Iron & Wine es el nombre artístico usado por el cantautor estadounidense Sam Beam. Originario del estado de Florida, pero arraigado en Carolina del Sur, Beam lanza su primer álbum The Creek Drank the Cradle por el sello Sub Pop en el 2002. Beam escribe, toca, graba y produce cada tema del álbum por sí mismo en su propio estudio casero. El sonido del álbum, que incluye guitarra acústica, banjo y otros instrumentos, ha sido comparado con el sonido de músicos como Nick Drake, Simon and Garfunkel , Neil Young, Elliott Smith, John Fahey o Ralph Stanley. A menudo es caracterizada como country alternativo, folk progresivo o indie folk, y su lírica se puede caracterizar cercana al gótico sureño.
En el 2003 fue lanzado The Sea & The Rhythm, un EP que recopilaba otras grabaciones caseras, temas que iban en la misma línea que los del álbum debut. El segundo álbum de Beam, Our Endless Numbered Days del 2004, fue grabado en un estudio profesional con un significativo incremento en la fidelidad del sonido. El foco aún estaba puesto en el sonido acústico, pero la inclusión de otros miembros a la banda le dio al sonido un toque más diverso. En febrero del 2005 Beam lanza un EP titulado Woman King. Woman King amplía el sonido de estudio que había marcado el álbum anterior y en este EP también incluye guitarras eléctricas. Cada tema incluye una figura espiritual femenina con un sutil trasfondo bíblico, a pesar de que, en entrevistas de prensa, Bean se ha declarado agnóstico. http://es.wikipedia.org/wiki/Iron_&_Wine
1 – On Your Wings 2 – Naked as We Came 3 – Cinder And Smoke 4 – Sunset Soon Forgotten 5 – Teeth in the Grass 6 – Love and Some Verses 7 – Radio War 8 – Each Coming Night 9 – Free Until They Cut Me Down 10 – Fever Dream 11 – Sodom, South Georgia 12 – Passing Afternoon
Historia TOWER OF POWER La historia de la banda comienza en el verano de 1968, cuando Emilio Castillo conoce a Stephen "Doc" Kupka en Oakland, California. Kupka había hecho una audición durante el ensayo de The Motowns, la anterior banda de Emilio,1 y el padre de éste se presentó inmediatamente para advertirle: "Quédate con el chico: tiene algo". El saxo barítono de Doc pasó a formar parte de la sección de vientos de la banda de Castillo, que, desde ese momento, pasó a llamarse Tower of Power.2 El grupo, una formación de soul con 10 miembros, no tardaría en hacerse muy conocido en la Bahía de San Francisco, y en 1970, tras una actuación en el legendario Fillmore West, editan su primer álbum, "East Bay Grease" con composiciones de Castillo y Kupka y bajo los auspicios de Bill Graham.3 La segunda grabación, "Bump City" sería editada bajo el sello Warner Bros, iniciando una colaboración entre la banda y la editorial que duraría un buen número de años2 y que cristalizaría en una larga lista de hits.1 Cuando la banda firmó por Columbia Records, las cosas comenzaron a ir peor, a pesar de que el nuevo sello pagaba mejor a los músicos. Sólo el primero de los discos editados con Columbia recordaba a los antiguos Tower of Power, y al mismo tiempo, los problemas con las drogas de algunos de los integrantes, los continuos cambios en la formacion y los coqueteos con la música disco, más comercial, hacen mella en las nuevas producciones del grupo, que a pesar de ello, consigue editar 10 álbumes durante toda la década de los 70.3
1 So I Got To Groove 2 Crazy for You 3 Easy Bay Way 4 Unconditional Love 5 You Do The Math 6 The More You Know 7 Recapture The Magic 8 What's Your Trip 9 Rhythm and Business 10 Don't Knock Me Down 11 That Was Then and This Is Now 12 It Really Doesn't Matter 13 Spank-A-Dang
La Grabación GUADALUPE VIRGEN DE LOS INDIOS realizada por SAVAE SAN ANTONIO VOCAL ARTS ENSEMBLE, contiene entre otras la grabación de algunas de las primeras composiciones realizadas en el continente americano por el maestro Tomas Pascual que es uno de los primeros maestros de capilla indigena del continente, habiendo desarrollado su trabajo en el altiplano guatemalteco, en el area de los cuchumatanes en el Departamento de Huehuetenango en Guatemala Track 01 - Abrase En Reyna Del Cielo.wav Track 02 - Mananitas A La Virgen De Guadalupe.wav Track 03 - Dios Es Ya Nacido.wav Track 04 - Aquestando Toneceria Track 05 - Aufer A Nobis iniquitates Track 06 - Nican Mopohua Track 07 - Virgen Madre De Dios Track 08 - O Virgen Maria Track 09 - Al Prodigio Mayor Track 10 - De La Sagrada Maria Forcado De Amor Track 11 - Juantzin, Juan Diegotzin Track 12 - Bay Magalhi,Magalhi Track 13 - Dulce Consuelo De Nepa Tepatzin Track 14 - Hoi Nace La Jueba Estiella Track 15 - Tepeyacae Track 16 - In Il Huicae Cihuapille Track 17 - Y Technepa Sacramento Dios Track 18 - Ma Xiccaqui Kathy Mayer, soprano, recorder, percussion Tanya Moczygemba, alto, percussion Covita Moroney, alto, guitar, percussion Christopher Moroney, baritone Lee P’Pool, tenor, percussion Jody Noblett, tenor, flute, percussion Paula Olsen, soprano GUADALUPE VIRGEN DE LOS INDIOS subido por henry
"Alan Lomax (31 de enero de 1915 - 19 de julio de 2002), fue un importante etnomusicólogo norteamericano, considerado como uno de los más grandes recopiladores de canciones populares del siglo XX. Era hijo del también etnomusicólogo John Lomax, con quien desde los 22 años, comenzó su carrera grabando temas cantados por los esclavos negros de Texas, Luisiana y Misisipi. Se licenció en filosofía en la Universidad de Texas y Austin, y trabajó posteriormente en varios proyectos para la Biblioteca del Congreso (Library of Congress) de Estados Unidos. Desarrolló su propio sistema para analizar canciones, que llamó cantométrica, donde principalmente trataba de encontrar las relaciones entre la sociología y el corpus musical. Dedicó la mayor parte de su vida a viajar por el mundo para recoger con su grabadora muestras del folklore musical de países como España (a pesar de la oposición del régimen de Franco), Italia, Irlanda, India y Rumanía. También lanzó a la fama a varios intérpretes de blues como Muddy Waters, LeadBelly, Woody Guthrie, Jerry Roll Morton o Jeannie Robertson, además de grabar estilos musicales casi desconocidos, como los espirituales de Sea Islands. Participó en varios programas de radio y series de televisión, y desempeñó un papel importante en el “renacimiento” del folk (folk revival) que tuvo lugar en los años 50 y 60 en EE. UU. e Inglaterra. Ganó el prestigioso premio Nacional Book Critics Circle Award en 1993 por su libro "The Land Where the Blues Began", donde exponía la historia de los orígenes del blues. Murió en Florida, a los 87 años, y un año más tarde recibió un póstumo Grammy en reconocimiento a su vida y a su aportación a la música".(Wikipedia)Si bien, los Lomax habían visitado Parchman (una hacienda algodonera convertida en infame campo de trabajo para los prisioneros) hacia los años treinta, no se conocen grabaciones de esa primera visita. Solo que algo más de una década después volvieron y en esa oportunidad si recogieron suficiente material para los dos álbumes editados posteriormente como "Prison Songs", el primero de los cuales les presento en esta oportunidad. Estas grabaciones, desde luego, tienen un valor que trasciende lo meramente musical y se adentran en el alma sufriente de estos hombres olvidados de la sociedad que tanto en ratos libres, como en medio de la dura faena, encontraron fuerzas en sus corazones para cantar. Es impresionante el hecho de que en buena parte de estas grabaciones, los prisioneros se acompañan, escuetamente, con el ritmo acompasado de sus propias herramientas de trabajo, mientras entonan, principalmente, blues, gospels y cantos de trabajo He incluido copia completa del libreto que acompaña la edición en disco, donde se recoge información detallada sobre los músicos y tambien sobre sus canciones, inclusive la letra (lyrics) de las mismas. Espero que sepan apreciar estos hermosos y elocuentes testimonios. ALAN LOMAX: "Prison Songs" Vol 1 subido por afterbach
Groundation es una banda de roots reggae de Sonoma de la Alta California, EE. UU. Fue formada en 1998 por Harrison Stafford, Marcus Urani, y Ryan Newman. Tras la unión de Stafford con Kris Dilbeck en 1999 fundan la discográfica Young Tree Records, en la cual graban su primer disco, Young Tree. Su nombre viene de la idea de estar todos a un mismo nivel (de ground suelo en inglés) y desde ahí poder aprender como iguales sin que haya jerarquías o clases sociales. Cabe destacar que esta banda utiliza en la gran mayoría de sus temas el estilo de percusión nyabinghi, el cual se utilizaba en las asambleas religiosas rastafaris grounations (de Ground suelo y nations naciones, en inglés) que tenían la idea de estar todos en igualdad. Sobre su estilo también se puede decir que esta banda contiene influencia del jazz en la ejecución de sus instrumentos de viento 01- Jah Jah Know 02- Babylon Rule Dem 03- Silver Tongue Show 04- Weeping Pirates 05- Picture on the Wall 06- Something More 07- Hebron 08- Freedom Taking Over 09- Undivided Groundation - Hebron Gate subido por camidmd
La contrabajista, vocalista y compositora Esperanza Spalding, dotada de un talento instrumental sorprendente, políglota y con una voz angelical, presenta su último trabajo Chamber Music Society, disco que le ha supuesto el Premio Grammy a la Artista Revelación del año 2011.
Norteamericana con sangre mexicana, aprendió sólo en un año a tocar, de forma autodidacta, el violín, ganando un puesto en la "Sociedad de Música de Cámara" de Oregón, su ciudad natal. Ocupando con quince años la plaza de solista de violín, descubrió el contrabajo y todas las posibilidades que, lejos del universo clásico, le abría aquel instrumento. Irrumpe, años después, en el blues, funk, hip-hop y otros estilos musicales en clubes de circuito local, siendo en la "Berklee College of Music" donde comienza a engarzar todas las piezas que adquiere en el bagaje y a abrirsele todas las puertas, graduándose y siendo contratada como profesora con apenas veinte años.
Habiendo trabajado con artistas de la talla de Michel Camilo, Pat Metheny y Nando Michelin, en su primer disco solista Junjo (2006), editado por el sello español Ayva Music, forma trío con los cubanos Aruán Ortiz al piano y Francisco Mela. Nueve piezas que dibujan un viaje musical que va desde el jazz moderno a la música brasileña contemporánea, pasando por el folklore argentino, donde Spalding compone y realiza arreglos como si de una artista veterana se tratara. En Esperanza (2008) rebosa frescura en todos y cada uno de sus temas, siendo acompañada, en el estudio de grabación, por los músicos Niño Josele (guitarra flamenca), Horacio "El Negro" Hernández (batería), Donald Harrison (saxo) y James Haddad (percusión), entre otros.
En Chamber Music Society (2010), Esperanza Spalding vuelve a aunar estilos tan diferentes como el jazz, el soul y la bossa nova, fusionando ritmos latinos como el tango y la chacarera argentina con sus amplísimos conocimientos musicales. Coproducido por la propia Spalding y Gil Goldstein, el disco cuenta con la participación del pianista Leo Genovese, el batería y percusionista Quintino Cinalli, Milton Nascimento (que pone su voz en el tema "Apple Blossom") y la excelente vocalista Gretchen Parlato como apoyo en "Inútil Paisagem" y "Knowledge Of Good And Evil". Esperanza Spalding vuelve a demostrar que el jazz es un estilo en permanente evolución y que ella orienta claramente su música en esta dirección.
01. Little Fly 02. Knowledge Of Good and Evil 03. Really Very Small 04. Chacarera 05. Wild Is The Wind 06. Apple Blossom 07. As A Sprout 08. What A Friend 09. Winter Sun 10. Inútil Paisagem 11. Short And Sweet
Ry Cooder siempre ha creído en la "reciprocidad en la música", y esto no puede ser más evidente en su carrera que con su quinto álbum, Chicken Skin Music (un coloquialismo de Hawai, sinónimo de la piel de gallina). Incluso más de lo habitual, Cooder se niega a reconocer las fronteras geográficas o musicales la presentación de "Stand By Me" como una canción de gospel con un arreglo norteño, o el clásico de Jim Reeves country-pop, "He'll Have to Go," con el ritmo de un bolero, la interacción del acordeón de Flaco Jiménez y el saxo alto de Pat Rizzo. En otros temas, dos de los grandes guitarrista y cantantes de Hawai Gabby Pahinui y el maestro de la guitarra Atta Isaacs en el éxito de Hank Snow "Yellow Roses" y el hermoso instrumental "Chloe". Si el enfoque de Cooder para la música es estilísticamente diverso, su elección de material sin duda sigue su ejemplo. Sustentada por un par de composiciones de Leadbelly, La musica de Chicken Skin Music es una colección de canciones que van desde los temas antes mencionados como un juglar antiguo muestra el medicinal "I Got Mine" y el sincopado R & B "Smack Dab in the Middle". También participa el compositor ciego de los Apalaches Alfred Reed en "Always Lift Him Up", Con una melodía del evangelio de Hawai, "kanaka Wai Wai" entretejidos en la sección instrumental. Como él mismo explica en las notas del álbum, Cooder entiende la conexión entre estos estilos aparentemente dispares. Esto no es más que el eclecticismo por su propio bien. La música de Chicken Skin Music es probablemente la grabacion más excéntrica de Ry Cooder desde su principio, pero es también una de las más divertidas.
Maravillense con el grandioso Flaco Jimenez al acordeon
Personal
* Ry Cooder – Bajo Sexto, mandola, bottleneck guitar, French accordion, electric guitar, slack-key guitar, tiple, Hawaiian guitar, vocals
* George Bohannon – horn and baritone arrangement
* Oscar Brashear – cornet
* Red Callender – upright bass, tuba
* Chris Ethridge – bass
* Terry Evans – vocals
* Cliff Givens – vocals
* Laurence Fishburne - vocals
* Hugo Gonzales – banjo
* Chet Himes – engineer
* Milt Holland – percussion, drums
* John Ingle – engineer
* Atta Isaacs – slack-key and acoustic guitar
* Fred Jackson, Jr. – tenor saxophone
* Flaco Jiménez – accordion
* Herman E. Johnson – vocals
* Jim Keltner – drums
* Bobby King – vocals
* Henry Ojeda – bass
* Gabby Pahinui – steel guitar, vocals
* Benny Powell – trombone
* Pat Rizzo – alto saxophone
* Russ Titelman – banjo, bass, vocals, producer
Tracks
1. "The Bourgeois Blues" (Leadbelly) – 3:22
2. "I Got Mine" (Traditional) – 4:28
3. "Always Lift Him Up/Kanaka Wai Wai" (Traditional) – 6:01
4. "He'll Have to Go" (Joe Allison, Audrey Allison) – 5:07
5. "Smack Dab in the Middle" (Chuck Calhoun) – 3:18
6. "Stand by Me" (Ben E. King, Jerry Leiber, Mike Stoller) – 3:38
7. "Yellow Roses" (Ken Devine, Sam Nichols) – 6:11
8. "Chloe" (Gus Kahn, Neil Moret) – 3:00
9. "Goodnight Irene" (Leadbelly, John Lomax) – 4:32
Durante 1991-92, o clarinetista Eddie Daniels e o vibrafonista Gary Burton juntaram-se em uma excursão, realizando uma homenagem a Benny Goodman e Lionel Hampton. Não importa que eles soam nada parecido com seus antecessores. O grupo tem seu som próprio, com leituras modernas de clássicos atemporais. Eddie Daniels faz sua leitura adequada da B.G. e Gary Burton, tem seu próprio estilo, evitando ser apenas uma excelente cópia de L.H. Este CD é o caminho para quem quer uma nova interpretação e não quer comparar os desempenhos artistas ou estilos. No CD, que resultou da colaboração, a dupla usa acompanhamentos virtuosos: um pianista, um baixista e um baterista, todos eles com os ouvidos abertos para criar uma versão moderna, e não fazer apenas uma boa interpretação (ou boa cópia) para as 11 canções associadas com o Rei do Swing, mais uma de Bix Beiderbecke: "In a Mist." O destaque é "Knockin 'on Wood"(Red Norvo), que nada tem a ver com Goodman ou Hampton e apresenta Burton brincando em um xilofone. Algumas revistas especializadas classificam o som do grupo como "Hard-Bop", ou "Post-Bop".
MÚSICAS
1. Sing, Sing, Sing 3:39 2. Stompin' at the Savoy 5:40 3. Moonglow 4:09 4. Air Mail Special 3:47 5. Let's Dance 5:09 6. Slipped Disc 4:04 7. Memories of You 5:25 8. Avalon 2:57 9. In a Mist 5:17 10. Grand Slam 4:52 11. After You've Gone 3:28 12. Goodbye 5:44 13. Knockin' on Wood 3:37
O vídeo a seguir é de uma exibição da dupla em 1992, embora nos créditos apareça apenas o nome de Eddie Daniels.
MÚSICOS: Eddie Daniels - Clarinete; Gary Burton - Vibrafones e xilofone; Mulgrew Miller - Piano; Mark Johnson - Baixo; Peter Erskine - Bateria.
Corey Harris continúa su ambiciosa exploración de la historia musical con Zion Crossroads, un proyecto donde Harris se encuentra inmerso en los ritmos y la conciencia de las raíces del reggae tradicional.
A diferencia de sus anteriores trabajos, Harris, sin embargo, mezcla country blues con el jazz, Americano, y los estilos de África, Zion Crossroads golpea de cerca el género, paseos en profundidad, ritmos de una manera que nos recuerda a Burning Spear y Black Uhuru. Las excepciones son los dos temas con un ritmo Áfricano "Walter Rodney" y la canción de country "Plantation Town". El resultado general es un álbum que satisface, impulsado por una mayor conciencia política que atraerá a los fans de Harris, así como a los amantes del reggae con raíces clásicas.
Otis Taylor tiene un don para los títulos interesantes; Blue-Eyed Monster y When Negroes Walked the Earth son algunos de los CDs que el músico de Denver ha registrado antes de White African. Taylor también tiene la habilidad para grabar temas muy oscuros y serios esta versión de 2001, está lleno de ellos. En White African, Taylor cuestióna los linchamientos en el Sur Profundo ("Santa Marta Blues") para las personas sin hogar ("Hungry People") por no poder pagar la atención médica de un niño enfermo, ("3 Days and 3 Nights" ). Taylor no trata de disimular sus inquietantes letras con melodías felices. Muy influenciado por John Lee Hooker, el alma de Taylor es muy a menudo temperamental, oscura, inquietantes surcos. White African es tan oscuro musicalmente como líricamente. Con los años, el humor negro ha jugado un papel importante en el blues, los artistas de hip-hop y blues son conocidos por la búsqueda de una variedad de formas de humor inteligente para decir lo cruel de la vida para los negros en Usa. ~ Alex Henderson
Personal: Otis Taylor (vocals, acoustic guitar, banjo, electric banjo, mandolin, harmonica); Eddie Turner (guitar, slide guitar); Kenny Passarelli (keyboards); Cassie Taylor (background vocals).
1. My Soul's In Louisiana 2. Resurrection Blues 3. Momma Don't You Do It 4. 3 Days And 3 Nights 5. Round And Round 6. Stick On You 7. Rain So Hard 8. Lost My Horse 9. Saint Martha Blues 10. Ain't No Cowgirl 11. Hungry People
Farrel Pharoah Sanders (Little Rock, Arkansas, Estados Unidos, 13 de octubre de 1940 - ), es un saxofonista de Jazz estadounidense.Se destacó por su mezcla de estilo de Free jazz y marcadas líneas rítmicas, a menudo con percusiones africanas.Estudió piano en la adolescencia, con su abuelo; luego batería y clarinete, y a los dieciséis años, saxo y flauta.
Sus comienzos fueron en algunas bandas locales de R&B, como las de Bobby Blue y Junior Parker. En 1959 se trasladó a Oakland, en California, para estudiar en la Oakland Junior College, donde logró tocar con apenas 19 años, con Sonny Simmons, Dewey Redman y Ed Kelly, con quienes forma el grupo "Little Rock", y con Phily Joe Jones.
En 1961 se trasladó a Nueva York destacando rápidamente entre los músicos de vanguardia de la Gran Manzana, adscritos en aquella época al freejazz, entre ellos Don Cherry, Sun Ra. En 1963 formó grupo con el pianista John Hicks el bajista Wilburt Ware y el batería Billy Higgings.Desde 1962, colaboró en la banda de John Coltrane, quien lo descubre en un concierto en el Village Gate y le invita a unirse a su banda y con quien colaboraría a menudo en los últimos discos que Coltrane hizo para el sello Impulse!.
Después de la muerte de Coltrane colaboró con su viuda Alice Coltrane mientras siguió grabando como solista, bajo el sello ESP y participó además en un par de álbumes de Sun Ra y otro con Don Cherry.Su mayor éxito fue el disco Karma de 1969 con Leon Thomas como vocalista. En 1987 grabó Africa con homenaje la música de Coltrane.
01. You've Got To Have Freedom 02. Naima 03. Origin 04. Speak Low 05. After The Morning 06. Africa 07. Heart To Heart 08. Duo
Dee Dee Bridgewater, compositora y cantante norteamericana, es una de las artistas más interesantes e innovadoras del panorama del jazz vocal contemporáneo. En la década de los años 70 del siglo XX cantó con figuras de la talla de Dizzy Gillespie o Dexter Gordon. Su impresionante caudal de voz está influenciado por figuras como Nancy Wilson o Sarah Vaughan, siendo alumna favorita de Ella Fitzgerald. En Red Earth –tierra roja, en referencia al color del paisaje de Malí- Dee Dee Bridgewater busca sus raíces africanas, el verdadero corazón del jazz y de la cultura de la que ha bebido desde que nació.
Conoció Malí como embajadora de la FAO, reencontrándose con las raíces profundas del blues del delta del Mississipi donde creció. Red Earth es una incursión honesta en el folklore de esa tierra sin que tengamos presente, en ningún momento, que quien lo perpetra es una diva del jazz. Dee Dee no es una artista que se planta en los patrones comerciales del jazz sino que explora todas las músicas posibles, tamizándolas y reconstruyéndolas en jazz, en blues e, incluso, en flamenco. Así, pues, en Red Earth nos encontramos texturas jazzísticas y sonoridades de blues antiguo, con algún detalle flamenco, junto con una deslumbrante equipación de sonidos extraidos del desierto rojo de Malí. Dee Dee ha compuesto y grabado buena parte de los temas de este asombroso álbum, participando todo un impresionante plantel de grandes artistas malienses del momento: por supuesto, la kora planea por todo el disco tocada por su intérprete más universal, Toumani Diabaté; Oumou Sangaré, Mamadou Diabaté, Djelimady Tounkara, Baba Sissoko, Kassé Mady Diabaté… son algunos de los nombres de la treintena que participa.
Un disco de sonoridad jazz impregnado de esencias africanas tan fascinantes como deslumbrantes. Un disco que hace creer en el jazz, en su poder de rejuvenecimiento y de continua reevaluación de sus códigos, lleno de ritmos hipnóticos, de cadencias arábigas y de blues clásico.
01. Afro blue 02. Bad Spirits (Bani) 03. Dee Dee 04. Mama don’t ever go away (Mama digna sara yé) 05. Footprints 06. Children go ’round (Demissènw) 07. The griots (Sakhodougou) 08. Oh my love (Djarabi) 09. Four women 10. No more (Bambo) 11. Red Earth (Massane Cissé) 12. Meanwhile 13. Compared to what
Just like You is the second album by Delta blues artist Keb' Mo'. It features guest artists Jackson Browne and Bonnie Raitt both on the title track "Just Like You." Unlike the first album, Just Like You features a more Blues-pop to Blues-rock feel and more of its tracks feature a full band. In 1997, Just Like You won the Grammy Award for Best Contemporary Blues Album. Wikipedia
All songs written by Kevin Moore (Keb' Mo'). 1. "That's Not Love" - 4:06 2. "Perpetual Blues Machine" - 3:14 3. "More Than One Way Home" - 4:52 4. "I'm on Your Side" - 3:38 5. "Just like You" - 3:26 6. "You Can Love Yourself" - 2:32 7. "Dangerous Mood" - 4:57 8. "The Action" - 3:57 9. "Hand It Over" - 2:54 10. "Standin' at the Station" - 3:11 11. "Momma, Where's My Daddy?" - 3:06 12. "Last Fair Deal Gone Down" - 3:44 13. "Lullaby Baby Blues" - 2:33
The Chieftains grabó en el 2010 el album San Patricio,con Paddy Moloney al frente y Ry Cooder,donde se narra la historia casi olvidada de los del batallón de San Patricio, un oprimido grupo de inmigrantes irlandeses reclutados por el ejército americano que desertaron en 1846 para seguir luchando junto al ejército mexicano contra los yanquis invasores en la guerra Mexicano-Americana (1846-1848).
01. La Iguana con Lila Downs 02. La Golondrina con Los Folkloristas 03. A la Orilla de un Palmar con Linda Ronstadt 04. Danza de Concheros con Los Folkloristas 05. El Chivo con Los Cenzontles 06. San Campio con Carlos Núñez 07. The Sands of Mexico con Ry Cooder 08. Sailing to Mexico con Carlos Núñez 09. El Caballo con Los Camperos de Valles 10. March to Battle (Across the Rio Grande) con Banda de Gaita de Batallón, Liam Neeson, Los Cenzontles, L.A. Juvenil 11. Lullaby for the Dead con Moya Brennan 12. Luz de Luna con Chavela Vargas 13. Persecución de Villa con Mariachi Santa Fe de Jesús (Chuy) Guzmán 14. Canción Mixteca (Intro) con Ry Cooder 15. Canción Mixteca con Los Tigres Del Norte 16. Ojitos Negros con Los Cenzontles 17. El Relámpago con Lila Downs 18. El Pájaro Cu con La Negra Graciana 19. Finale con Banda de Gaita de Batallón, Carlos Núñez, Los Cenzontles, L.A. Juvenil, Los Folkloristas
The albums of Portland, Oregon based multi-instrumentalist cars & trains (Tom Filepp) consist of handfuls of microscopic crafted worlds, shaped with tiny precision. Layers of decaying feedback, sparse glockenspiel and tape samples weave a dark and dense tapestry of sound while deep brooding vocals sit atop songs with deceptive timing, subtle electronic stutters, and thunderous and organic drumming. Banjo driven four to the floor stompers yield to velvety acoustic guitar and spacious instrumentals laden with sampled americana.
Tom’s work as cars & trains evokes early Morr Music releases by bands like Tarwater, intersecting with folk-oriented electronic groups like Tunng. Found sound and distorted tape samples create urban lullaby landscapes. Undaunted, meloncholic drums and timid textures are reminicent of cloudDEAD or Tujiko Noriko, sitting atop an eclectic songwriting sensibility that brings The Microphones to mind.
Tom translates his recordings to the stage with a unique solo set, energetically looping found-sounds and live electronic drumming with layers of vocal harmonies, viola, glockenspiel, trumpet, synthesizer, and melodica. All the while keeping an intense and engaging dynamic going, he weaves his songs into a captivating near-non-stop medley that is ever-changing and unique, no two shows being quite the same.
He also runs Circle Into Square, an artist run label and magazine, the entire site and label created from scratch as a means for artists to directly release their music and artwork with cutting edge resources, and to help adapt to the constantly changing music industry. Circle Into Square’s roster includes artists like Boy In Static, ID & Sleeper, Skating Club, BRE’R, The Harvey Girls, Helios, Big Spider’s Back, and cars & trains.
The Roots, The Leaves is the sophomore effort of Portland, Oregon based multi-instrumentalist cars & trains (Tom Filepp), a more personal and emotive foray than his 2007 full length debut Rusty String. Tom deftly mixes out-of-the-box electronics and found sounds seamlessly with a myriad of instruments–woodwinds, banjos, acoustic guitars, strings and glockenspiel–walking a blurry line that makes one wonder where exactly the uncommonly organic drum programming ends and the instruments and lushly layered found sounds begin
On his first Fake Four Inc. release, Tom does what he shines at, as in previous efforts–vividly creating microscopic ship-in-a-bottle worlds with circular themes that one can imagine crawling into, like a favorite childhood hiding place, while brooding nostalgically on a favorite time or place long since past. His distinctive and thickly layered vocals sit atop soft but steadily pulsing guitars, malfunctioning toys, twangy banjos, crooning woodwinds and dirge-like trumpets, weaving a nimbly produced record that tells a succinct and engaging story.
Lyrically “The Roots” is much more vested in storytelling, painting vivid pictures of moss-laden decaying buildings, rusty railroad tracks, and dusty urban settings, all tinged with hints of nature and melancoly. Drawing on inspiration both from his adopted hometown of Portland and from his native Hudson Valley in New York, Tom builds on reoccuring themes that make the listener feel like they are part of something special and intimate. The ten tracks are more staked in a carefully hewn songwriting sensibility, while focusing to a greater extent on Tom’s singing and lush vocal harmonies than before.
Many guest artists contribute vocals and a diverse array of instruments to The Roots, The Leaves, including a handful of fellow labelmates on Fake Four Inc. (like Ceschi Ramos, Alexander Chen of Boy In Static), in addition to some Portland, Oregon locals. Carrying on the mantle of previous releases laden with toy instruments, distorted tape samples and banjos, “The Roots” sits at a curious intersection between more folk-oriented electronic groups like Tunng and the distinctive Pacific Northwest experimental folk sound of K Records/The Microphones/Mt. Eerie renown.
The Roots, The Leaves is cars & trains’ most realized and expressive effort to date, full of energy and intimacy gleaned from Filepp’s intense, energetic, and intricate live looping show that he has steadily developed and gained notoriety for. From the intricate plucking of The Root’s cyclical opening and closing songs, and everything in between, cars & trains carefully journeys hand in hand with his influences, cajoling them into a world all his own.
01. I Know Someone Who Can’t Recognize 02. Asleep On A Train 03. The Birds In Your Chest 04. The Roots 05. Intimidated By Silence 06. The Sun Always Sets 07. Drop Ceilings And Day Planners 08. The Leaves 09. Some Lonesome Street Corner 10. Dead Telephone
Explosions in the Sky es un grupo instrumental post-rock estadounidense, formado en Austin, Texas en 1999. La agrupación se caracteriza por producir un sonido intimista, que también los define. Nunca realizan bis en sus presentaciones y no suelen tocar en escenarios muy masivos.
Han cosechado gran popularidad en el panorama post-rock debido a sus guitarras, con un sonido cinemático y elaborado, así como a su estilo narrativo instrumental, a lo que ellos llaman “mini-sinfonías catárticas”, y a sus entusiastas y emotivas actuaciones. En un primer momento el grupo estaba formado por tres guitarras eléctricas y batería, hasta que uno de sus miembros, Michel James, sustituyó su guitarra eléctrica por un bajo eléctrico.
Si bien comienza a ser una banda conocida, quiero compartirlo con ustedes ya que me ha servido como fuente de inspiracion y ha generado momentos inolvidables en mi vida. No es una banda para escucharla en cualquier momento, dediquenle atención. Mandos.
1 – A Song For Our Fathers 2 – Snow and Lights 3 – Magic Hours 4 – Look Into the Air 5 – Gliterring Blackness 6 – Time Stops 7 – Remember Me As a Time Of Day
Aretha Franklin es una cantante de soul, R&B y gospel. Nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis (Tennessee). Apodada como “Lady Soul” o “Queen of soul” (La Dama [o Reina] del Soul), es para algunos una de las artistas más influyentes en la música contemporánea. A mediados de los años 60 se consolidó como estrella femenina del soul, algo que usó en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, siendo un elemento influyente dentro del movimiento racial y de la liberación femenina. Ha influido a decenas de artistas, como Whitney Houston, Anastacia, Mariah Carey, Janis Joplin, Natalie Cole, Christina Aguilera, Alicia Keys, Aaron Neville, Annie Lennox, Andy Nelson Ibáñez.,Mateo Blanco, etc.http://es.wikipedia.org/wiki/Aretha_Franklin
1) Angels We Have Heard On High 2) This Christmas 3) My Grown Up Christmas List 4) The Lord Will Make A Way 5) Silent Night 6) Ave Maria 7) Christmas Ain’t Christmas (Without The One You Love) Angels 9) One Night With The King 10) Hark! The Herald Angels Sing 11) ‘Twas The Night Before Christmas.
At the end of this summer, composer Alan Silvestri reunited with his longtime collaborator, writer-director Robert Zemeckis to record the music to their 13th feature film together, A Christmas Carol. Based on the Charles Dickens classic novel, this new 3D version of the tale uses the latest motion capture technologies (ala Beowulf and The Polar Express) to allow actor Jim Carrey to bring the role of Ebenezer Scrooge to life. Billed as a “multi-sensory thrill ride”, the film required a lot of music to carry the audience along on Scrooge’s journey, and Silvestri recorded his holiday infused score at the Newman Scoring Stage at 20th Century Fox.
With Silvestri conducting a rather large ensemble of the Hollywood Studio Symphony, the score contains everything one would expect for a holiday film – classic Christmas carols, as well as plenty of new themes and material, orchestrated by Silvestri with Conrad Pope, Bill Ross, and John Ashton Thomas.
Alan Anthony Silvestri, nació el 26 de marzo de 1950 en Nueva York. Estudió guitarra en el Berklee College of Music y se dedicó al arte de la música para cine, como compositor y director de orquesta. Silvestri ha tenido una carrera bastante prolífica, con casi 40 años de trabajo, y es reconocido por su asociación con Robert Zemeckis, con quien ha trabajado en más de diez películas, a lo largo de 25 años.
En 1995, Silvestri fue nominado en los premios Oscar, por la banda sonora original de Forrest Gump, y recibiría su segunda nominación en 2005, por la canción original de El Expreso Polar titulada “Believe”, que compuso junto al letrista Glen Ballard. Gracias a este tema, Silvestri y Ballard recibieron el premio Grammy a Mejor Canción compuesta para cine, televisión u otro medio audiovisual en 2006.
Al igual que en la banda sonora de El Expreso Polar, el neoyorquino recurrió a música tradicional navideña, incluyendo algunos villancicos, y con esta base compuso la partitura original de Los Fantasmas de Scrooge, que fue interpretada por coros y orquesta dirigidos por él mismo. Con 18 cortes en total, esta banda sonora es bastante coherente y afortunada, con temas diferentes para cada uno de los momentos claves dentro de la película.
01. A Christmas Carol (Main Title) (04:21) 02. Scrooge Counts Money (00:48) 03. Marley’s Ghost Visits Scrooge (06:12) 04. The Ghost Of Christmas Past (04:58) 05. Let Us See Another Christmas (01:18) 06. Flight To Fezziwigs (01:27) 07. First Waltz (00:59) 08. Another Idol Has Replaced Me (01:40) 09. Touch My Robe (03:41) 10. The Clock Tower (01:50) 11. Carriage Chase (03:24) 12. Old Joe And Mrs. Dilber (02:28) 13. This Dark Chamber (01:56) 14. None Of Us Will Ever Forget (01:33) 15. Who Was That Lying Dead? (03:08) 16. I’m Still Here (01:26) 17. Ride On My Good Man (01:04) 18. God Bless Us Everyone (performed by Andrea Bocelli) (03:15)
Alabama is an American country band formed in 1969 with the original name Young Country. As Alabama they enjoyed considerable success in the 1980s with a string of platinum albums and many hit singles.
Young Country didn’t last long, as two members of the band went off to college. They got back together as Wildcountry in 1972, and a year later they decided to become full-time musicians. By 1977 they were Alabama and had signed an ill-fated one album deal with GRT. When the label went bust after a year, it took some time for the band to buy their way out of the restrictive contract.
After a self-released album, My Home’s in Alabama, they found success with the single “I Wanna Come Over”. The interest of the major labels was peaked and they signed to RCA Records. So began a successful recording career, with over thirty No.1 singles in the country music charts during the 80s and early 90s. Until 1999, all of their fourteen RCA albums achieved at least a platinum certification. The band announced that they would be retiring from touring after their Farewell Tour of 2003/4 but they have continued to release albums. Their most recent record was 2007′s Songs of Inspiration II.
Disc: 1
1. Santa Claus (I Still Believe in You) 2. Joseph and Mary’s Boy 3. Happy Holidays 4. Christmas Memories 5. Tonight Is Christmas 6. Thistlehair the Christmas Bear 7. Tennessee Christmas 8. Candle in the Window 9. Homecoming Christmas 10. Christmas in Dixie
Disc: 2
1. Rockin’ Around the Christmas Tree 2. O Little Town of Bethlehem 3. Christmas in Your Arms 4. New Year’s Eve 1999 5. Blessings 6. Christmas Is Love 7. When It Comes to Christmas 8. I Was Young Once Too 9. Night Before Christmas 10. Happy Birthday Jesus 11. Christmas Spirit 12. Hangin’ Round the Mistletoe 13. Little Drummer Boy
The Christmas Attic is the second album by the Trans-Siberian Orchestra, a rock opera, and the second installment of their Christmas Trilogy, the sequel to Christmas Eve and Other Stories and the prequel to The Lost Christmas Eve. This album contains a mix of vocal and instrumental songs.
Es una orquesta de Metal fundada por Paul O’Neill, Robert Kinkel y Jon Oliva en 1996. El estilo musical de la agrupación incorpora metal sinfónico, rock progresivo y heavy metal, con influencias de la música clásica. Trans-Siberian Orchestra es bien conocido por sus versiones de canciones de Navidad.
El grupo fue fundado en la ciudad de Nueva York en el año de 1996. El nombre está inspirado en el Ferrocarril Transiberiano en Rusia, del cual Robert Kinkel dice que conecta muchas culturas, al igual que la música. O’Neill había sido productor de bandas como Aerosmith, Humble Pie y Scorpions, luego de escribir y producir para la banda Savatage, donde empezó a trabajar con Kinkel y Oliva.
En el estudio de grabación, Trans-Siberian Orchestra usa una orquesta completa y un coro. En su gira del 2004, la banda incluía catorce vocalistas, catorce músicos y dos narradores. Trans-Siberian Orchestra lanzó su álbum debut, Christmas Eve and Other Stories en 1996, el cual se ha mantenido como el más vendido de su repertorio. Su disco de 1998, The Christmas Attic, utilizó un concepto similar, con canciones populares navideñas. Coristas de TSO.
En el 2000, lanzaron Beethoven’s Last Night (abandonando el concepto navideño), un álbum que trata de la última noche en la tierra de Ludwig van Beethoven. Después de algunos años de giras, volvieron al estudio para grabar Lost Christmas Eve, acogiendo nuevamente las canciones de Navidad.
1. The Ghosts Of Christmas Eve (02:15) 2. Boughs Of Holly (04:25) 3. The World That She Sees (05:59) 4. The World That He Sees (04:43) 5. Midnight Christmas Eve (04:22) 6. The March Of The Kings / Hark The Herald Angels Sing (03:52) 7. The Three Kings And I (What Really Happened) (06:29) 8. Christmas Canon (04:19) 9. Joy / Angels We Have Heard On High (03:56) 10. Find Our Way Home (03:46) 11. Appalachian Snowfall (04:12) 12. The Music Box (03:01) 13. The Snow Came Down (05:43) 14. Christmas In The Air (04:13) 15. Dream Child (A Christmas Dream) (07:05) 16. An Angel’s Share (03:05) 17. Music Box Blues (04:56)
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