Ô Houria (2010) es el nuevo trabajo de Souad Massi, junto con Francis Cabrel y su compañero de viaje y guitarrista Michel Françoise. Con una producción simplificada y más acústica que pretende dar protagonismo a su personalísima voz, en la que destacan principalmente las guitarras, la mandolina, el ukelele y el bouzouki y el oud del virtuoso Medhi Habbad (de Speed Caravan), los temas son cantados en árabe, francés e inglés, desarrollando una paleta musical que se desliza entre el folk, el jazz y el pop francés de los años 60.
El título principal, “Ô Houria” (“libertad”), es una celebración de la misma; "Une Lettre a Si H'Med" (una incursión en la música country), una ácida protesta contra la subyugación de Argelia; "Nacera" es un lamento por una mujer maltratada, y “Un Sourire” una llamada a la compasión humana. La balada "Let Me Be In Peace" nos trae un inesperado dúo con Paul Weller (antiguo lider de The Jam y The Style Council), “Stop Pissing Me Off” es una pieza de jazz-blues dominado por el riff del contrabajo, y “Tout Resta À Faire” es una de las pocas piezas en las que predominan los ritmos norafricanos.
En definitiva, un álbum que expresa todo un rango de emociones, que sorprende en el giro tomado en la producción pero que nos sirve para disfrutar, de nuevo, de la voz grave y cautivadora de una mujer que desborda talento y humanidad.
01. Samira Meskina 02. Tout Reste À Faire 03. Kin Koun Alik Ebaida 04. Ô Houria 05. Nacera 06. Une Lettre A… Si H´Med 07. Tout Ce Que J´Aime 08. Khabar Kana 09. Enta Ouzahrek 10. Stop Pissing Me Off 11. Un Sourire 12. Let Me Be In Peace (avec Paul Weller)
bonus tracks: 01. Aâlache Ya Denya (inédit) 02. Samira Meskina (version acoustique) 03. Une Lettre A… Si H´Med (version acoustique) 04. Un Sourire (version acoustique)
Argentinos en su totalidad, Los Andariegos nacen en San Rafael, Mendoza en 1954. Sus fundadores fueron: Pedro Floreal Cladera (Chacho Santa Cruz), Rafael Tapia, Juan Carlos (Pato) Rodríguez, Ángel Ritrovano (Cacho Ritro), Abel González y Francisco (Rubio) Gimenez. Trabajaron armonías con terceras, cuartas y quintas, lo que fue una revolución, ya que en esa época (los '50), los grupos armonizaban sólo con primeras y segundas voces. A fines de 1959, se aleja Chacho y tiempo después ingresa Raúl Mercado. En 1964 se aleja Abel González y un año mas tarde Alberto Sará se incorpora en lugar de Juan Carlos Rodríguez. Raúl Mercado y Agustín Gómez ocuparon los lugares de dos de los miembros originales.
Era época de largas temporadas en LR4 Radio Splendid y de largas giras por todo el país. El repertorio fue variando con el tiempo. Desde lo más tradicional y paisajístico hasta canciones de alto contenido social y testimonial, lo que trajo graves problemas a algunos de sus integrantes. En el año 1958 graban su primer Long Play con el sello ODEON, y el grupo se instala en Buenos Aires, donde ganaron peso dentro del panorama del folclore. Alberto Sará luego abandona el grupo, lo reemplazará Caro Herrada hasta su fallecimiento y Pepete Bertiz (Guitarrista de Mercedes Sosa) fue también un integrante hasta su pronta desaparición
Posee una discografía numerosa habiendo recorrido primeramente todo su país, posteriormente Chile, Bolivia, Brasil y Uruguay. En 1975 realiza una gira por Japón, junto a Mercedes Sosa, retomando en 1977, y en 1978 se ve obligado a disolverse amenazado por la dictadura militar. Ángel Ritro se dirige España acompañando a Alberto Cortés. Raúl Mercado se radica en Francia prosiguiendo su carrera de intérprete y compositor. Agustín Gómez y Karo Herrada continúan el trabajo y esta vez junto a Carlos Groisman y Héctor Staforini con gran experiencia docente conocidos arregladores y compositores. En el año 1981 muere en su provincia natal (Mendoza) Karo Herrada y Carlos Groisman y Héctor Staforini continúan otro destino.
En el año 1991 Juan Carlos Varela, Andrés Gómez, Jorge Giuliano y luego Néstor Basurto, jóvenes músicos se unen al talento y experiencia de Agustín Gómez para revivir una vez más a este grupo. El primer objetivo fue lograr el sonido fielmente que antiguos Andariegos habían creado y desde allí proyectar un repertorio no muy conocido por el publico.
A partir de 1998 se reagrupan en Barcelona a iniciativa del músico y productor Gilberto Piedras, luego de más de veinte años de separación, el grupo constituido por Ángel Ritro, Raúl Mercado, Agustín Gómez, Leonardo Sánchez y Gilberto Piedras, realizan giras en los mejores teatros de España, y en diferentes salas de nuestro País, junto a nuestro compatriota ALBERTO CORTEZ, culminando con la inolvidable presentación en el Teatro OLYMPIA de Paris, el 30 de Abril de 2001. En 2003 hacen una gira en las Islas Canarias y ante la imposibilidad de viajar de Agustín Gómez, éste fue reemplazado por Roberto López.
Así pareciera culminar la historia de Los Andariegos, conjunto que muchos consideran como el más renovador y original del cancionero Argentino.
... A pesar de todo
A pesar de los que hablan y mienten
A pesar de los que mienten y callan
A pesar de los que ven y son ciegos
A pesar de los sordos que oyen.
A pesar de los fabricantes del odio y de la miseria...
Raúl Mercado
Con la admiración de siempre a los maestros ...maria antonieta
01) Hacia el surco (Raúl Mercado / Roberto Margarido) 02) Canción con todos (Armando Tejada Gómez / Cesar Isella) 03) Volver siempre a San Juan (Armando Tejada Gomez / Ramirez) 04) Santa Cruz (Calvimonte / Luna) 05) Viva Jujuy (Rafael Rossi) 06) Balderrama (Gustavo Cuchi Leguizamón / Manuel J. Castilla) 07) El camino del café (Marfil) 08) Zamba para no morir (H. Quintana / Rosales) 09) La bagualera (Ariel Petrocelli) 10) Vamos a andar la noche (Daniel Toro / N. C. Miguens) 11) Al despertar del charango (A. Ritro) 12) Zamba del ángel (Ariel Petrocelli / Diaz) 13) Arriba en la cordillera (P. Manns) 14) Camino del indio (Atahualpa Yupanqui) 15) La flor de la canela (Chabuca Granda) 16) Si yo fuera río (Carlos Leguizamon / Marcelo Ferreyra) 17) Si un hijo quieren de mí (A. Ritro / Leonardo Castillo) 18) La Onceana (Eduardo Lagos / Juarez / Quiroga) 19) Canción para un niño en la calle (A. Ritro / Armando Tejada Gomez) 20) Esperanza en los días que vienen (A. Varga / R. Mercado)
Hernán Gamboa nació en San Tomé, Estado Anzoategui (pueblo ubicado en el este de Venezuela), en el año 1946. Demostrando un talento natural para la música, muy joven aprendió a tocar cuatro, guitarra y otros instrumentos de cuerda con su padre, Carmito Gamboa, trovador (cantante de comentarios sociales improvisados) de renombre. (Hernan Gamboa).
Dado que Carmito trabajaba en la industria petrolera y viajaba por todo el país, Hernán, a temprana edad, tuvo contacto con muchas tradiciones musicales venezolanas. Mas que a la guitarra, le dedicó mucho tiempo al cuatro (instrumento típico venezolano) y en poco tiempo llegó a ser arreglista e intérprete especializado. Su dominio de este instrumento es tal que inclusive ha desarrollado una técnica híbrida para tocarlo a la que se denomina “rascapunteo”, en la cual se combinan el llamado charrasqueo, muy característico del cuatro, con el punteo propio de la guitarra, así como acordes bastante complejos para lograr una sonoridad única y que, indudablemente, lo identifica.
En 1970 Hernán fue uno de los fundadores del conocido conjunto de música vocal "Serenata Guyanesa", con el cual tocó el cuatro y cantó como barítono durante 15 años. Llegando a ser muy conocido y haciendo giras por Venezuela y el extranjero. A partir del año 85, realiza una serie de trabajos en solitario.
En Miami, trabajó por varios años, hasta recientemente, como Agregado Cultural del Consulado Venezolano. Hoy es considerado el solista de cuatro más destacado de Venezuela. Ha elevado el cuatro al estatus de un instrumento solista de concierto y ha ampliado enormemente su potencial musical. Durante su carrera musical de 40 años, Gamboa ha compuesto o arreglado más de 200 obras, ha hecho más de 35 grabaciones y ha tocado en más de 60 países de América, Europa y Asia.
Entre sus trabajos recientes, cabe destacar el realizado con el actor Franklin Virgüez con quién se reunió para presentar “La palabra sirve para algo todavía”, espectáculo dirigido por Roberto Stopello, en el Auditoriúm del New Professions Technical Institute, de Miami. Se trata de una puesta en escena sencilla y mágica, donde 20 poetas representados por sus creaciones, están presentes, gracias al talento de Gamboa, quien compuso la música original para cada uno de los poemas. Fuente
El cuatro venezolano:
El cuatro venezolano, también conocido como cuatro llanero o cuatro tradicional, se usa en la ejecución de ritmos venezolanos entre los que más se destacan: el orquídea, el joropo, el merengue venezolano, la gaita de furro, la parranda central, el vals y el aguinaldo. El cuatro es parte inseparable de los conjuntos típicos de música llanera, junto con el arpa llanera (o bandola, según el caso) y las maracas. También se utilizaba como acompañamiento de canciones de ordeño que fue lo que dio origen a la tonada venezolana. Suele tener una función de acompañamiento, aunque también puede ocupar un puesto de solista, como instrumento de concierto, en algunos casos (por lo general, fuera del ámbito de la ya mencionada música llanera).
Normalmente se toca rasgueando las cuerdas con la mano derecha y haciendo los acordes con la mano izquierda. La afinación estándar no permite muchas salidas de este esquema, por lo que a veces es necesario cambiar la afinación para llegar a nuevas posibilidades melódicas, como en el caso del cuatro solista.
Algunos intérpretes destacados por su virtuosismo y desarrollo en el instrumento son Fredy Reina, Hernán Gamboa y Cheo Hurtado. También encontramos cantantes que han hecho del y para el cuatro un punto de referencia -y parte casi inseparable en ocasiones- en sus carreras artísticas, entre ellos podemos citar a Simón Díaz, Alí Primera, Gualberto Ibarreto y más recientemente El Pollo Brito. Sin dejar por fuera algunas agrupaciones emblemáticas como Serenata Guayanesa, el Quinteto Contrapunto, Ensamble Gurrufío ,El Cuarteto y recientemente C4 Trio. Fuente
Pistas:
01 - Pajarillo 02 - Conticinio 03 - El norte es una quimera 04 - In that morning 05 - Prisionero de amor 06 - Fiesta en Elorza 07 - Sombra en los medanos 08 - Juana y José 09 - La Reina 10 - Castro en Margarita
Desde un repertorio folklórico, los "ácidos", despojados de prejuicios y formulas, transitan canciones dejando fluir las más personales influencias. Juntos logran desde un sonido similar al de un trío de rock, hasta sutiles silencios donde el tiempo juguetea entre un fraseo de zamba y un golpe de bombo. Con una guitarra, bajo y batería, cantan temas de grandes como el "Cuchi" Lueguizamón o Víctor Jara y hasta se permiten hacer una versión de un hermoso tema de la Bersuit: "Vuelos".
Historia
Andrés, Daniel y Agustín se conocen en la Escuela de Música Popular de Avellaneda. Unos años después, entre bandas, historias y amigos, el 2004 los encuentra con ganas de construir un espacio sonoro alternativo. Hacia fin de ese año graban un demo con cinco canciones que les abre las puertas de centro culturales, peñas y de espacios reconocidos como el Auditorio de Radio Nacional y la casa del Fondo Nacional de las Artes. En el año 2006 comienzan a grabar su primer disco y ve la luz en junio del 2007. Lo llaman simplemente "Ácido Criollo", un buen punto de partido para este nuevo proyecto musical.
PRIMER DISCO : ÁCIDO CRIOLLO - producción independiente - 2007
Músicos:
Agustìn Ronconi: voz, guitarra y flauta traversa Andrés Fariña: bajo eléctrico y voz Daniel Diéguez: batería y bombo legüero
Lista de Temas
01. Chayita del vidalero (Ramón Navarro) 02. El cardón (Gustavo Santaolalla) 03. Mi suerte (Agustín Ronconi) 04. Vuelos (Pepe Céspedes) invitada Verónica Condomí 05. Buenos Aires (Agustín Ronconi) 06. Entrando la mañanita (introducción instrumental Agustín Ronconi) 07. A la mañanita y al amanecer (motivo popular recop. por Isabel Iretz) 08. Bajo el azote del sol (música: Cuchi Leguizamón letra: Antonio Nella Castro) invitada Verónica Condomí 09. La del mono (Agustín Ronconi / Andrés Fariña) 10. El encuentro (Víctor Jara) 11. Grito santiagueño (Raúl Carnota) 12. Fueguito de la mañana (Peteco Carabajal) 13. Acidita (Agustín Ronconi)
El afrobeat sigue avanzando en el proceso de mostrar su idiosincrasia, una identidad cultural propia y un estilo musical característico unido a un discurso político, panafricanista, antibeligerante y anticolonialista. El afrobeat no tiene fronteras y su poderosa influencia ha alcanzado países como Alemania, Holanda, Dinamarca, Islandia, Noruega, Suecia, Finlandia, Israel, Brasil, Colombia, Japón, Nueva Zelanda y, España, donde la escena va consolidándose y dando sus frutos, véase el caso de los incipientes Afro Soul Toasting All Stars o Alma Afrobeat Ensemble, sin olvidar a Gecko Turner, los desaparecidos Couscous Party, Radio Malanga, Makala o Javi P3z, y los remixes de Sr Lobo & Watch TV y Dj Floro & Ale Acosta.
Republicafrobeat Vol.3 sigue recogiendo la lectura que del afrobeat se hace en la actualidad. Este volumen muestra una visión occidental, en cierto modo desligada de los patrones del afrobeat en cuanto a duración y a contenido de las letras, más abierta a nuevos estilos musicales como es el caso de Kokolo o Vanguardia Sonora, que conjugan el afrobeat con ritmos latinos, y la inclusión de remezclas made in Spain. Se integra también el trabajo que mujeres como Sandra Izsadore o Sofi Hellborg realizan alrededor del género.
1. Look – Izsadore, Sandra 2. JJD (Afrodisiac Soundsystem remix) – Rhythm Roots All Stars 3. Afro Riddim (Crucial T remix) – Aiff 4. Congo Bongo (DJ Floro & Ale Acosta mix) – Kokolo 5. Music Is The Word – Sofrito Specials & Jonas Sonko 6. Parasite – Souljazz Orchestra 7. Music Is The Weapon (DJ Floro & Ale Acosta mix) – Afro Soul Toasting All Stars 8. One Eyed Captain – Deela & Mango Juice 9. Crache La Douleur – Fanga & Tony Allen 10. Platypus Strut (extended strut) – Ohmega Watts 11. Wouldn’t That Be Fun (Sr. Lobo & Watch.TV mix) – Hellborg, Sofi & Tony Allen 12. La Vida Buena – Vanguardia Sonora & Totin Agosto 13. Global Party – Tenor, Jimi & Kabu Kabu
La historia de Giulia y Los Tellarini es una historia de casualidades y caprichos del destino, quien quiso que un buen día la italiana Giulia Tellarini apareciese con su acordeón en el estudio MaikMaier de Barcelona, en aquellos momentos habitado por Maik Alemany, Jens Neumaier y Alejandro Mazzoni. Enamorados de su voz, inician inmediatamente este proyecto que recorre parajes musicales de todo el mundo: la calidez mediterranea, la sugerente /chanson/, el tremendismo latino, la fatalidad mexicana y la elegancia jazzy. A través de estos caminos, y con la ayuda de diversos músicos y amigos, crean las canciones de “Eusebio”, un disco abrumador, persuasivo y maravilloso.
El destino una vez más hace que una copia de “Eusebio” llegue a las manos de Woody Allen, quien queda fascinado con la música de Giulia y Los Tellarini y decide incluirla en la banda sonora de “Vicky Cristina Barcelona”, la película que en aquellos momentos se encontraba rodando en Barcelona. Es precisamente la canción que lleva el nombre de la ciudad escogida como tema principal de la película, así como “La Ley Del Retiro” es también elegida para aparecer en el metraje.
Mientras tanto, el grupo ultima el lanzamiento del disco a través de La Colazione, su propio sello creado como proyecto conjunto del estudio MaikMaier con la cooperativa Sones, y preparan los directos de presentación de “Eusebio”.
¿ Y quién es Eusebio? Eusebi es jubilado de profesión y dibujante de corazón. Entrañable habitante del barrio de Gràcia, es fácil encontrarlo en los cafés y plazas de su entorno retratando a todo aquel que se preste voluntario. Su inigualable estilo ha fascinado siempre a los miembros del grupo, quienes han decidido recopilar los retratos de cada uno de ellos en el libreto que acompaña al disco. Existe también un documental sobre este tal Eusebi donde se le puede conocer algo mejor. www.untaleusebi.com
1 Il Principe 2 Barcelona 3 Buenos Aires 4 Markitos 5 No quiero crecer 6 Ay mi niña 7 Tramontana 8 Mais Si L’amour 9 Mil llorares 10 La ley del retiro 11 Mon chien 12 No Quiero Crecer (Reprise)
El “cuarteto de solistas” como se hacen llamar a veces, toman géneros diversos musicales argentinos y latinoamericanos (folklore, candombe, tango) en un ensamble bien complejo pero totalmente seductor y con mucha fuerza. Fusión de ritmos en formato acústico, siempre con el inspiradísimo Mono y su mágica flauta traversa. Con una actitud jazzística, este cuarteto aborda zamba, chacarera, tango, candombe y otros estilos con gran sentido estético. Como siempre, el Mono nos lleva hasta el cielo con su flauta... pero el resto de la banda no se queda sólo en rol de acompañante y cada uno a su turno nos entregará un pasaje para volar.
Galardonado con el Premio Gardel 2006 Mejor Álbum/ Artista Grupo de TANGO NUEVAS FORMAS
¡que lo disfruten!
Musicos Mono Izaurralde en flauta, Nestor Gomez en guitarra, Matias Gonzalez en bajo Horacio Lopez en batería
TrackList: 01 - Libertango 02 - Fu Rire 03 - Copla del Valle 04 - Our Spanish Love Song 05 - Y vos quién sos? 06 - La Brea Pozo 07 - First Song 08 - La llamadora 09 - Oblivion
Café Cubano, de la colección Cafés de Putumayo, es una seductora colección de canciones que nos transporta a los encantadores cafés de esta isla caribeña de inmensa riqueza musical. Este álbum presenta una selección de intérpretes excepcionales que incorporaron a su música la diversidad de tradiciones musicales y estilos que caracterizan a la música cubana, que tiene sus raices en años de interacción entre culturas europeas y africanas.
Varias de estas canciones contienen influencias del movimiento de la “nueva trova”, donde la poesía de las letras se combina con tradiciones musicales folclóricas panamericanas. Otras se mantienen fieles a las sensuales guajiras, los románticos boleros y los sones tradicionales que fueron el sustento de las famosas grabaciones del Buena Vista Social Club. En definitiva, una selección para deleitarse.
01. José Conde y Ola Fresca • El Chacal 02. Ignacio "Mazacote" Carrillo • Lágrimas Negras 03. Pedro Luis Ferrer feat. Lena Ferrer • Ay, Mi Vidita 04. René Ferrer • Como A Cada Mañana 05. La Orquesta Mágica De La Habana • Morenita 06. Germán Obregón • Pincel Campesino 07. Armando Garzón • Escándalo 08. Asere • Corazón 09. Félix Baloy • Después de esta Noche 10. Kelvis Ochoa • Fué Una de Mambo
Resopilacion de varios artistas de la musica tradicional española,desde castilla asta galicia,pasando por el pais vasco y asturias. Son caciones tradicionales que nos reportan a nuestros viejos tiempos. En el disco esta incluido el programa de "Radio patrimonios" en formato mp3 mezclado.
1 Castlla:canto de esperanza--Nuevo Mester de Juglaria 2 Li Rosignox--Eduardo Paniagua 3 Verdeguea y Grana--La Musgaña 4 El Oso--El Espiritu del Lugrube 5 Como los erizos en el mar--Non Trubada 6 El llau--Tarañu 7 El son de repique--Eliseo Parra 8 Jota tradicional de la provincia de Burgos--Anonimo 9 Jota Castellana--Escuela de dulzainas Carbonero 10 La siega--Julio Prada 11 Mucho me gusta la sidra--Musica tradicional Astur 12 Muñeira de LLiberdon--Astura 13 Txalaparta Dantza--Oreka tk 14 Señales de vida--la bruja Gata 15 Ume horren eskua--Oskorri 16 Balada dos siete mariñeiros--Fuxan os ventos 17 Barralin--Texedor
Anoushka Shankar (en bengalí: অনুষ্কা শংকর, nacida el 9 de junio de 1981) es una intérprete de sitar y compositora de Estados Unidos. Es la hija del intérprete de sitar hindú Ravi Shankar, y Sukanya Rajan, una empleada bancaria. Es la media hermana, a través de su padre, de la ganadora de varios premios Grammy, Norah Jones.
Shankar nació en Londres y su infancia se dividió entre Londes y Delhi. Como adolescente, vivió en Encinitas, California y cursó en la San Dieguito Academy. Graduada con honores en 1999, Shankar decidió establecer una carrera en la música en lugar de seguir una carrera universitaria.
Shankar comenzó a ser entrenada en el sitar por su padre desde niña, dando una actuación pública a los trece año, y firmando su primer contrato de grabación a los 16.
El 29 de noviembre de 2002, participó y condujo el Concert for George en el Royal Albert Hall en Londres. Fue un homenaje en memoria de George Harrison.
Premios:
British House of Commons Shield, 1998.
Premio «Mujer del año» (compartido con Kareena Kapoor, Ritu Beri, y Rhea Pillai) en el Dïa internacional de la mujer de 2003.
Shankar es defensora de los derechos animales y PETA (Personas por el trato ético de los animales). Ella y su padre aparecieron en un anuncia de servicio público en contra del sufrimiento de los animales. Además es vocera por las Naciones Unidas del programa de alimentos en India. Fuente
RISE
Rise es un disco de Anoushka Shankar lanzado el 27 de septiembre de 2005. Este álbum fue elegido como uno de los Top 100 de Amazon de 2005 (# 82). En grabaciones anteriores, siguió los pasos de su padre, Ravi Shankar, realizando la música de forma relativamente tradicional, basada en la raga. Rise, sin embargo, es completamente otra cosa , incorporando jazz, pop, músicas del mundo y texturas pan-étnicas en una mezcla impredecible. Aunque en el centro de todo está la infalible experiencia del sitar de Shankar y las raíces tradicionales de la India. Fuente
Este es el último álbum de Lisandro Aristimuño, editado en 2009. Respirando nuevamente el aire de su Patagonia natal, parte en un doble viaje: en un disco, la entrega intimista en solitario, como cantautor frágil, crudo, con aire y calor de hogar; y en el otro, el vuelo más experimental y sobrecargado, amparado no sólo por los Azules Turquesas, sino también por invitados como Fito Páez y Diego Frenkel, más un arsenal de instrumentistas.
Doble álbum y apuesta –al perseverar en la producción independiente, ahora a través de su sello Viento Azul-, profundiza aquí su búsqueda en un pop sinuoso, extendiendo las fronteras de la canción, a través de un juego atmosférico de vuelo electrónico y ancla folk.
Lo logra con mayor riqueza tímbrica y sofisticación de arreglos en el capítulo I –grabado en febrero en Circo Beat-, donde sus melodías mántricas, cual postales de llanuras interminables, se revisten de matices y sonoridades superpuestas de voz, sesiones de cuerdas y vientos, ruidos y loops. Muy electrónico y cargado, pareciera hacer guiños, ya no a la ciudad de Buenos Aires tan presente en Ese asunto en la ventana (2005) y 39º (2007), sino al mundo que ha visto gracias a sus giras: de un lado, el salto a Europa, y, del otro, el regreso a su tierra, al interior de Argentina, pero también a los vecinos Chile y Uruguay.
“Es como un disco-diario. Está impregnado de viajes”, nos confesó él, en una entrevista que se publicará próximamente en la edición aniversario de la revista Ladosis.
De allí que suenen ritmos de cueca chilena, acordes y letras relacionadas con el viento, el río, llanuras y espacios al descampado, pero también acordeones tipo parisino, ciertas frases o coros en inglés y alguno que otro sampler como de televisora extranjera.
De hecho, la voz en alemán de una niña es la que abre el disco. Pero enseguida se da paso a un sonido muy electrónico y a la vez orgánico, por momentos con ribetes de banda sonora, en el que siempre se logra sentir ese aire a Patagonia, sin las telarañas del museo.
Es un disco de clima templado, calmo, pero aún así luminoso; con un tono juguetón y hasta naive, pero de compleja construcción y lleno de detalles y texturas armónicas que vale la pena escuchar con audífonos.
Su peculiar tino para crear atmósferas a través de capas solapadas de voces, cuerdas y efectos de sonido puede apreciarse bien en la última parte de “Perdón” o en “Green Lover”, cuya letra podría ser parte de un decálogo: “llevo discos de los Beatles… llevo un blues dentro de este rock (o ron)... llevo a Luis cantándole al sol”. Con tono festivo, en “Es todo lo que tengo y es todo lo que hay” dialogan bien los loops con las cuerdas; mientras que en “Fin, 2, 3”, “Perdón” o “Cuentan”, asume un matiz un tanto más dramático, certeramente reforzado por los arreglos más orquestales. En materia de colaboraciones destacan “Y vos adonde estás”, con el rapeo de Diego Frenkel, y el valsecito “Desprender del sur”, con una precisa sesión de cuerdas y la intervención de Fito Páez. No obstante, la interpretación de Aristimuño resulta, a nuestro juicio, más expresiva que la del invitado. Por su tono juguetón y ese toque bucólico con aires de nuevo siglo, conmueven “Azúcar del Estero” y “Cosas de un soñador”. Inician el tema loops de frases en esa peculiar jeringoza, con la que él suele componer. Y junto con Palo Pandolfo logra un delicado y emotivo fraseo. En el segundo capítulo, Aristimuño se reconecta con su lado más intimista, aunque no tan desnudo como su último concierto en Barcelona.
Encerrado en una casa en Vigo, quiso “cantarle al invierno y al fueguito”, capturando por micrófono todo el sonido rústico y en crudo de cuando nacen las canciones, con todo el aire, las respiraciones e, incluso, el error. Pero en lugar de quedarse en la onda acústica con su guitarra, toca aquí también batería, bajo y piano, además de apelar a sus clásicos juegos armónicos de voz.
Y aunque líricamente no alcanza la riqueza de un Spinetta, que por sonido a veces pareciera evocar, se sobrepone a los bajos por la expresividad de su entonación siempre al borde del quiebre, por su riqueza armónica y su capacidad para crear piezas ricas en texturas: “Ella”, “Hoy” y “Trece lunas y un laberinto”. La más desnuda y quizá por eso con un matiz un tanto diferente es “Días Breves”, una descarga un pelín más atormentada, sobre todo respecto al vuelo inocente de “Caminata”, la remembranza en clave folklórica de “Mi memoria”, o la tierna “Trece lunas y un laberinto”.
De invitados en este capítulo sólo cuenta con el español Quique González, pero aunque antes hemos visto colaboraciones interesantes, esta vez la selección del tema nos parece desafortunada. El timbre de voz de González no cuadra demasiado para “Otra canción de cuna”.
Las Crónicas… es, pues, una entrega bastante ambiciosa. Aunque se trata quizá del más universal de sus discos, lleva un paso más adelante esa amalgama que bebe de la tradición, respira por la electrónica, corretea por la experimentación, se estremece en poética trovadoresca y exhala rock argentino.
Las Crónicas del Viento (CD1):
01. Lisandro Aristimuño - Abc. 02. Lisandro Aristimuño - Es todo lo que tengo y es todo lo que hay 03. Lisandro Aristimuño - Fin, 2, 3 04. Lisandro Aristimuño - Desprender del sur 05. Lisandro Aristimuño - Cosas de un soñador 06. Lisandro Aristimuño - Perdón 07. Lisandro Aristimuño - Green-lover 08. Lisandro Aristimuño - Azúcar del estero 09. Lisandro Aristimuño - Y vos adonde estás 10. Lisandro Aristimuño - Cuentan 11. Lisandro Aristimuño - Puente
Las Crónicas del Viento (CD2):
01. Lisandro Aristimuño - Fecundación (te llamo sin parar) 02. Lisandro Aristimuño - Hoy 03. Lisandro Aristimuño - Ella 04. Lisandro Aristimuño - Caminata 05. Lisandro Aristimuño - Todas las hojas del jardín 06. Lisandro Aristimuño - Mi memoria 07. Lisandro Aristimuño - Nada de nada 08. Lisandro Aristimuño - Trece lunas y un laberinto 09. Lisandro Aristimuño - Otra canción de cuna 10. Lisandro Aristimuño - Días breves 11. Lisandro Aristimuño - Vi tu foto
El marroquí Abdeljalil Kodssi dejó su oficio de barbero en la populosa y fascinante plaza de Jmà el Fnà de Marrakech para dedicarse a la música en la década de los ochenta con su grupo beréber Muluk El Hwa, fundado en la misma ciudad en 1973 parcipando en fiestas religiosas, bodas y celebraciones populares. Kodssi llegó a Barcelona de la mano del escritor Juan Goytisolo, primero pasó por el grupo Al Tall para el mítico “Xarq Al-andalus” ( RTVE, 1985). Luego sería el cantante del grupo gnawa Nass Marrakech, con quienes ha grabado un par de extraordinarios trabajos. Tuvo que esperar a 2002 para publicar su primer disco “Mimoun” (Ventilador Music), suerte en árabe, con producción del cubano Omar Sosa: un disco brillante con momentos mágicos donde la tradición gnawa se unía al jazz, el flamenco y jazz. Ahora Jalil ha publicado “Oulad Fulani Ganga”, los hijos de la familia que toca el tambor, con la producción de Javier Mas y grabado entre Barcelona (donde reside desde hace dos décadas) y Marrakech. En la grabación han participado más de una docena de artistas amigos con los que ha ido a la raíz de su cultura beréber y nos muestra una música gnawa desde una perspectiva contemporánea, obteniendo un resultado final embriagador y deslumbrante. (fuente: lossonidosdelplanetaazul.com)
Abdeljalil kodssi, uno de los músicos mejor considerados e innovadores del panorama musical Gnawa nos ha vuelto a sorprender con OULAD FULANI GANGA, producido por Javier Mas. En este disco, Abdeljalil combina su enigmático carisma y espiritualidad con melodías y acordes perfectamente sincronizados, haciendo que con un cerrar de ojos nos transportamos a la magia de las calles de la medina de Marrakech, ciudad donde Kodssi grabó el disco. Mediante su voz, nos acerca al misticismo y nos hace viajar a lugares ancestrales que no sabíamos ni que existían pero que Kodssi nos ayuda a descubrir... dentro de cada uno de nosotros. Y es que esto no se consigue, tan solo, con una instrumental fantásticamente elaborada y una voz con fuerza y personalidad propia, como es el caso, sino también con una combinación de elementos mágicos que solo Kodssi sabe transmitir. (fuente: ventilador-music.com)
Cuando cae la noche en Dakar y los silbidos del viento frio del Atlantico se oyen por las calles de la ciudad, los cantos sufíes islámicos espirituales conocidos como zikr infunden en el aire de la noche. Joven seguidor Baay, se une a los seguidores del guía espiritual Cheikh Ibrahima Fall (Cheikh Lo), para reunirse y celebrar su fe con las llamadas apasionadas a su guía, cantando y coreando su nombre durante las vigilias durante toda la noche, con la esperanza de compartir la gracia espiritual que los canales de Dios tiene para el hombre .
Dakar es una de las ciudades más musicales de África, y la música es una expresión para todos los que viven allí, como una celebración espiritual, una efusión de frustración, como una crítica de los acontecimientos, o por el bien de entretenimiento. Está en los taxis y autobuses que bajaban por la avenida Cheikh Anta Diop, en la voz ronca de un adolescente practicando sus letras de rap en el pavimento, en los riffs cargados de funk que salen de un pequeño bar en medio de la noche, o en la llamada del muecín de la mezquita al amanecer. Está en todo el mundo, y todo, y sobre todo en la religión.
Carlou D nació y se crió en los suburbios de Dakar. Cuando se quedó para cuidar de su familia cuando era un adolescente que de repente entiende el viejo adagio de que las personas que sufren mucho están cerca de Dios. La música se convirtió en su manera de expresar lo que veía a su alrededor.
Como un adulto joven Carlou se unió a su primer grupo de hip-hop, Positive Black Soul, y aprobó con una voz que habla sobre los males sociales, el comportamiento humano y las situaciones políticas. Despues de seis años la experiencia obtenida desde el hip-hop. La mezcla de este con elementos musicales del jazz, el soul y las raíces acústicas, así como la espiritualidad, Carlou ha desarrollado algo que él sentía que podría utilizar como una forma de limpiar el alma.
Más Información: http://www.myspace.com/carloudmuzikr ixzz14PX9XBPp # 1. Sam Fall 2. Fi Ma Dar 3. Nanioul 4. SEN REGAL 5. Yaay Fall 6. Gorée 7. Ila Touba 8. Namenala 9. Meun Nako Def 10. Yaaboyo 11. Dieuredieufe Modou
Melismas saharianos, blues en crudo, guitarras electricas, cálidos saxos, contundentes tambores... Asmara All Stars nos reúne y presenta a algunos de los mejores músicos y cantantes de Eritrea, aún bajo sombra de confilcto bélico con su vecina Etiopía, y muestra la enorme diversidad sonora del país, a la par del elevado nivel de solvencia musical que el improvisado combo posee. Música con un elevado poder de excitación producida y dirigida por el polifacético y plural artista francés Bruno Blum, básicamente conocido allende su país por los tres discos dub/reggae que le produjo a Serge Gainsbourg. Asmara All Stars es un proyecto que ha tenido que solventar severos problemas políticos pero que muestra la inusitada y desconocida para nosotros riqueza sonora e interpretativa de un país joven de antiquísima tradición musical ante la que el exigente acólito de la cultura del continente negro quedará más que gratamente sorprendido.
Fishtank Ensemble (or simply Fishtank) is a Euro-American musical group that formed in Oakland, California in 2004. They perform a variety of traditional musical styles including klezmer, flamenco, Japanese folk and Roma music. They are one of many bands to be commonly associated with the California-based eclectic indie band Estradasphere.
Fishtank Ensemble first formed and performed together at The Fishtank in Oakland, California in January 2004. First known as Fishtank, the band is named after this venue. The band’s premiere performances were recorded live. These recordings would become the band’s debut full-length CD, Super Raoul, which was released November 2005.
In November 2007, Fishtank Ensemble self-released a second full length album of material called Samurai Over Serbia. On Samurai Over Serbia, traditional eastern European, gypsy jazz, klezmer and original tunes are arranged to fit the ensemble’s unconventional, but imaginative sound. In recent years, the group has been performing consistently throughout the United States and Europe
