretar y seleccionar cada una de las piezas que interpreta. La música de Şenlendirici sueña y juega con las evocadoras melodías tradicionales de Anatolia combinadas con la sensibilidad del jazz occidental. El clarinete, intenso, evocador, vivaz, sedoso y susurrante alcanza cotas inimaginables desde los labios de Hüsnü Senlendirici.

Música que llena las calles al atardecer de la vieja Estambul, envuelto por un manto de sonidos evocadores y sensuales.

01. Oyun Havası
02. Çığ
03. Fla-mango
04. İstanbul İstanbul Olalı
05. Şina Nari
06. Leylim Ley
07. Bülbülüm Altın Kafeste
08. Kumsalda
09. Kimseye Etmem Şikayet
10. Tatlı Dillim
11. Dört Zeybek

Hüsn-Ü Klarnet

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Sandrine Kiberlain - Coupes bien net et bien carre (2007) [France]

Hola a tod@s, aquí os dejo este enlace de una cantante y actriz francesa de origen polaco, Sandrine Kiberlain. Seguramente a algunos de vosotros os suene su cara. Pues bien, en Francia es una actriz bastante conocida y si no me equivoco, una de las últimas pelicula en la que actuó es "El pequeño Nicolás" (que os recomiendo vayais a ver sin falta!!) Este disco es el segundo que publicó hasta la fecha. Tiene canciones muy bonitas y aunque no sean canciones de calidad tanto musical como vocal, si tienen ese aire con el "encanto francés". A mi particularmente me encanta el tema "la chanteuse". http://www.sandrinekiberlain.com/
Tracklist 1.Il ose 2.Je t'offre 3.La chanteuse 4.Y'en a pas un pour rattraper l'autre 5.A tous les étages 6.Coupés bien net et bien carré 7.Pluvieux 8.Je m'appelle Edouard 9.Bonne figure 10.Perfect day 11.Parlons plutôt de vous Sandrine Kiberlain - Coupes bien net et bien carre subido por Zadig

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GUADALUPE VIRGEN DE LOS INDIOS - SAN ANTONIO VOCAL ARTS ENSEMBLE (1998) [USA]

La Grabación GUADALUPE VIRGEN DE LOS INDIOS realizada por SAVAE SAN ANTONIO VOCAL ARTS ENSEMBLE, contiene entre otras la grabación de algunas de las primeras composiciones realizadas en el continente americano por el maestro Tomas Pascual que es uno de los primeros maestros de capilla indigena del continente, habiendo desarrollado su trabajo en el altiplano guatemalteco, en el area de los cuchumatanes en el Departamento de Huehuetenango en Guatemala
Track 01 - Abrase En Reyna Del Cielo.wav Track 02 - Mananitas A La Virgen De Guadalupe.wav Track 03 - Dios Es Ya Nacido.wav Track 04 - Aquestando Toneceria Track 05 - Aufer A Nobis iniquitates Track 06 - Nican Mopohua Track 07 - Virgen Madre De Dios Track 08 - O Virgen Maria Track 09 - Al Prodigio Mayor Track 10 - De La Sagrada Maria Forcado De Amor Track 11 - Juantzin, Juan Diegotzin Track 12 - Bay Magalhi,Magalhi Track 13 - Dulce Consuelo De Nepa Tepatzin Track 14 - Hoi Nace La Jueba Estiella Track 15 - Tepeyacae Track 16 - In Il Huicae Cihuapille Track 17 - Y Technepa Sacramento Dios Track 18 - Ma Xiccaqui Kathy Mayer, soprano, recorder, percussion Tanya Moczygemba, alto, percussion Covita Moroney, alto, guitar, percussion Christopher Moroney, baritone Lee P’Pool, tenor, percussion Jody Noblett, tenor, flute, percussion Paula Olsen, soprano GUADALUPE VIRGEN DE LOS INDIOS subido por henry

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G. Rag y los Hermanos Patchekos – Hold Fast [brass]

Subido por Marhali.

Hold Fast es el octavo trabajo del Dj G. Rag y Los Hermanos Patchekos, un proyecto de la propia discográfica de Andreas Stäber (Gutfeeling Records) que realiza producciones englobadas dentro de lo que se conoce como global music, género que eclosiona de la world music y del world beat.

Los Hermanos Patchekos se fundaron en 1999, durante un Oktober Fest, y hasta la fecha tienen seis discos, entre vinilos y compactos: Radio Tijuana (1999), 0321H (2001), Cadeau Bizarre (2003), München 7 (2005), Lucky Goddamn (2007) y Hold Fast (2009), todos con el sello Gutfeeling Records. Stäber también mantiene en activo a otro par de proyectos musicales: G.Rag and The Landlergschwister y al trío Dos Hermanos.

La banda, compuesta por once miembros, oriunda de Munich, toca instrumentos como guitarras (eléctricas, acústicas y steel), contrabajo, armónica, acordeón, trompetas, clarinetes, melódicas, percusiones varias y megáfonos. Hold Fast constituye un coctel de lo más sabroso: música afrocaribeña, swing gitano, alt country, bluegrass, latin groove, cajun, boogaloo, polka, ska, blues y rebetiko, entre otras corrientes. Melodías que evocan desde el mejor Tom Waits hasta canciones tradicionales bávaras que no dejan de sorprender y divertir… como se divierten sus miembros. Maestría que se pulsa y se goza.

01. Traversia Caliente
02. Gambling Bar Room Blues
03. Nervous Breakdown
04. Cajun Maid
05. Mi Barrio
06. Rags'n'Bones
07. Le Massacre Du Melodica
08. Get On Board
09. Swing Vergol
10. Jockey Full Of Bourbon
11. Influence
12. J'ai Tardé
13. Cold Cold Heart

Hold Fast

Página web oficial: Gutfeeling Records

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Roberto Moreno Cuarteto - Amanda (2009) [Argentina]

Roberto Moreno pone su virtuosismo al servicio de este cuarteto notable, y no al revés: en esta ecuación aúrea radica el poder de su música. Partiendo del territorio ampliamente definido como jazz, sus composiciones conectan con aires de zamba, festejo o chacarera, carnavalitos, alguna samba y camdombe. Con una instrumentación de bajo, guitarra, vientos, batería y cajón peruano, transitan temas de Moreno y de Eduardo del Aguila (guitarrista del grupo) y homenajes como el que abre el disco, la adaptación de un tema de Carol Kaye, “la dama del bajo”. http://www.pagina12.com.ar/diario/suplementos/espectaculos/7-14579-2009-07-15.html Para un artista, su vida es su arte, y todo aquello que lo conforma arte y parte, el entorno, el hogar, la ciudad es lo que emocionalmente lo inspira, por eso no nos extraña que este disco esté dedicado a Sifusa, una gatita y, a Amanda, su hija, (la más amada y quien, expresa, le ha hecho perder la tranquilidad para siempre, su musa, además) a sus afectos todos. Este trabajo de Roberto Moreno, es para escucharlo, sea que lo hagamos con calma y detenimiento, como que lo oigamos mientras nos ocupamos de otras tareas, encontraremos siempre detalles, que hacen de esta propuesta algo muy singular. En mi criterio, encuentro algunos "detalles", desajustes en la mezcla en la edición de un par de temas en los que percibí, que algunos instrumentos no estan, en relación de unos y otros, en el nivel adecuado...pero, esto no le quita nivel al trabajo y, por lo demás el producto final es sumamente interesante. Este es el último trabajo de este notable artista, y para mí su mejor álbum.
Track List: 1. México 2. Estando juntos 3. Rocórcholis 4. Un ratito más 5. Niñas de miradas claras 6. Tiki-tiki 7. Buen viaje, Marcos 8. La más amada (I) 9. La más amada (II) 10. What a wonderful word 11. Have you met Miss Jones? Line Up: Lautaro Capella: Flauta, saxo sopranoy saxo Eduardo Del Águila: Guitarra cuerdas de Nylon, Voz Mariano Gómez: Batería Roberto Moreno: Bajo fretless , Bajo trastes, composición y arreglos. Músico invitado: Martín González, Cajón Peruano en 1, 3, y 11. Roberto Moreno Cuarteto - Amanda subido por Moebius8

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Roberto Moreno Quinteto - Quijotes (2005) [Argentina]

Paso a dejar un registro del gran Roberto Moreno (bajista, compositor, docente y arreglador argentino, amigo y mi ex-profesor de bajo), con su personal estilo que mezcla el jazz, el folcklore latinomamericano y la vanguardia, combinando ritmos latinoamericanos de proyección (chacarera, candombe, ritmos afrocubanos y brasileros) con elementos del jazz como la armonía e improvisación para crear composiciones y arreglos propios. Dentro de la nueva generación de músicos comprometidos con valores tan Yupanquianos como la identidad, se encuentra Roberto. Aquí la música es también ideología: vanguardia pero basado en lo tradicional, improvisación pero sin dejar de lado la melodía, jazz pero sin dejar de lado el folckore, universales pero sin dejar de ser nosotros mismos. Dos grandes trabajo que no pueden dejar de perderse, ambos trabajos totalmente recomendados, además de desconocidos. Para escucharlo: http://www.robertolmoreno.com.ar/ o www.myspace.com/robertolmoreno Les dejo un comentario del disco: Primer material del bajista Roberto Moreno, que presenta con diez canciones propias (excepto los tracks 3, 6 y 10) y que han llevado dos años de búsquedas y aciertos, como él aclara 'luchando contra un sistema que va a contramano de los valores esenciales para el crecimiento ural de un país', pensamiento con el que coincido total y plenamente. Simple y efectivo Nos brinda en la placa, chacareras, zamba, candombe y otros ritmos, con aires de latín jazz. Moreno no escapa a la fusión que se ha generado en los últimos diez años en la city porteña, y su apertura musical le permite entrar en diversos ritmos, se destacan los track 2, 7 y 9 con fuertes acentos de chacarera que se contraponen al blues del track 4, siguen unos candombes (track 3 y 6) de fuerte ritmo urbano, abre y completa éste material dos temas de latín jazz, que evidentemente nos demuestra la sensación alegre y rítmica de la música que propone éste interprete. Quinteto con invitados El grupo demuestra ensamble y gusto por lograr lo que propone, un discurso claro en los que se destacan los invitados Oscar Lineiro Jr. en la percusión y Marcelo Aronson en la batería del track 8, conformando un buen trabajo de base, tema que se destaca del disco por su buen gusto melódico y rítmico en la composición de Moreno. El track 7 nos muestra un aire folklórico de chacarera con esencia y colores nuevos. Destacamos el trabajo de presentación, muy buena grafica que nos pinta desde afuera lo que hay por dentro. Otro trabajo independiente en el que damos gracias, que nos queda un documento grabado, de las excelentes intenciones que tienen los músicos argentinos. Ruben Ferrero, pianista, arreglador. El Muro Cultural.com
Track list: 1. Recuerdos de La Habana 2. Chacarera del Gordo/ Tizas y voces 3. Sifusa blues 4. Adriana 5. Beautiful love 6. Carbonada - Chacarera del Gordo 7. Un día de suerte 8. Tuco y pesto 9. Estudio soneado Line Up: Laura Loiácono: saxo soprano/ saxo tenor Santiago Szulman: piano Rodrigo González Ruy: batería/ percusión Marcelo Woloski: percusión/ batería Roberto Moreno: bajo fretless, bajo de 4 y 5, composición y arreglos. músicos invitados: Martín Tarnofsky (piano en track 1,2,4 y 9) Cecilia Fernández (piano eléctrico en track 7 y Andrés Hayes (saxo soprano en track 6 y Marcelo Aronson (batería en track 6 y Enrique Norris (corneta en track 4 y 5) Oscar Linero Jr. (percusión en track 6 y Fidel y los Gatitos (voces en track 3) Roberto Moreno Quinteto - Quijotes subido por Moebius8

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