Amina Annabi (nacida el 5 de marzo de 1962 en Cartago, Túnez) es una cantante y actriz franco-tunecina.
Amina nació en una familia de músicos. Su abuela era música y uno de sus tíos participó en la creación del Festival de Tabarka en Túnez. En 1975, Amina y su madre, una talentosa música y compositora, se trasladaron a París.
Tres años más tarde, Amina formó su propio grupo. El grupo hizo numerosas apariciones en las escuelas locales, pero fue en 1982 cuando Amina empezó a construir su carrera en solitario.
Eurovisión
En 1991, Amina fue elegida para representar a Francia en el Festival de la Canción de Eurovisión 1991, en Roma. Con su canción, C'est le dernier qui a parlé qui a raison consiguió 146 puntos, empatada con Carola en la primera posición. Finalmente, la sueca fue quien se llevó la victoria por haber conseguido más veces 10 puntos.
"In the family of Amina Annabi, music was always a female thing. Growing up in Tunisia, she heard her mother sing (at home, since no self-respecting woman would sing in public), while her grandmother played the oud. From them she learned traditional Maghrebi music. When Amina was 12, the family moved to France in search of better economic opportunities, and suddenly she was exposed to vastly different music and culture. She began attending the Conservatory, and undergoing real voice training. However, her first recorded exposure wasn't as a singer. Instead, in 1984, at the age of 24, she emerged as a rapper, dropping science over a Grandmaster Flash track that was released only in France, and which didn't make her into an overnight success. That would have to wait three more years, until her debut album, Yalil, which was produced by Martin Meisonnier, the man responsible for so many Paris-based world music hits. The album contained the sultry single "Belly Dance," which marched up the French charts on the basis of its sexy rhythm and a sample taken from James Brown's "Cold Sweat." But Amina's leap to superstardom didn't arrive until 1991, when she represented France in the Eurovision Song Contest, the first Arab to do so, making her a cultural icon. Her song "Le Dernier Qui A Parle" (co-written by Senegal's Wasis Diop, and with strong West African overtones) had strong political overtones in the year of the Gulf War, even more so when it won. "It was the Gulf War, and I was representing the Arabs in France," she recalled. "If the words hadn't been political, I wouldn't have gone; that was very important to me." From there she sang with Diop on his own album and backup for the legendary Manu Dibango before releasing her own Wa Di Ye in 1992, with Diop drafted in as co-producer beside Meisonnier to expand the album's musical palette. A best-seller, it brought her something greater -- prestige, when she was awarded the Chevalier des Arts et des Lettres decoration for the record. From there she retreated a little from her musical stardom, opting to work in movies (she appeared in The Advocate and Sheltering Sky), and doing work on soundtracks such as Dead Man Walking, where she duetted with Nusrat Fateh Ali Khan. Amina was also stretching herself by singing with a range for people from Lenny Kravitz to Lilac Time and Malcolm MacLaren. Eventually, though, she was ready to return to the studio and make her third record, Annabi, released in 1999. This time around, the influence of dance music was quite apparent, brought to the fore by producers like Renegade Soundwave and Mark Saunders. But some tracks had a huge Arabic influence, such as her cover of "My Man," the torch song often associated with Billie Holiday. "Dis-Moi Pourquoi" returned her to the singles charts. After that, she happily returned to exploring music, collaborating with ex-Eurythmic Dave Stewart, classical bad boy violinist Nigel Kennedy, and even Moroccan DJ U-Cef. In 2001 Best of Amina was released in the U.S., and she took part in the Vive Le World tour".
Por Chris Nickson, All Music Guide
Pistas:
01 - Ya baba 02 - Le dernier qui a parlé 03 - Átame 04 - Allah ya moulenah 05 - C´est gai 06 - Waadileh 07 - Digge (Le gong a sonné) 08 - Ederlezi 09 - Dis-moi pourquoi 10 - Yanari 11 - Le cercle rouge 12 - My man 13 - Lirrili 14 - La mauvaise graine 15 - Habibi
Amina Annabi (nacida el 5 de marzo de 1962 en Cartago, Túnez) es una cantante y actriz franco-tunecina.
Amina nació en una familia de músicos. Su abuela era música y uno de sus tíos participó en la creación del Festival de Tabarka en Túnez. En 1975, Amina y su madre, una talentosa música y compositora, se trasladaron a París.
Tres años más tarde, Amina formó su propio grupo. El grupo hizo numerosas apariciones en las escuelas locales, pero fue en 1982 cuando Amina empezó a construir su carrera en solitario.
Eurovisión
En 1991, Amina fue elegida para representar a Francia en el Festival de la Canción de Eurovisión 1991, en Roma. Con su canción, C'est le dernier qui a parlé qui a raison consiguió 146 puntos, empatada con Carola en la primera posición. Finalmente, la sueca fue quien se llevó la victoria por haber conseguido más veces 10 puntos.
"In the family of Amina Annabi, music was always a female thing. Growing up in Tunisia, she heard her mother sing (at home, since no self-respecting woman would sing in public), while her grandmother played the oud. From them she learned traditional Maghrebi music. When Amina was 12, the family moved to France in search of better economic opportunities, and suddenly she was exposed to vastly different music and culture. She began attending the Conservatory, and undergoing real voice training. However, her first recorded exposure wasn't as a singer. Instead, in 1984, at the age of 24, she emerged as a rapper, dropping science over a Grandmaster Flash track that was released only in France, and which didn't make her into an overnight success. That would have to wait three more years, until her debut album, Yalil, which was produced by Martin Meisonnier, the man responsible for so many Paris-based world music hits. The album contained the sultry single "Belly Dance," which marched up the French charts on the basis of its sexy rhythm and a sample taken from James Brown's "Cold Sweat." But Amina's leap to superstardom didn't arrive until 1991, when she represented France in the Eurovision Song Contest, the first Arab to do so, making her a cultural icon. Her song "Le Dernier Qui A Parle" (co-written by Senegal's Wasis Diop, and with strong West African overtones) had strong political overtones in the year of the Gulf War, even more so when it won. "It was the Gulf War, and I was representing the Arabs in France," she recalled. "If the words hadn't been political, I wouldn't have gone; that was very important to me." From there she sang with Diop on his own album and backup for the legendary Manu Dibango before releasing her own Wa Di Ye in 1992, with Diop drafted in as co-producer beside Meisonnier to expand the album's musical palette. A best-seller, it brought her something greater -- prestige, when she was awarded the Chevalier des Arts et des Lettres decoration for the record. From there she retreated a little from her musical stardom, opting to work in movies (she appeared in The Advocate and Sheltering Sky), and doing work on soundtracks such as Dead Man Walking, where she duetted with Nusrat Fateh Ali Khan. Amina was also stretching herself by singing with a range for people from Lenny Kravitz to Lilac Time and Malcolm MacLaren. Eventually, though, she was ready to return to the studio and make her third record, Annabi, released in 1999. This time around, the influence of dance music was quite apparent, brought to the fore by producers like Renegade Soundwave and Mark Saunders. But some tracks had a huge Arabic influence, such as her cover of "My Man," the torch song often associated with Billie Holiday. "Dis-Moi Pourquoi" returned her to the singles charts. After that, she happily returned to exploring music, collaborating with ex-Eurythmic Dave Stewart, classical bad boy violinist Nigel Kennedy, and even Moroccan DJ U-Cef. In 2001 Best of Amina was released in the U.S., and she took part in the Vive Le World tour".
Por Chris Nickson, All Music Guide
Pistas:
01 - Ya baba 02 - Le dernier qui a parlé 03 - Átame 04 - Allah ya moulenah 05 - C´est gai 06 - Waadileh 07 - Digge (Le gong a sonné) 08 - Ederlezi 09 - Dis-moi pourquoi 10 - Yanari 11 - Le cercle rouge 12 - My man 13 - Lirrili 14 - La mauvaise graine 15 - Habibi
A la brasileña Rosalia De Souza, además de por su prodigiosa voz, hay que admirarla por su facilidad para hacerse con excelentes productores para sus álbumes en solitario (calificativo que, justamente, aquí no es exacto). Si en su álbum debut, Garota moderna, contó con la producción de Nicola Conte, atrayendo verso sí los muchos seguidores del italiano, para su segundo álbum de estudio, Brasil precisa balançar, ha disfrutado de otro productor de lujo, el legendario maestro brasileño Roberto Menescal. Si la brasileña vuelve a cautivarnos con unas interpretaciones vocales que la confirman como una de las grandes voces contemporáneas, el cambio de productor condiciona sobremanera la sonoridad del disco. Si Nicola Conte le brindó unas brillantes reinterpretaciones en clave electrónica de clásicos de la tradición brasileña, así como inolvidables composiciones originales deslumbrantes e innovadoras, Menescal aporta su magistral toque en los arreglos, de indudable sabor clásico, tan sencillos como efectivos y subyugantes.
En Brasil precisa balançar escuchamos clásicos de la música brasileña, inmortales composiciones de Jorge, Valle, Jobim o el propio Menescal, así como nuevas composiciones del joven Tomaz Di Cunto, aka Toco y la creación a cuatro manos de Menescal y De Souza, Agarradinho. Y claro, si a la magnífica selección de temas sumamos unos arreglos sobresalientes (o cómo hacer de la sencillez una virtud) a cargo de Menescal, unas interpretaciones servidas por buenos músicos brasileños y la portentosa voz de Rosalia De Souza, el resultado sólo puede ser un álbum de los que pasan largas, larguísimas temporadas en el reproductor. Menescal, con una generosidad que le honra, le regala a De Souza un vehículo de lucimiento, permitiéndole mostrar todos los registros de su voz, otorgando todo el protagonismo a la parte vocal, tejiendo, en definitiva, un trajo a medida para la cantante. En todo el álbum no se escucha ni un solo de Roberto Menescal a la guitarra, no hay largos fragmentos instrumentales: los arreglos son siempre discretos acompañamientos (por bellos que sean) de la voz. Y en este apartado, no sólo la brasileña nos deleita, ya que, como guinda, ha contado con la colaboración de Toco (habitual de las producciones de S-Tone Inc), y de otro maestro de la música brasileña, Marcos Valle, con el que se marca un precioso dúo en Que bandeira (compuesto precisamente por Valle), posiblemente el corte más memorable de Brasil precisa balançar.
Que nadie espere las dosis de innovación y experimentación que caracterizaban Garota moderna, pero sí buena música brasileña o, simplemente, buena música con visos de convertirse en un clásico en un futuro próximo. Por paradójico que resulte tratándose de un disco de versiones, estamos ante un trabajo de radiante modernidad, la que le confiere la inteligente relectura del espíritu de la bossa nova. Edición atípica en un sello como Schema Records, quizá propicie que más de uno (re)descubra su amor por las composiciones cariocas. Además, remite directamente a los inicios del sello italiano, con la edición de la obra imprescindible Novo esquema da bossa, de Quintetto X. Haceos el regalo de escuchar Brasil precisa balançar http://lnx.indajaus.com/acidjazzhispano/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=46&page=3
A la brasileña Rosalia De Souza, además de por su prodigiosa voz, hay que admirarla por su facilidad para hacerse con excelentes productores para sus álbumes en solitario (calificativo que, justamente, aquí no es exacto). Si en su álbum debut, Garota moderna, contó con la producción de Nicola Conte, atrayendo verso sí los muchos seguidores del italiano, para su segundo álbum de estudio, Brasil precisa balançar, ha disfrutado de otro productor de lujo, el legendario maestro brasileño Roberto Menescal. Si la brasileña vuelve a cautivarnos con unas interpretaciones vocales que la confirman como una de las grandes voces contemporáneas, el cambio de productor condiciona sobremanera la sonoridad del disco. Si Nicola Conte le brindó unas brillantes reinterpretaciones en clave electrónica de clásicos de la tradición brasileña, así como inolvidables composiciones originales deslumbrantes e innovadoras, Menescal aporta su magistral toque en los arreglos, de indudable sabor clásico, tan sencillos como efectivos y subyugantes.
En Brasil precisa balançar escuchamos clásicos de la música brasileña, inmortales composiciones de Jorge, Valle, Jobim o el propio Menescal, así como nuevas composiciones del joven Tomaz Di Cunto, aka Toco y la creación a cuatro manos de Menescal y De Souza, Agarradinho. Y claro, si a la magnífica selección de temas sumamos unos arreglos sobresalientes (o cómo hacer de la sencillez una virtud) a cargo de Menescal, unas interpretaciones servidas por buenos músicos brasileños y la portentosa voz de Rosalia De Souza, el resultado sólo puede ser un álbum de los que pasan largas, larguísimas temporadas en el reproductor. Menescal, con una generosidad que le honra, le regala a De Souza un vehículo de lucimiento, permitiéndole mostrar todos los registros de su voz, otorgando todo el protagonismo a la parte vocal, tejiendo, en definitiva, un trajo a medida para la cantante. En todo el álbum no se escucha ni un solo de Roberto Menescal a la guitarra, no hay largos fragmentos instrumentales: los arreglos son siempre discretos acompañamientos (por bellos que sean) de la voz. Y en este apartado, no sólo la brasileña nos deleita, ya que, como guinda, ha contado con la colaboración de Toco (habitual de las producciones de S-Tone Inc), y de otro maestro de la música brasileña, Marcos Valle, con el que se marca un precioso dúo en Que bandeira (compuesto precisamente por Valle), posiblemente el corte más memorable de Brasil precisa balançar.
Que nadie espere las dosis de innovación y experimentación que caracterizaban Garota moderna, pero sí buena música brasileña o, simplemente, buena música con visos de convertirse en un clásico en un futuro próximo. Por paradójico que resulte tratándose de un disco de versiones, estamos ante un trabajo de radiante modernidad, la que le confiere la inteligente relectura del espíritu de la bossa nova. Edición atípica en un sello como Schema Records, quizá propicie que más de uno (re)descubra su amor por las composiciones cariocas. Además, remite directamente a los inicios del sello italiano, con la edición de la obra imprescindible Novo esquema da bossa, de Quintetto X. Haceos el regalo de escuchar Brasil precisa balançar http://lnx.indajaus.com/acidjazzhispano/modules.php?name=Content&pa=showpage&pid=46&page=3
Su debut discográfico en solitario se produce en el 2003, de la mano nuevamente de Nicola Conte, que produce y compone buena parte de los temas incluidos en el álbum: Garota moderna. Este larga duración se convierte rápidamente en una referencia, y es considerado uno de los mejores del año. La carrera en solitario de Rosalia de Souza no podía comenzar mejor. Se trata de un fantástico álbum que da sobradas muestras del enorme talento de la cantante,
Temas muy accesibles, que gustarán tanto a los amantes de la música brasileña como a los seguidores del nu-jazz. La mayor parte de los temas cantados por Rosalia de Souza son composiciones del genio italiano Nicola Conte, principal referente del acid jazz en dicho país, producidas expresamente para la cantante brasileña. Para los que conozcan los álbumes del italiano, bastará decir que los temas compuestos para la vocalista tienen la calidad a la que nos tiene habituados, la misma lograda fusión de ritmos brasileños con bellísimas melodías de jazz.
Su debut discográfico en solitario se produce en el 2003, de la mano nuevamente de Nicola Conte, que produce y compone buena parte de los temas incluidos en el álbum: Garota moderna. Este larga duración se convierte rápidamente en una referencia, y es considerado uno de los mejores del año. La carrera en solitario de Rosalia de Souza no podía comenzar mejor. Se trata de un fantástico álbum que da sobradas muestras del enorme talento de la cantante,
Temas muy accesibles, que gustarán tanto a los amantes de la música brasileña como a los seguidores del nu-jazz. La mayor parte de los temas cantados por Rosalia de Souza son composiciones del genio italiano Nicola Conte, principal referente del acid jazz en dicho país, producidas expresamente para la cantante brasileña. Para los que conozcan los álbumes del italiano, bastará decir que los temas compuestos para la vocalista tienen la calidad a la que nos tiene habituados, la misma lograda fusión de ritmos brasileños con bellísimas melodías de jazz.
Las tradiciones musicales del mundo árabe se funden con la improvisación de jazz y técnicas clásicas europeas por el intérprete de oud y compositor de origen libanés Rabih Abou-Khalil. El CMJ New Music Report señaló que Abou-Khalil "ha tratado siempre de crear una base común entre el mundo de la música árabe, la de sus raíces, y el mundo musical más global de hoy". Down Beat elogió la música de Abou-Khalil como "un híbrido único que con éxito se extiende por el mundo de la música tradicional árabe y el jazz." A pesar de que muy joven aprendió a tocar el oud –un laúd libanés sin trastes–, Abou-Khalil se pasará temporalmente a la flauta clásica, que estudió en la Academia de Música después de mudarse a Múnich, Alemania, durante la guerra civil libanesa en 1978 . En un intento de explorar nuevas formas de tocar la música árabe, regresó al oud y comenzó a incorporar, más a menudo, las técnicas interpretadas por la guitarra de jazz. A principios de los años 90, Abou-Khalil fue comisionado por la radio del suroeste de Alemania a escribir dos piezas que se estrenaron en una actuación con el Cuarteto Kronos String Jazz en la Cumbre de Stuttgart en 1992, y grabadas con el Cuarteto Belanescu cuatro años después. Abou-Khalil ha trabajado con una mezcla de músicos árabes, indios y músicos estadounidenses de jazz, incluyendo el saxofonista Sonny Fortune, el ejecutante de frame drum y percusionista Glen Valez, el conguero Milton Cardona, el experto en armónica Howard Levy y los bajistas Glen Moore y Steve Golondrina.
Por Harris Craig, All Music Guide (http://www.amazon.com/Rabih-Abou-Khalil/e/B000AP8RGY/ref=ac_dpt_sa_bio)
Pistas:
1. Bushman on the desert 2. After dinner 3. Awakening 4. Haneen wa hanaan 5. Lost centuries 6. In search Of the well 7. Orange fields 8. A tooth lost 9. Arabian waltz
Las tradiciones musicales del mundo árabe se funden con la improvisación de jazz y técnicas clásicas europeas por el intérprete de oud y compositor de origen libanés Rabih Abou-Khalil. El CMJ New Music Report señaló que Abou-Khalil "ha tratado siempre de crear una base común entre el mundo de la música árabe, la de sus raíces, y el mundo musical más global de hoy". Down Beat elogió la música de Abou-Khalil como "un híbrido único que con éxito se extiende por el mundo de la música tradicional árabe y el jazz." A pesar de que muy joven aprendió a tocar el oud –un laúd libanés sin trastes–, Abou-Khalil se pasará temporalmente a la flauta clásica, que estudió en la Academia de Música después de mudarse a Múnich, Alemania, durante la guerra civil libanesa en 1978 . En un intento de explorar nuevas formas de tocar la música árabe, regresó al oud y comenzó a incorporar, más a menudo, las técnicas interpretadas por la guitarra de jazz. A principios de los años 90, Abou-Khalil fue comisionado por la radio del suroeste de Alemania a escribir dos piezas que se estrenaron en una actuación con el Cuarteto Kronos String Jazz en la Cumbre de Stuttgart en 1992, y grabadas con el Cuarteto Belanescu cuatro años después. Abou-Khalil ha trabajado con una mezcla de músicos árabes, indios y músicos estadounidenses de jazz, incluyendo el saxofonista Sonny Fortune, el ejecutante de frame drum y percusionista Glen Valez, el conguero Milton Cardona, el experto en armónica Howard Levy y los bajistas Glen Moore y Steve Golondrina.
Por Harris Craig, All Music Guide (http://www.amazon.com/Rabih-Abou-Khalil/e/B000AP8RGY/ref=ac_dpt_sa_bio)
Pistas:
1. Bushman on the desert 2. After dinner 3. Awakening 4. Haneen wa hanaan 5. Lost centuries 6. In search Of the well 7. Orange fields 8. A tooth lost 9. Arabian waltz
Música Arábigo-Andaluza de la Sevilla medieval en la tradición del Maluf de Túnez y las Moaxajas orientales, con especial protagonismo para el laúd.
La cálida voz de Jamila Ghalmi pone el adecuado contrapunto al sonido suave y bronco, según el momento, del laúd de Wafir Sheik. El conjunto es completado por el mismo Paniagua y Luis Delgado.
"Cuando la brisa toca el jardín uno se imagina que sus ramas son danzarinas que se balancean en trajes verdes de washy* y telas listadas del Yemen"
Eduardo Paniagua, nacido en Madrid en 1952, es arquitecto y especialista de la música de la España medieval. A los 16 años graba sus primeros cuatro discos con el grupo Atrium Musicae, en el que trabaja entre 1966 y 1983 con los instrumentos de viento y percusión, realizando giras de conciertos por Europa y América, y participando en toda su discografía, entre la que destacan títulos como: "La Folía", "La Spagna", "Musica de la Grecia Antigua" y la Antología de Música Antigua Española de Hispavox-Erato. Miembro fundador de los grupos Cálamus y Hoquetus, se especializa en la música arábigo-andaluza, participando en festivales españoles y del mundo árabe: Egipto, Líbano, Túnez, etc. En 1994 crea los grupos MÒSICA ANTIGUA e IBN BçYA, este último codirigido con el laudista Omar Metioui, para el trabajo musical sobre las Cantigas de Alfonso X y la música andalusí respectivamente. En paralelo funda y dirige el sello discográfico PNEUMA con el que comienza a editar sus producciones musicales. En 1995 es contratado por Sony Classical para iniciar la colección de música medieval Hispánica, en la que ha editado con el grupo MòSICA ANTIGUA diez discos sobre las Cantigas, y con IBN BçYA cuatro CDs sobre música andalusí. Por su trabajo y por la difusión de estas músicas inéditas está recibiendo excelentes críticas y premios internacionales, siendo nominado como mejor artista de música clásica en los Premios de la Música 1997. (http://www.ctv.es/USERS/pneuma/grupo.htm)
Pistas:
01. Las noches del encuentro 02. Consoladme 03. Consoladme niñas del alba 04. El nacimiento del profeta 05. Beyati 06. Bashraf Samai Asba'ay 07. Eh chicas, mi corazón emocionado y dolorido 08. Traje verde de washy 09. Me visitó mi amado 10. La chica soltera 11. Basharaf Samai Sika 12. El alba 13. Nana andalusi 14. Despedidme
Música Arábigo-Andaluza de la Sevilla medieval en la tradición del Maluf de Túnez y las Moaxajas orientales, con especial protagonismo para el laúd.
La cálida voz de Jamila Ghalmi pone el adecuado contrapunto al sonido suave y bronco, según el momento, del laúd de Wafir Sheik. El conjunto es completado por el mismo Paniagua y Luis Delgado.
"Cuando la brisa toca el jardín uno se imagina que sus ramas son danzarinas que se balancean en trajes verdes de washy* y telas listadas del Yemen"
Eduardo Paniagua, nacido en Madrid en 1952, es arquitecto y especialista de la música de la España medieval. A los 16 años graba sus primeros cuatro discos con el grupo Atrium Musicae, en el que trabaja entre 1966 y 1983 con los instrumentos de viento y percusión, realizando giras de conciertos por Europa y América, y participando en toda su discografía, entre la que destacan títulos como: "La Folía", "La Spagna", "Musica de la Grecia Antigua" y la Antología de Música Antigua Española de Hispavox-Erato. Miembro fundador de los grupos Cálamus y Hoquetus, se especializa en la música arábigo-andaluza, participando en festivales españoles y del mundo árabe: Egipto, Líbano, Túnez, etc. En 1994 crea los grupos MÒSICA ANTIGUA e IBN BçYA, este último codirigido con el laudista Omar Metioui, para el trabajo musical sobre las Cantigas de Alfonso X y la música andalusí respectivamente. En paralelo funda y dirige el sello discográfico PNEUMA con el que comienza a editar sus producciones musicales. En 1995 es contratado por Sony Classical para iniciar la colección de música medieval Hispánica, en la que ha editado con el grupo MòSICA ANTIGUA diez discos sobre las Cantigas, y con IBN BçYA cuatro CDs sobre música andalusí. Por su trabajo y por la difusión de estas músicas inéditas está recibiendo excelentes críticas y premios internacionales, siendo nominado como mejor artista de música clásica en los Premios de la Música 1997. (http://www.ctv.es/USERS/pneuma/grupo.htm)
Pistas:
01. Las noches del encuentro 02. Consoladme 03. Consoladme niñas del alba 04. El nacimiento del profeta 05. Beyati 06. Bashraf Samai Asba'ay 07. Eh chicas, mi corazón emocionado y dolorido 08. Traje verde de washy 09. Me visitó mi amado 10. La chica soltera 11. Basharaf Samai Sika 12. El alba 13. Nana andalusi 14. Despedidme
Charly García o Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina.
Es el primogénito de una familia porteña del barrio Caballito. Durante los años 50 la familia García Moreno tuvo que hacer algunos ajustes: el padre de Carlos comenzó a trabajar como profesor, y su madre, Carmen Moreno, empezó a trabajar como productora de shows musicales para radio, especialmente de música folclórica. De allí, García conseguía discos que la madre le traía de la radio. La vocación musical del pequeño Carlos empezó a gestarse cuando los papás le regalaron un pianito de juguete al que muy pronto comenzó a sacarle sonidos articulados, rudimentarias melodías que asombraron a sus padres convenciéndolos que, esa criatura de apenas tres años tenía una natural disposición por la música. Así fue que lo llevaron a la casa de un vecino que tenía un piano y lo sentaron frente al instrumento. Quedaron atónitos cuando Carlitos Comenzó a tocar como si hiciera meses que practicaba. Se trataba, sin dudas, de un prodigio.
En el año 1956 lo inscribieron en el Conservatorio Thibaud Piazzini. Con apenas cinco años comenzó a tocar música clásica. Mozart, Chopin y Bach. A los 12 años se recibió de "Profesor de teoría y Solfeo". Durante ese período, en el que alternaba la escuela primaria con las clases de música y largas horas practicando los ejercicios de piano, Charly esbozó sus primeras composiciones (clásicas) y participó de varios conciertos colectivos.
Un hecho decisivo que forjó el espíritu y la personalidad del pequeño, fue el viaje que sus padres emprendieron solos hacia Europa, que él, por entonces, vivió como un insondable abandono, (Hoy en día se puede ver la crisis nerviosa provocada en ese entonces, en su mancha blanca en la cara que le dan el toque "bicolor" a su bigote). Así fue que, con toda sensibilidad en llagas, se refugió en su piano y en su música.
Al regresar sus padres, la madre comenzó a trabajar como productora de un exitoso programa de radio titulado "Folklorísimo" que solía llevar como invitados a las máximas estrellas del folclore.
Además de su pasión por la música, en aquellos días de la infancia, Charly sentía un profundo interés por la mitología griega, las cuestiones del cosmos, los dinosaurios, algo infrecuente para un niño de su edad.
Fue justamente, en una reunión en su casa (cuando "Carlitos" tenía 8 años), en dónde invitaron al músico folclórico Eduardo Falú a tocar, cuando se dieron cuenta de que Carlitos tenía algo especial. El músico estaba por tocar, y Charly le dijo a su madre, que éste tenía la quinta cuerda desafinada. Luego de unas pruebas caseras, llegaron a la conclusión de que Charly tenía oído absoluto.
Años después llegaría un cambio radical en su vida: Los Beatles, a quienes Charly escuchó y quedó asombrado, cambiando su formación clásica, para tocar Rock n' Roll, para siempre. Con estos, también llegarían los Rolling Stones, Dylan, los Byrds, los Who, etc.
Charly García asistió al Instituto Social Militar Dr. Dámaso Centeno, un colegio del barrio Caballito. Desde los primeros años solía escapar de las clases, para ir a tocar el piano al salón de actos. Allí formó su banda To Walk Spanish que significa Los que hacen lo que no quieren, junto a Juan Carlos Bellia, en la que hacían covers de Hendrix, The Byrds, Stones, etc. Luego conoció a Nito Mestre en la secundaria.
Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock".
Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres discos: "Vida" (1972), "Confesiones de Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones". Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui Generis". En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio.
La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976) y "Películas" (1977).
Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982).
En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su película "Pubis Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama al Living". Ayudado por la difusión que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo "No bombardeen Buenos Aires", "Inconsciente colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco". Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en teclados.
En su siguiente trabajo como solista ("Clics Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, "Los dinosaurios".
La trilogía esencial de García se completa con "Piano Bar" (1984), un álbum rockero que tiene en "Demoliendo Hoteles" y en "Raros peinados nuevos" a sus máximos logros.
Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó "Tango" (1986). Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más.
En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras.
Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película "Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, "Cómo Conseguir Chicas" (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos motivos, nunca había grabado.
Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP incluía una versión del Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales.
1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación.
Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, "Los indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros.
En 1995, aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año.
En el verano del '99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los desaparecidos y registrado en vivo para el disco "Demasiado Ego". Éste es uno de los discos que Charly García edito a lo largo de su trayectoria. El album titulado Alta Fidelidad (con Mercedes Sosa) fue editado en el año 1997.
Alta fidelidad es un LP del músico argentino Charly García grabado en conjunto con la famosa cantautora Mercedes Sosa, en el cual recorren algunos de los éxitos de García, abarcando diversas épocas del artista, tanto de Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros, así como también su carrera solista.
Fue lanzado en 1997, luego de bastante tiempo de abandono del proyecto, el cual estuvo a punto de no ser terminado, dado los conflictos y desavenencias entre el músico y el productor Joe Blaney, debido al caótico modo de trabajar de García, que incluía sesiones dia y noche sin pausas, y diversas maneras de grabar, con las que Blaney no estaba de acuerdo. Luego de un tiempo con el trabajo sin terminar, la grabación se retomó, ahora a cargo de un productor más joven, con el cual finalmente el disco vio la luz. El disco se iba a llamar Somos de acá, como dice la canción de Serú Girán escrita por García Los sobrevivientes, pero a Charly le pareció mejor el nombre Alta fidelidad.
Haydé Mercedes Sosa, nació el día 9 de Julio de 1935 en la ciudad de San Miguel de Tucumán. Falleció el 4 de Octubre del 2009 con 74 años de edad y una trayectoria de 60 años. Ella transitó por diversos países del mundo, compartió escenarios con innumerables y prestigiosos artistas y dejó, además, un enorme legado de grabaciones discográficas.
Su voz llevó siempre un profundo mensaje de compromiso social a través de la música de raíz folklórica, sin prejuicios de sumar otras vertientes y expresiones de calidad musical.
Su talento indiscutible, su honestidad y sus profundas convicciones dejan una enorme herencia para las generaciones futuras. Admirada y respetada en todo el mundo, Mercedes se constituye como un símbolo de nuestro acerbo cultural que nos representará por siempre y para siempre. Quizás, las palabras de su entrañable amiga, Teresa Parodi, resuman el sentimiento de muchos:
“…Mercedes, salmo en los labios amorosa madre amada mujer de América herida tu canción nos pone alas y hace que la patria toda menudita y desolada no se muera todavía, no se muera porque siempre cantarás en nuestras almas…”
"Vaya este homenaje insignificante para nuestra querida Negra que nos ha dejado tan huérfanos de luchas y sonidos impecables" maria antonieta
Pistas:
01. Cuchillos 02. Promesas sobre el bidet 03. Rezo por vos 04. Cómo mata el viento norte 05. Cuando ya me empiece a quedar solo 06. Hablando a tu corazón 07. Los sobrevivientes 08. El tuerto y los ciegos 09. De mí 10. Cerca de la revolución 11. Siempre puedes olvidar 12. Plateado sobre plateado
Charly García o Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la música contemporánea argentina.
Es el primogénito de una familia porteña del barrio Caballito. Durante los años 50 la familia García Moreno tuvo que hacer algunos ajustes: el padre de Carlos comenzó a trabajar como profesor, y su madre, Carmen Moreno, empezó a trabajar como productora de shows musicales para radio, especialmente de música folclórica. De allí, García conseguía discos que la madre le traía de la radio. La vocación musical del pequeño Carlos empezó a gestarse cuando los papás le regalaron un pianito de juguete al que muy pronto comenzó a sacarle sonidos articulados, rudimentarias melodías que asombraron a sus padres convenciéndolos que, esa criatura de apenas tres años tenía una natural disposición por la música. Así fue que lo llevaron a la casa de un vecino que tenía un piano y lo sentaron frente al instrumento. Quedaron atónitos cuando Carlitos Comenzó a tocar como si hiciera meses que practicaba. Se trataba, sin dudas, de un prodigio.
En el año 1956 lo inscribieron en el Conservatorio Thibaud Piazzini. Con apenas cinco años comenzó a tocar música clásica. Mozart, Chopin y Bach. A los 12 años se recibió de "Profesor de teoría y Solfeo". Durante ese período, en el que alternaba la escuela primaria con las clases de música y largas horas practicando los ejercicios de piano, Charly esbozó sus primeras composiciones (clásicas) y participó de varios conciertos colectivos.
Un hecho decisivo que forjó el espíritu y la personalidad del pequeño, fue el viaje que sus padres emprendieron solos hacia Europa, que él, por entonces, vivió como un insondable abandono, (Hoy en día se puede ver la crisis nerviosa provocada en ese entonces, en su mancha blanca en la cara que le dan el toque "bicolor" a su bigote). Así fue que, con toda sensibilidad en llagas, se refugió en su piano y en su música.
Al regresar sus padres, la madre comenzó a trabajar como productora de un exitoso programa de radio titulado "Folklorísimo" que solía llevar como invitados a las máximas estrellas del folclore.
Además de su pasión por la música, en aquellos días de la infancia, Charly sentía un profundo interés por la mitología griega, las cuestiones del cosmos, los dinosaurios, algo infrecuente para un niño de su edad.
Fue justamente, en una reunión en su casa (cuando "Carlitos" tenía 8 años), en dónde invitaron al músico folclórico Eduardo Falú a tocar, cuando se dieron cuenta de que Carlitos tenía algo especial. El músico estaba por tocar, y Charly le dijo a su madre, que éste tenía la quinta cuerda desafinada. Luego de unas pruebas caseras, llegaron a la conclusión de que Charly tenía oído absoluto.
Años después llegaría un cambio radical en su vida: Los Beatles, a quienes Charly escuchó y quedó asombrado, cambiando su formación clásica, para tocar Rock n' Roll, para siempre. Con estos, también llegarían los Rolling Stones, Dylan, los Byrds, los Who, etc.
Charly García asistió al Instituto Social Militar Dr. Dámaso Centeno, un colegio del barrio Caballito. Desde los primeros años solía escapar de las clases, para ir a tocar el piano al salón de actos. Allí formó su banda To Walk Spanish que significa Los que hacen lo que no quieren, junto a Juan Carlos Bellia, en la que hacían covers de Hendrix, The Byrds, Stones, etc. Luego conoció a Nito Mestre en la secundaria.
Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock".
Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres discos: "Vida" (1972), "Confesiones de Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones". Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui Generis". En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León Gieco, Nito Mestre y María Rosa Yorio.
La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976) y "Películas" (1977).
Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta agrupación editó cinco discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982).
En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su película "Pubis Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama al Living". Ayudado por la difusión que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo "No bombardeen Buenos Aires", "Inconsciente colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco". Para este trabajo, la banda estaba formada por Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en teclados.
En su siguiente trabajo como solista ("Clics Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, "Los dinosaurios".
La trilogía esencial de García se completa con "Piano Bar" (1984), un álbum rockero que tiene en "Demoliendo Hoteles" y en "Raros peinados nuevos" a sus máximos logros.
Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó "Tango" (1986). Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la impresión que el proyecto daba para más.
En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido de las letras.
Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película "Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, "Cómo Conseguir Chicas" (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos motivos, nunca había grabado.
Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP incluía una versión del Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales.
1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación.
Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda soporte, "Los indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García convocó a María Gabriela Epumer (ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros.
En 1995, aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año.
En el verano del '99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los desaparecidos y registrado en vivo para el disco "Demasiado Ego". Éste es uno de los discos que Charly García edito a lo largo de su trayectoria. El album titulado Alta Fidelidad (con Mercedes Sosa) fue editado en el año 1997.
Alta fidelidad es un LP del músico argentino Charly García grabado en conjunto con la famosa cantautora Mercedes Sosa, en el cual recorren algunos de los éxitos de García, abarcando diversas épocas del artista, tanto de Sui Generis, La Máquina de Hacer Pájaros, así como también su carrera solista.
Fue lanzado en 1997, luego de bastante tiempo de abandono del proyecto, el cual estuvo a punto de no ser terminado, dado los conflictos y desavenencias entre el músico y el productor Joe Blaney, debido al caótico modo de trabajar de García, que incluía sesiones dia y noche sin pausas, y diversas maneras de grabar, con las que Blaney no estaba de acuerdo. Luego de un tiempo con el trabajo sin terminar, la grabación se retomó, ahora a cargo de un productor más joven, con el cual finalmente el disco vio la luz. El disco se iba a llamar Somos de acá, como dice la canción de Serú Girán escrita por García Los sobrevivientes, pero a Charly le pareció mejor el nombre Alta fidelidad.
Haydé Mercedes Sosa, nació el día 9 de Julio de 1935 en la ciudad de San Miguel de Tucumán. Falleció el 4 de Octubre del 2009 con 74 años de edad y una trayectoria de 60 años. Ella transitó por diversos países del mundo, compartió escenarios con innumerables y prestigiosos artistas y dejó, además, un enorme legado de grabaciones discográficas.
Su voz llevó siempre un profundo mensaje de compromiso social a través de la música de raíz folklórica, sin prejuicios de sumar otras vertientes y expresiones de calidad musical.
Su talento indiscutible, su honestidad y sus profundas convicciones dejan una enorme herencia para las generaciones futuras. Admirada y respetada en todo el mundo, Mercedes se constituye como un símbolo de nuestro acerbo cultural que nos representará por siempre y para siempre. Quizás, las palabras de su entrañable amiga, Teresa Parodi, resuman el sentimiento de muchos:
“…Mercedes, salmo en los labios amorosa madre amada mujer de América herida tu canción nos pone alas y hace que la patria toda menudita y desolada no se muera todavía, no se muera porque siempre cantarás en nuestras almas…”
"Vaya este homenaje insignificante para nuestra querida Negra que nos ha dejado tan huérfanos de luchas y sonidos impecables" maria antonieta
Pistas:
01. Cuchillos 02. Promesas sobre el bidet 03. Rezo por vos 04. Cómo mata el viento norte 05. Cuando ya me empiece a quedar solo 06. Hablando a tu corazón 07. Los sobrevivientes 08. El tuerto y los ciegos 09. De mí 10. Cerca de la revolución 11. Siempre puedes olvidar 12. Plateado sobre plateado
Sheila Chandra born in South London to a South Indian immigrant family, Sheila Chandra discovered her voice at the age of twelve and whilst at Theatre Arts school. From this moment her chosen path was to be a singer. Lacking any real contacts or access to the music business, she nevertheless honed her vocal skills as a labour of love, spending up to two hours a night throwing her voice into the tall, draughty and uncarpeted stairwell of the family home: "I didn't know how to manufacture an opportunity, but I was determined that when a chance came my way I would be ready."
A chance did come her way, perhaps drawn by the weight of such unshakable belief. Steve Coe, a writer and record producer, was about to form a band as an outlet for his increasingly Indian influenced material. He came across Chandra's voice on an old audition tape, lying in a box at Hansa Records and knew that he had found his singer: "The richness, fluidity and quality of her voice struck me immediately. And then when I requested a photo from the file and found that Sheila was Asian, everything else seemed to fall into place."
'Monsoon' put out an EP on Steve Coe's newly formed 'Indipop' label and were signed by the far sighted Dave Bates at Phonogram. The band's first single 'Ever So Lonely' took a song written around a raga and, utilising the new production techniques available, came up with an irresistible but radical modern pop fusion sound. It was a top ten hit and notched up a quarter of a million sales worldwide.
Following singles did not manage to dent the top twenty and six months later Chandra walked away from it all, frustrated by the increasing lack of communication between Phonogram and Monsoon over artistic direction. She went back to the Indipop label to learn her craft as a writer and musician. Free from business constraints and in complete control of her creative life, there followed a remarkable and prolific two-year period. Her first four solo albums for the label chronicle a profound transformation in the quality and depth of her work, both as a singer and increasingly as a writer, in her then chosen field of Asian fusion - learning from the very structures she had ignored throughout her childhood.
Her new found ability to cross continents in a single vocal line and weave seamlessly the vocal styles of the Arab world, Andalucia, Ireland, Scotland, India and more ancient structures such as that of Gregorian plainsong made for a true fusion within one mind and one voice. 'Weaving My Ancestor's Voices' established Chandra as a spiritual heir to a 'whole world' vocal tradition, whilst Coe's sensitive and painstaking production enhanced this further and acted as an integral part of the recording, particularly on the virtuoso vocal percussion pieces 'Speaking In Tongues' I and II. The album spent several weeks in the Billboard World Music top ten and outsold everything else on the label in the USA.
After touring the USA with Peter Gabriel's 1993 WOMAD tour, there followed 'The Zen Kiss' and 'ABoneCroneDrone'. The latter was a daring minimalist strategy to lure the listener out of long accustomed passivity to hear, as Chandra does, the living symphony of harmonics within the simplest of drones.
Chandra has sold over a quarter of a million albums in the last five years, which has vindicated the riskiness of her approach, and is currently deep in the writing of her ninth solo album. 'Moonsung - A Real World Retrospective' features some of the best of her work on Real World, including two new and previously unreleased tracks, and is a fine introduction to the world of this unique and innovative artist.
Pistas:
01. Ever So Lonely/Eyes/Ocean 02. Dhyana And Donalogue 03. Shehnai Song 04. The Enchantment 05. Speaking In Tongues III 06. ABoneCroneDrone 3 (excerpt) (Moonsung version) 07. Nana/The Dreaming (Moonsung edit) 08. Waiting 09. Sacred Stones 10. ABoneCroneDrone 1 (excerpt) 11. Lagan Love/Nada Brahma 12. Blacksmith
